31 diciembre 2010

NICHOLAS RAY - SANGRE CALIENTE



Hot Blood
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Jean Evans, Jesse Lasky Jr.
MÚSICA: Les Baxter
FOTOGRAFÍA: Ray June
REPARTO: Jane Russell, Cornel Wilde, Luther Adler, Joseph Calleia, James H. Russell, Nina Koshetz
USA, 1956, 85min.
SINOPSIS: Dos gitanos se casa por imposición del hermano mayor del varón. En principio no están enamorados ni él quiere pasar por la tradición gitana, así que se producirán una serie de desencuentros.
OPINIÓN:
Nunca había visto esta película, así que desde los títulos de crédito hasta el final he ido de sorpresa en sorpresa. Con los ojos como platos me he quedado cuando he visto la ambientación de un clan gitano europeo en Estados Unidos. No me lo podía creer y cuando entra en escena Cornel Wilde, casi me levanto para apagar el televisor. Menos mal que me he dado cuenta a tiempo que me he comprometido a un ciclo de Nicholas Ray y he continuado sentado. Y digo menos mal, porque he podido disfrutar de una Jane Russell que lleva ella solita toda la película. O quizás es que no he tenido ojos más que por ella. A medida que iba pasando la historia yo dudaba de estar viendo una película de Ray, y menos una película realizada después de las que son sus joyas: “Johnny Guitar” y “Rebelde sin causa”. Hay unos números musicales, o eso pretenden ser, que no pueden estar peor realizados y sobre todo cuando se produce el salto de los primeros planos del protagonista a plano general. ¡Cómo se nota que no son el mismo actor! ¿Y el paso del tiempo? En algunos momentos parece que lo ocurrido fue ayer cuando ya han pasado meses. Y hay que llegar al final para creérselo, o no, porque ni en los cuentos de Disney se solucionan las cosas de esa manera. Aunque el director se viera obligado a dirigir este bodrio tenía que haberle dado un poco de dignidad. Insisto, no me lo puedo creer. Véanla, véanla y juzguen ustedes. No soy tan malo, así que mejor no la vean. Y yo me voy a preparar para disfrutar de esta nochevieja y aprovecho para desearles muy buen cine en el 2011.

21 diciembre 2010

NICHOLAS RAY - MÁS PODEROSO QUE LA VIDA



Bigger than Life
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Cyril Hume & Richard Maibaum
MÚSICA: David Raksin
FOTOGRAFÍA: Joe MacDonald
REPARTO: James Mason, Barbara Rush, Walter Matthau, Robert Simon, Christopher Olson
USA, 1956, 95 min.
SINOPSIS: Un profesor que sufre una rara enfermedad tiene que tomar una medicación a base de cortisona que le afectará en su comportamiento.
OPINIÓN:
Nicholas Ray utiliza el formato cinemascope de forma genial para una película de análisis psicológico, moviendo la cámara sutilmente para que todos los personajes queden perfectamente encuadrados en el ambiente correspondiente. O bien, cuando son varios los coloca de forma tal que turba al espectador, como ocurre en la habitación del hospital. Con una interpretación magistral de James Mason, Ray analiza lo que le ocurre a un enfermo aterrorizado por lo que le ocurre y trasmite ese terror a todos los demás personajes que conviven con él. Pero lo que más me ha gustado de esta película es la forma en la que el director disecciona varios aspectos de una sociedad aburguesada en la que familia, educación, religión y otros pilares sociales parecen intocables. Destacable es la escena del espejo roto en el que hay un juego de realidad y de falsa realidad proyectada en los trozos del espejo.

10 diciembre 2010

NICHOLAS RAY - REBELDE SIN CAUSA


Rebel Without a Cause
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Stewart Stern
MÚSICA: Leonard Rosenman
FOTOGRAFÍA: Ernest Haller
REPARTO: James Dean, Natalie Wood, Sal Mineo, Jim Backus, Ann Doran, Corey Allen, William Hopper, Edward Platt, Nick Adams, Dennis Hopper
USA, 1955, 111min.
SINOPSIS: Tres jóvenes coinciden en una comisaría. Cada uno está allí por un motivo distinto pero básicamente el origen está en la relación con sus padres. Después coincidirán en el lugar de estudios y a partir de ahí viven experiencias comunes
OPINIÓN: Nicholas Ray sabe como utilizar los planos para sobreimpresionar los títulos de crédito y aquí se luce con un muchacho tambaleante por los efectos del alcohol que se tumba a dormir la mona en medio de la calle junto a un juguete que acaba de encontrar. A continuación el director sitúa a tres jóvenes, los tres protagonistas, en una comisaría de policía donde están retenidos por delitos menores. Y es ahí donde conoceremos las causas por las que cada uno ha llegado a ser un inadaptado social. El guión es más que correcto para contarnos la historia y aquí mismo, en la comisaría, se darán los elementos que después aparecerán en la unión de las historias de los tres protagonistas. Conoceremos también su relación con la familia en esta comisaría, aunque después se maticen esas relaciones. Y arranca la historia de estos tres jóvenes que van a vivir sus encuentros y desencuentros fundamentales en 24 horas. A los tres les sobra todo lo material y les falta el cariño. Esa búsqueda de cariño es la que les va a unir. Es cierto que de en la mitad final de la película sobran detalles sensibleros pero la historia que nos cuenta el director es esa. ¿Y cómo la cuenta? porque esto es la base de una película, pues cuidando mucho los planos de sus tres protagonistas y en especial los de Sal Mineo que es el papel secundario. Nicholas Ray se nota que está trabajando a gusto con los tres jóvenes, y estos, como presagiando su futuro, se entregan al director. James Dean murió en un accidente de coche a los 24 años, Natalie Wood se ahogó a los 43 años y Sal Mineo murió asesinado a los 37 años.
Por supuesto que para mi esta no es la mejor película de Ray y sólo la calificaría de buena. Algo que no me gusta es la situación de los personajes en los primeros planos a los que les sobra demasiada pantalla aunque lo compensa con esa maestría que tiene en montar los planos de conjunto donde cada personaje está situado en un punto de interés.
He observado que ahora se acercan por primera vez a la película, muchos espectadores que quedan defraudados. Y es que se ha escrito mucho sobre esta película, pero si lo analizamos bien, veremos que se ha escrito sobre James Dean pero no exactamente sobre la película.
De todas formas hay que verla y si es posible, despéjese de los prejuicios.

29 noviembre 2010

NICHOLAS RAY - JOHNNY GUITAR



Johnny Guitar
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Philip Yordan (Novela: Roy Chanslor)
MÚSICA: Victor Young
FOTOGRAFÍA: Harry Stradling
REPARTO: Joan Crawford, Sterling Hayden, Scott Brady, Mercedes McCambridge, Ward Bond, Ernest Borgnine, John Carradine, Royal Dano, Ben Cooper
USA, 1954, 110min.
SINOPSIS: La dueña de un saloon espera que pase el ferrocarril por allí y hacerse rica. En el pueblo los poderosos están en contra. Ella contrata a un pistolero para que le ayude. Este pistolero y la dueña del saloon han estado enamorados antes.
OPINIÓN:
Nicholas Ray que ha cuidado mucho algunas presentaciones de sus películas anteriores pero en esta, que para mi es su obra maestra, coloca los títulos sobre un fondo azul y con unas letras comunes, poco elaboradas. La primera media hora es toda una lección de arte, del 7º arte, en la que mediante planos que son pinceladas maestras entramos en la trama y en la psicología de cada personaje. Sin duda el mérito es del director, pero hay que destacar la magnífica interpretación de todos los actores, principales y secundarios. El guión de esa media hora es para tenerlo por escrito y leerlo mientras imaginas la planificación que podría dársele. No creo que ningún director hubiera interpretado este guión como lo hizo Nicholas Ray. Toda la película es un enfrentamiento continuo de unos personajes con otros, no sólo con los puños y las armas, sino también dialécticamente marcando cada uno su personalidad. La mujer participa en estos enfrentamientos al mismo nivel que el hombre y esto le da un carácter especial a este western que se adelanta en el tiempo con la valoración de la mujer. El director tiene mucho cuidado en colocar a cada uno en un sitio que siempre será el adecuado para que los planos que se puedan tomar remarquen la personalidad de cada uno, más que las palabra que digan. Si los primeros planos son perfectos y los actores saben responder a ellos, los planos de conjunto son de arte y consiguen presentarnos a todos los personajes como en una coral de tragedia griega. Como quiera que todos sabemos que esta película es una historia de amor, Nicholas Ray salpica continuamente las referencias amorosas y de desamor con auténticas peleas al más puro estilo del oeste y consigue la que para mi es su obra maestra, la obra mítica, sin que se le pueda tildar de melodramático.

24 noviembre 2010

NICHOLAS RAY - BUSCA TU REFUGIO



Run for Cover
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Winston Miller (Historia: Harriet Frank Jr., Irving Ravetch)
MÚSICA: Howard Jackson
FOTOGRAFÍA: Daniel L. Fapp
REPARTO: James Cagney, Viveca Lindfors, John Derek, Jean Hersholt, Grant Withers, Jack Lambert, Ernest Borgnine, Ray Teal, Irving Bacon, Trevor Bardette, John Miljan, Gus Schilling
USA, 1955, 93 min.
SINOPSIS: Una pareja de hombres son confundidos con unos asaltantes de trenes. En la persecución es herido el más joven y a partir de ahí el mayor se hará responsable de él. El pueblo, en desagravio, los nombran sheriff y ayudante. El pasado del actual sheriff y la juventud de su ayudante irán aflorando en los acontecimientos del pueblo.
OPINIÓN:
Magníficos planos para los títulos de crédito de una auténtica película del oeste que van acompañados de un canción al más puro estilo far-west. Un hermoso valle, un jinete a caballo que se dirige a un río para beber, alguien aparece por detrás y ¡zas! desenfunda la pistola. No hay duda que se trata de una película del oeste. El primer jinete es Matt, algo maduro, y el que aparece jugándose la vida es Davey, un muchacho de un pueblo cercano que quiere vivir una vida más interesante que la que lleva. Un detalle muy de Nicholas Ray, mientras Helga está tirando con fuerza de un ternero y acarreando un gran cubo de agua, lleva en la otra mano un ramo de margaritas. ¿Se puede expresar mejor como es esa mujer? James Cagney está soberbio en su interpretación de sheriff que antepone siempre la justicia y tiene un momento precioso de humor cuando en los calabozos está hablando con Helga y dando rodeos para declararle su amor y esta se le adelanta aceptándole en matrimonio. A continuación se produce otra escena divertida y muy bien interpretada en tono de comedia cuando Matt va a casa de Helga para pedirla en matrimonio. Este recurso de incluir un momento de comedia que relaje al espectador en los momentos difíciles de la película es algo que Ray ya ha empleado antes y le sale muy bien. El espectador se lo agradece. Hay sheriff, forajidos, persecuciones a caballo, disparos a ver quien desenfunda antes y hay hasta indios. Todo lo que se espera de una buena película del oeste. Pero si alguien busca amor, o análisis psicológico que no se engañe, aquí lo hay y del mejor. Película altamente recomendable.
¡PERDÓN! Un enorme error cometido por mi parte y descubierto por ese sagaz bloguero que es ANRO, cuyo blog os recomiendo encarecidamente, me ha hecho dar esta opinión antes de la opinión que tengo sobre "Johnny Guitar", cuya realización de 1954 es anterior a "Busca tu refugio"

18 noviembre 2010

NICHOLAS RAY - HOMBRES ERRANTES





The Lusty Men
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Horace McCoy, David Dortort (Novela: Claude Stanush)
MÚSICA: Roy Webb
FOTOGRAFÍA: Lee Garmes (B/N)
REPARTO: Susan Hayward, Robert Mitchum, Arthur Kennedy, Arthur Hunnicutt, Frank Faylen, Glenn Strange, Lane Chandler, Walter Coy, Carol Nugent, Maria Hart, Lorna Thayer
USA, 1952, 113min.
SINOPSIS: Tras una serie de accidentes un famoso vaquero que se dedica al rodeo se emplea en un rancho. Un joven lo reconoce y le pide que le entrene. El vaquero, el joven y su mujer irán por las distintas competiciones estableciéndose una serie de vínculos entre ellos.
OPINIÓN:
La película tiene un guión perfecto aunque denote su origen a partir de una novela que trata de la vida errante de los vaqueros que van de rodeo en rodeo. Y posee unos cuidados diálogos capaces de mostrar los distintos estados de ánimo por los que pasan sus personajes. Destacaría los diálogos algo cínicos entre Jeff (Robert Mitchum) y Louise (Susan Hayward) llenos de desconfianza, de pretendida indiferencia, de amistad y hasta de verdadero amor. Aunque sean estos dos personajes los que aparentemente centran la acción de la película, el personaje del marido, Wes (Arthur Kennedy) une perfectamente toda la acción y el devenir de estos. Realmente los tres actores principales están geniales en su interpretación. Uno no puede imaginar a R. Mitchum interpretando un duro vaquero siguiendo locamente enamorado a una mujer. O a S. Hayward con esa cara de mujer que ha vivido de todo interpretando a una fiel y enamorada esposa. O a A Kennedy, con su carácter de hombre correcto divagando por su obsesión por el dinero. Ray los lleva a los tres siempre al límite, lo cual unido a las impactantes escenas de rodeo, nos dará una obra casi maestra. El director construye la historia íntima de estos personajes en un montaje de primeros planos que son para llenar toda una galería de exposiciones. No se la pierdan.

12 noviembre 2010

NICHOLAS RAY - LA CASA EN LA SOMBRA



On Dangerous Ground
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: A.I. Bezzerides
MÚSICA: Bernard Herrmann
FOTOGRAFÍA: George E. Diskant (B/N)
REPARTO: Robert Ryan, Ida Lupino, Ward Bond, Ed Begley, Cleo Moore, Sumner Williams, Charles Kemper
USA, 1951, 82 min.
SINOPSIS: Jim Wilson es un policía violento, amargado y con tendencias solitarias porque no le gusta su trabajo ni lo que la gente piensa de el. Por su agresividad es trasladado al campo a resolver un caso de asesinato. Allí dará un cambio radical su personalidad cuando entra en contacto con el padre de la victima y la hermana del asesino.
OPINIÓN: En esta película Nicholas Ray vuelve a entrar en el interior de una persona atormentada y solitaria, el policía que de forma magistral interpreta Robert Ryan. En una historia de persecución de asesinos, primero en la ciudad, con otros compañeros y después en el campo, el director va analizando como el policía solitario va descubriendo su identidad y que tipo de vida lleva y la vida a la que está abocado sin querer a nadie. El director nos descubre la dureza del personaje en escenas policíacas en los barrios de la ciudad con sus delincuentes, soplones, y policías. Después, cuando el policía llega al campo veremos como el policía va descubriendo su propia identidad. El director ha conseguido una auténtica disección del personaje con sus contradicciones que se ven perfectamente contrastadas con el personaje de Ida Lupino, corto en su papel, pero muy intenso. Desde que empieza hasta el final la película no tiene ningún plano que no esté cargado de interés, tanto por las historias policíacas como por la historia personal del protagonista. Si en el ambiente policíaco de la ciudad Ray sabe describir exactamente lo que interesa para la historia, en el campo, con paisajes nevados consigue la misma expresividad cinematográfica. Yo no llegaría a calificarla de obra maestra pero si la tengo como una película muy buena.

08 noviembre 2010

NICHOLAS RAY - INFIERNO EN LAS NUBES


Flying Leathernecks
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: James Edward Grant (Historia: Kenneth Gamet)
MÚSICA: Roy Webb
FOTOGRAFÍA: William Snyder
REPARTO: John Wayne, Robert Ryan, Don Taylor, Janis Carter, Jay C. Flippen, William Harrigan, Barry Kelley, James Bell, Carleton Young, Brett King, Maurice Jara, Britt Norton, Adam Williams, Lynn Stalmaster, Sam Edwards
USA, 1951, 102 min.
SINOPSIS: en una pequeña isla de Hawai el mayor Dan Kirby es nombrado nuevo comandante del escuadrón de combate VMF-247. Los soldados del escuadrón esperaban que hubiera sido nombrado su actual capitán. El mayor y el capitán se enfrentan personalmente en muchas ocasiones por su opinión sobre las misiones que tienen que realizar y el trato con los soldados. Todo ello en una continua sucesión de ataques a los japoneses.
OPINIÓN:
Muy pronto, al empezar la película veremos que Nicholas Ray cuenta una vez más con buenos actores a los que sabe dirigir y veremos una de las marcas de este director, los planos de conjunto de 3 a 6 o más personajes que con ligeros movimientos de cámara y suaves cambios van dándonos la situación y el carácter de cada uno. Ya en la primera batalla comprobaremos que el director no ha dispuesto de mucho dinero y por lo tanto las imágenes generales son de archivo. Utiliza la superposición en vuelo cuando saca a los personajes y en tierra rueda planos que bien montado con los anteriores nos dan esa dimensión de las batallas. Tratándose de una película de aventuras bélicas el director abandona el tratamiento de las relaciones humanas en muchas ocasiones por las secuencias puramente de guerra. Esto le resta profundidad de análisis de los personajes que en el caso de los soldados parecen críos. Como la mayoría de las películas bélicas que se hacen en esos años, todo es a mayor gloria del ejército americano. Y con John Wayne dentro, aún más.

04 noviembre 2010

NICHOLAS RAY - NACIDA PARA EL MAL



Born to Be Bad
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Edith R. Sommer, Robert Soderberg, George Oppenheimer (Novela: Anne Parrish)
MÚSICA: Frederick Hollander
FOTOGRAFÍA: Nicholas Musuraca (B&W)
REPARTO: Joan Fontaine, Robert Ryan, Zachary Scott, Joan Leslie, Mel Ferrer, Harold Vermilyea, Virginia Farmer, Kathleen Howard
USA, 1950, 94 min.
SINOPSIS: Christabel llega a casa de su prima para con la aureola del que no ha roto un plato. Inmediatamente se interpone en las relaciones de su prima y hará todo lo que pueda para conseguir sus objetivos. En esta situación nace el amor entre Christabel y un novelista.
OPINIÓN:
Sólo en el arranque de la película ya podemos comprender que se trata de una obra en la que el director no tiene puestas muchas ilusiones. Sobreimprimir los títulos sobre una tela de seda es una vulgaridad aunque procure que esa tela tenga unos pliegues. ¡Faltaría más! ¡Qué le estaría pasando al director! Y a partir de ahí toda una serie de sonrisas y expresiones insulsas de Joan Fontaine que uno no acaba de creerse, ni siquiera en el propio personaje. Creo que Nicholas Ray se equivocó en la elección de la actriz principal. No así al elegir a Robert Ryan que configura perfectamente su papel, muy especialmente cuando tiene que abrazar a una mujer. La historia es un melodrama increible de novelita rosa en el que seguramente el Comite de Actividades Antiamericanas estuvo totalmente de acuerdo. Dentro del ciclo del cine de Nicholas Ray es necesario verla para comprender que tambien se hacía cine para comer y por encargo y muchas de sus escenas nos pueden servir comparando con otras anteriores y comprobar que se pueden hacer mucho mejor aunque resulten menos folletinescas para la venta. Necesaria si quieres conocer a Nicholas Ray, prescindible si buscas una buena película.

28 octubre 2010

NICHOLAS RAY - EN UN LUGAR SOLITARIO


In a Lonely Place
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Andrew Solt
MÚSICA: George Antheil
FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey (B/N)
REPARTO: Humphrey Bogart, Gloria Grahame, Frank Lovejoy, Robert Warwick, Jeff Donnell, Martha Stewart, Carl Benton Reid, Art Smith, Morris Ankrum, Steven Geray, William Ching
USA, 1950, 91 min.
SINOPSIS:
Un guionista cínico y violento se lleva a su casa a una muchacha para que le cuente el libro que acaba de leer y sobre el que tiene que escribir un guión. Cuando la muchacha sale de casa del guionista es asesinada y la policía tiene como principal sospechoso al propio guionista. Este conoce a una actriz de poca monta y se enamoran.
OPINIÓN:
En los cinco primeros minutos de la película el director nos ha presentado perfectamente al personaje principal: un cínico, violento y sensible guionista de Hollywood. Hay que ser un maestro del cine para en tan pocos planos decir tanto y tan profundo de un personaje y Nicholas Ray lo consigue. La película está plagada de detalles cinematográficos y sólo citare uno, nada más empezar la película vemos en un espejo retrovisor la imagen de Humphrey Bogart y aparece entonces su nombre en los títulos.
Considero que para que una película sea una obra maestra no debe tener absolutamente ningún fallo y en esta, en el diálogo del principio con la muchacha que le devuelve el libro detecto dos momentos que no me gustan. Uno, ella se le acerca y cuando Dix ya la está mirando le toca el hombro para llamar su atención. Y dos, la muchacha está sonriendo y en el plano inmediato está seria.
Como elemento original y muy positivo destaca una escena en pura comedia justo en el centro de la película entre Dix, Laurel, el representante y el actor borracho que como buena comedia termina en un beso. Estos mismos personajes estarán presentes en la escena más dramática de la película. A partir de esa escena de comedia la película empieza su ascensión trepidante al climax llevada por una interpretación magistral de los actores y una exactitud en la planificación por parte del director. La música, sin protagonizar ninguna escena irá marcando la situación anímica de los personajes. El final, que es el que espera el espectador, es al mismo tiempo el final que no quiere que se produzca.
Esta es una de esas películas que hoy día es políticamente incorrecta por el tema del maltrato pero que ningún buen aficionado al cine puede dejar de ver más de dos veces porque cinematográficamente es absolutamente correcta.

23 octubre 2010

NICHOLAS RAY - LLAMAD A CUALQUIER PUERTA


Knock on Any Door
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: John Monks Jr., Daniel Taradash (Novela: Willard Motley)
MÚSICA: George Antheil
FOTOGRAFÍA: Burnett Guffey (B/N)
REPARTO: Humphrey Bogart, John Derek, George Macready, Allene Roberts, Candy Toxton, Mickey Knox, Barry Kelley
USA, 1949, 100min.
SINOPSIS: Un joven delincuente es acusado de haber matado a un policía. Recurre entonces a un prestigioso abogado que conoce bien los barrios bajos puesto que se crió en ese ambiente.
OPINIÓN: Destacan el trepidante principio y el juicio final como un paréntesis dentro del cual se nos cuenta una historia de un delincuente desarraigado de la sociedad. Pero el relato de la historia es poderoso cinematográficamente pues recurre a continuos flashbacks perfectamente introducidos por la defensa en el juicio y están tan bien hilvanados, montados por una magnífica montadora a las órdenes del Nichola Ray, que el espectador no se pierde en el tiempo y además toma progresivamente interés por la historia de Nick Romano. En esos tiempos del cine a los guionistas y montadores se les consideraba auténticos artista y en muchos casos tenían su autonomía independiente del director. Director que en este caso cuida con sumo detalle la ambientación de calles, casas, bares, tugurios y demás por donde se desenvuelve el joven delincuente. Así mismo relata de una forma impactante, con primeros planos, planos – contraplanos y travellings las historias que han ido marcando a Nick el delincuente. Les recomiendo que cuando aparezca “The End” no se levanten de la butaca y, como personas inteligentes que les considero, piensen y se emocionen en todo el tiempo que se mantiene el título del final. Estoy seguro que les va a gustar.

16 octubre 2010

NICHOLAS RAY - UN SECRETO DE MUJER



A Woman's Secret
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Herman J. Mankiewicz (Novela: Vicki Baum)
MÚSICA: Frederick Hollander
FOTOGRAFÍA: George E. Diskant (B&W)
REPARTO: Maureen O'Hara, Melvyn Douglas, Gloria Grahame, Bill Williams, Victor Jory, Jay C. Flippen
USA, 1949, 85 min.
SINOPSIS: Marion, una actriz y cantante retirada ya de la vida profesional por haber perdido la voz, intenta formar y promocionar a Susan, una joven artista cuyo nombre artístico es Estrellita, que posee buenas cualidades pero carece de carácter. En una discusión entre ambas Susan cae herida por un disparo.
OPINIÓN: La película es un auténtico folletín basado en una novela de Vicki Baum, autora de moda y de “Gran Hotel, también llevada a la pantalla. El guión es de Herman J. Mankiewicz, guionista de “Ciudadano Kane”, y eso hace que el folletín tenga mayor interés. Así mismo la interpretación de los actores es muy correcta y yo destacaría la interpretación de las dos protagonistas, y sobre todo la interpretación de Gloria Graham que con su arqueamiento de cejas le da una gran intensidad a su personaje. En este momento la actriz está casada con Nicholas Ray y eso se tiene que notar en los cuidadísimos planos que le hace. La película contiene cierta intriga que se mantiene hasta el final pues está contada en sucesivos flashbacks perfectamente hilvanados por secuencias de la realidad, donde el inspector y su mujer constituyen un perfecto y divertido nexo. No es una obra maestra pero si demuestra lo que un buen director es capaz de hacer para interesar a los espectadores. Hay que verla sin prejuicios.

09 octubre 2010

NICHOLAS RAY - LOS AMANTES DE LA NOCHE


They Live by Night
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Nicholas Ray (Novela: Edward Anderson)
MÚSICA: Leigh Harline
FOTOGRAFÍA: George E. Diskant (B/N)
REPARTO: Cathy O'Donnell, Farley Granger, Howard Da Silva, Jay C. Flippen, Helen Craig, Will Wright, Marie Bryant, Ian Wolfe, William Phipps, Harry Harvey
USA, 1948, 95 min.
SINOPSIS: El joven que acaba de escapar de prisión con otros dos reclusose refugia en la casa de una chica joven que pronto se siente atraída hacia él. Los dos se ven obligados a emprender una huida sin rumbo fijo. Pero el destino está escrito y será imposible burlarlo.
OPINIÓN: Me he propuesto ver todas las películas de Nicholas Ray en orden cronológico según su realización, así que no pretendo hablar de películas que se realizaron después y que me pueden haber gustado más o menos. Comparar películas que tienen temas distintos me parece un ejercicio difícil y nada necesario. Sólo cuando es el mismo tema y más particularmente si se trata de un momento concreto puedo comparar el tratamiento fílmico que ha utilizado cada director. Por poner un ejemplo: puedo comparar el momento-secuencia en que Clyde, de “Bonnie and Clyde” es acribillado por la policía con otras secuencias en las que un fugitivo de la ley muere por los disparos de los agentes de policía. Pero verán ustedes, cada una de dichas secuencias está dentro de una historia que nunca es igual y por lo tanto el director, cada director, tendrá que expresar las diferencias. Además si yo les cuento algo, permítanme que sea a mi modo.
Y todo esto para decir que Nicholas Ray nos cuenta la historia de un fugitivo que desea terminar su huida para ser feliz. Felicidad a la que cree tiene derecho. Todos sabemos que es la primera vez que se rodaron los planos desde un helicóptero para seguir a los coches en algunos momentos de la película y, en especial, en el plano sobre el que van impresos los títulos. Pero aquellos planos, casi primeros planos, de los protagonistas, hasta cuatro cuando llegan a casa de la muchacha, para ese formato que tiene la película, son de pura artesanía e indicativos de lo que será un buen director.
Toda la banda sonora está cuidada para expresar esa angustia en la que viven los protagonistas, de manera que un toque en la puerta, o el sonido de un coche que se acerca, produce en el espectador la misma parálisis que a los fugitivos. Destacar la canción en un momento feliz que tienen los protagonistas.
Con todo lo dicho queda claro que se la recomiendo a todos los amantes del cine. Eso sí, siento que la interpretación de Farley Granger no este a la altura de lo que esperaba aunque ya se venía venir a James Dean para sustituirle.

07 octubre 2010

JENNIE


Portrait of Jennie
DIRECTOR: William Dieterle
GUIÓN: Paul Osborn & Peter Berneis (Novela: Robert Nathan)
MÚSICA: Dimitri Tiomkin
FOTOGRAFÍA: Joseph August (B/N)
REPARTO: Jennifer Jones, Joseph Cotten, Ethel Barrymore, Lillian Gish, Cecil Kellaway, David Wayne, Henry Hull, Florence Bates
USA, 1948, 86 min.
SINOPSIS: Un joven y desconocido pintor conoce a una niña en el parque que le habla de un tiempo pasado. Siguen los encuentros y en cada uno la niña crece en edad y en belleza. Surge el amor entre ellos.
OPINIÓN: Es una bella película romántica, eso sí, muy romántica, pero la historia trata los encuentros de una niña, y después hermosa e irreal joven, en una realidad presente. Ese juego de la historia permite al director jugar con el guión y de forma muy adecuada, pues el espectador sabe en todo momento como avanza la historia. La presencia de esa irrealidad permite la utilización, y muy bien por cierto, de buena fotografía en B/N. La dirección de actores está muy cuidada y muy especialmente la interpretación de la protagonista, Jennifer Jones , ¿o será que yo siento debilidad por esta mujer? No en vano el productor, es decir el que pone el dinero, estaba enamorado de ella. Como podéis ver en el reparto los actores secundarios están a gran altura y consiguen dar mucha fuerza a la historia, especialmente Ethel Barrymore. El director es un buen artesano de Hollywood y lo comprobaréis viendo su filmografía siendo esta, para mí, su mejor película. Buñuel era un ferviente admirador de esta película, así como mi cuñada Concha que me la recomendó, y es obligado que yo se lo agradezca pues la desconocía.

20 septiembre 2010

EL TESTAMENTO DEL DR. MABUSE

Das testament des dr. Mabuse
DIRECTOR: Fritz Lang
GUIÓN: Fritz Lang y Thea von Harbou
REPARTO: Rudolf Klein-Rogge, Oskar Beregi, Theodor Loos, Karl Meixner, Otto Wernicke, Klaus Pohl, Wera Liessem, Gustav Diesl, Camilla Spira, Rudolf Schündler, Theo Lindgen, Oskar Hocker
ALEMANIA, 1933, 115 min.
SINOPSIS: Un comisario de policía inicia una investigación a partir de una llamada interrumpida de un antiguo colaborador y del asesinato, en plena calle, de un famoso médico. Por otra parte, un misterioso personaje está organizando a un grupo de delincuentes para conseguir el poder mundial. Un antiguo policía y ahora miembro de ese grupo delincuente servirá para unir todos los cabos de lo que está ocurriendo.
OPINIÓN: Entre 1910 y 1920 tuvieron mucho éxito en el cine las series presentadas en episodios en los cuales los protagonistas vivían unos acontecimientos que mantenían el interés del público hasta el nuevo episodio. La trama del Dr. Mabuse está concebida para ser presentada al público de esta manera, realizando Fritz Lang dos películas anteriores episódicas aunque aquí renuncia a ello para realizar una película que tuviese una unidad. Posteriormente, y dado el éxito de esta película, volvería tratar el tema del “mal” que quiere apoderarse del mundo y del “bien” que lo defiende. De alguna manera y para entenderlo con un ejemplo actual: James Bond.
En esta película cabe destacar la existencia de un guión presentado como un puzzle del que vamos descubriendo que nos faltan piezas, lo que permite avanzar en una acción dramática que no decae. La existencia de una organización criminal que quiere dominar el mundo, la multiplicación de peripecias y la utilización de trucos fantasmagóricos, hoy día pueriles, pueden hacer que el espectador subvalore esta película. Pero hay que situarse en la Alemania de los años 30, con un partido nazi que empieza a declarar su intención de dominar el mundo y con un dirigente, Hitler, al que se empezaba a tratar como un visionario y un loco. Estas referencias son patentes en la película, lo cual haría que se retrasara su exhibición y fuera causa sumada al exilio del Fritz Lang a Estados Unidos.

15 septiembre 2010

ORIGEN (Inception)



Inception
DIRECTOR: Christopher Nolan
GUIÓN: Christopher Nolan
MÚSICA: Hans Zimmer
FOTOGRAFÍA: Wally Pfister
REPARTO: Leonardo DiCaprio, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Ellen Page, Tom Hardy, Cillian Murphy, Tom Berenger, Michael Caine, Dileep Rao, Lukas Haas, Pete Postlethwaite, Talulah Riley, Miranda Nolan
USA, 2010, 148min
SINOPSIS: Cobb es un especialista en sacar los secretos del subconsciente mientras la personas sueñan. Esta habilidad le ha llevado a huir de la justicia y alejarse de sus hijos. Para volver con ellos tiene que implantar una idea en el subconsciente de una persona
OPINIÓN: De momento es una de las películas que más opiniones ha producido, la mayoría muy favorables. Yo también opinaré muy a favor de ver la película aunque sólo sea para deducir un guión endiabladamente complicado del cual el director saca una película que engancha desde el principio y te tiene amarrado a la butaca, preguntándote qué es lo que está pasando. La acción no da mucho descanso pero como va acompañada de buenas imágenes y magníficos efectos yo no me sentí cansado. A todo ello contribuyen las interpretaciones de sus protagonistas, en especial Leonardo DiCaprio. Este actor, Brad Pitt, Johnny Depp y alguno más, me recuerdan a James Stewart, Gary Cooper y otros de los clásicos, que a pesar de llenar la pantalla con su presencia interpretaban de maravilla. Un pero: la banda sonora está sobrepasada y se superpone en bastantes momentos a los diálogos haciéndolos ininteligibles. Y en cuanto al paso del mundo real al de los sueños y viceversa, “Matrix” es mucho mejor. Por cierto el cartel de esta película tiene algún parecido con alguno de “Matrix” Fíjate en el cartel de “Mi película favorita (de momento)” arriba a la derecha.

11 septiembre 2010

JOHNNY COGIÓ SU FUSIL


Johnny Got His Gun
DIRECTOR: Dalton Trumbo
GUIÓN: Dalton Trumbo (Novela: Dalton Trumbo)
REPARTO: Timothy Bottoms, Jason Robards, Donald Sutherland, Marsha Hunt, Diane Varsi, Kathy Fields, Charles McGraw
USA, 1971, 111 min.
SINOPSIS: Un joven herido en la guerra queda sin extremidades, sin cara y sin parte del cerebro. Los médicos le dan por vida sin ninguna sensibilidad, pero una enfermera descubrirá que en el hay indicios de vida consciente.
OPINIÓN: Aprovechando la oportunidad que de momento ofrece Internet he revisado esta película que me impactó la primera vez que la vi. Me sigue gustando, pero ya no me produce el mismo efecto anterior. Dalton Trumbo dirigió esta su única película sobre una novela propia, lo cual le facilitó mucho la labor porque tenía muy claro el efecto que quería conseguir en el espectador. En todo el mundo son momentos antibelicistas, sentimiento provocado en particular por la guerra de Vietnam y gracias a las imágenes que empezamos a ver en las televisiones. Lejos de esas imágenes de los campos de batalla, Trumbo quiere tocarnos la fibra antibelicista desde los sentimientos de los que sufren las consecuencias de la guerra y su idea de que sea una voz que nos habla desde lo que queda de un cuerpo joven, con el efecto de una sábana que lo cubre, es plenamente efectista. Destaca la interpretación de Timothy Bottoms en la que parece que es su primera película y que demostraría ser un buen actor en su siguiente intervención cinematográfica “La última película”, esta vez de manos de un buen director, Peter Bogdanovich. Otro punto de éxito para la película fue tratar el tema de la eutanasia, envuelto en un ambiente católico. Los diálogos del protagonista con Donald Sutherland en su papel de Jesucristo van absolutamente cargados contra la religión. Por último el plano último con un travelling de alejamiento sobre el cuerpo en la habitación del hospital y con esa frase que se repite machaconamente.

03 septiembre 2010

M.A.S.H.


DIRECTOR: Robert Altman
GUIÓN: Ring Lardner Jr. (Novela: Richard Hooker)
REPARTO: Donald Sutherland, Elliott Gould, Tom Skerritt, Sally Kellerman, Robert Duvall, Jo Ann Pflug, Rene Auberjonois, Bud Cort, Fred Williamson, John Schuck, Gary Burghoff
USA, 1970, 116min
SINOPSIS: Narra las aventuras de un grupo de médicos y enfermeras y personal sanitario del ejército americano destinados a una unidad móvil durante la guerra en un país oriental. Todos se toman el trabajo muy en serio pero, en su tiempo libre, las bromas constantes y la ironía hacen más llevadera la situación.
OPINIÓN: Robert Altman recibió parte de su educación en una academia militar y posteriormente fue piloto de la Fuerzas Aéreas durante la segunda guerra mundial. Estos antecedentes se notan en la forma de tratar la vida en un hospital de campaña durante la que parece ser la guerra de Vietnam, aunque al principio se hace referencia a la de Corea. Fíjense en los helicópteros que aparecen y se darán cuenta que son mas modernos que los utilizados en Corea. Seguramente en esos momentos no era conveniente hacer referencia a la guerra del Vietnam y mucho menos tratarla con esa crítica feroz. Aunque si se mira bien veremos que entre tanto cachondeo hay unos profesionales bien cualificados y dispuestos a ayudar a todo el mundo, aunque sean enemigos. La factura cinematográfica es como la carta de presentación de lo que posteriormente realizará Altman, y para mi que no superará. La cámara se mueve continuamente pero formando parte de la acción y de tal forma que el espectador apenas lo va a notar. No hay un personaje principal sino varios y todos los secundarios, que son muchos, se mueven al mismo nivel de interpretación dirigidos por Altaman. Dicen que esto no le gustó a Donald Sutherland que por esos momentos iba de estrella reinona. Es una película para pasarlo muy bien, con un humor inteligente que sabe guiñarle al espectador. Se le acusó de metraje largo y tengo que reconocer que la primera vez que la vi me cansó un poco. Ahora, en mi casa, dominando yo la proyección os aseguro que se me hizo corta. Y es tan divertido repetir las escenas que acabas de ver y te han gustado como repetir si alguna vez no te has enterado bien del diálogo o no has cogido el gag. Recomendada, muy recomendada para los que les gusta el cine y tienen sentido del humor.

02 julio 2010

PISTOLEROS DE AGUA DULCE



Monkey Business
DIRECTOR: Norman Z. McLeod
GUIÓN: SJ Perelman & Will B. Johnstone
MÚSICA: John Leipold
FOTOGRAFÍA: Arthur Todd (B&W)
REPARTO: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Zeppo Marx, Thelma Todd, Ruth Hall, Harry Woods, Rockcliffe Fellowes, Tom Kennedy, Evelyn Pierce
USA, 1931, 77 min.
SINOPSIS: Los cuatro Hermanos Marx viajan de polizones en un barco donde también se encuentran dos gángsteres que rivalizan.
OPINIÓN: Por supuesto no es una obra maestra de los Hermanos Marx y seguramente muchos no la habrán visto, por lo que se hace altamente recomendable. Aquí están los mejores Marx, aunque con un guión no muy sólido. Cada gag va por su cuenta y aunque son buenos y originales les falta coherencia. Pero eso no quita para que te sigas riendo con las ocurrencias de Groucho y sus frases, verle bailar es siempre divertido; con las sempiternas persecuciones a las chicas por parte de Harpo, y la aparente cordura de Chico. Teniendo en cuenta que los Hermanos Marx han salido fundamentalmente de las variedades teatrales y dado los tiempos (1931) en que se hizo esta película tenemos que aceptar que su actuación sea eminentemente teatral pero la buena dirección de Norman Z. McLeod hará que no nos aburramos viendo esta disparatada comedia. ¡Claro! Si ustedes van a ver a los Hermanos Marx no esperarán un drama al clásico estilo de Hollywood.

22 mayo 2010

FIGHTING ELEGY



Kenka erejii
DIRECTOR: Seijun Suzuki
GUIÓN: Kaneto Shindô (Novela: Takashi Suzuki)
MÚSICA: Naozumi Yamamoto
FOTOGRAFÍA: Kenji Hagiwara (B&W)
REPARTO: Hideki Takahashi, Yusuke Kawazu, Junko Asano, Takeshi Katô, Isao Tamagawa, Kayo Matsuo, Mitsuo Kataoka, Hiroshi Midorigawa
JAPÓN, 1966, 86 min.
SINOPSIS: Un joven estudiante se aloja en la casa de una familia católica que tiene una hija de la que está enamorado. Sin embargo, se verá forzado a reprimir los impulsos de su emergente sexualidad involucrándose en peleas entre bandas de adolescentes agresivos.
OPINIÓN: Comedia absolutamente deliciosa desde que arranca la película. Utiliza el fino humor oriental que tan pocas veces hemos visto en el cine para relatarnos las contradicciones y las tribulaciones que tiene un muchacho cuando se va haciendo hombre y empiezan a gustarle las muchachas. Su pertenencia a una iglesia católica le complica más su despertar sexual siendo la escena del piano con los pantalones bajados uno de los chistes cinematográficos más finos que se pueden hacer sobre el sexo, sin necesidad de morbo. Con una planificación muy cuidada y un montaje arriesgado para su tiempo y del que después veríamos muestras en el cine francés, sobre todo Godard, va analizando todo lo que un joven va descubriendo cuando madura: los amigos, la religión, la educación, el ejército, la política y el amor. Todo ello lo irá descubriendo en el aprendizaje de lo que se entiende que deben saber hacer los hombres, luchar.

02 mayo 2010

TAXI DRIVER



Taxi Driver
USA, 1976, 113 min.
DIRECTOR: GUIÓN: Paul Schrader
MÚSICA: Bernard Herrmann
REPARTO: Robert De Niro, Jodie Foster, Albert Brooks, Cybill Shepherd, Harvey Keitel, Peter Boyle, Leonard Harris, Martin Scorsese
SINOPSIS: Para sobrellevar el insomnio crónico, Travis, un excombatiente del Vietnam, decide trabajar como taxista nocturno. Anota en su diario todas sus impresiones de lo que ve en su trabajo.
OPINIÓN: Nada más empezar, en el interrogatorio para conseguir un trabajo como taxista, ya vemos lo que será una de las mejores interpretaciones del cine.
A continuación hay que situar al personaje en su casa, en su intimidad y Scorsese hace que la cámara recorra una puerta, una pared, una cocina y la ropa dispersa por la habitación para que sepamos donde y como vive el protagonista. Ese movimiento de cámara nos lleva a de Niro que está escribiendo un diario y así sabemos que todo lo que va a ocurrir es desde el punto de vista subjetivo y según la visión del protagonista. Un traveling, con un primer plano del piloto de un coche amarillo nos llevara a conocer cual es el ambiente de su trabajo. “Todos los animales salen por la noche” escribe Travis y sabemos como piensa. Después sube al taxi una pareja que nos hace ver que tipo de gente recoge en su trabajo. Al finalizar su trabajo, Travis entra en un cine porno y el diálogo con la taquillera nos dará un concepto mas preciso del personaje. Después escribe “Lo que he necesitado toda mi vida es una meta”. Y todavía estamos en los diez primeros minutos de la película, incluidos los títulos. ¿Verdad que no es necesario que siga contándoles más sobre esta obra maestra del cine? Bueno, quizás sea necesario que les diga que hay una banda sonora que sólo se puede dar en New York y que al escucharla desde cualquier punto del mundo nos transportaremos a esa ciudad tan real como la basura y los humos que produce. El guión es de una complejidad inusitada para darnos a entender las contradicciones de este ángel-diablo, pero tan bien redactado que el espectador disfrutará descubriendo el por qué de lo que ocurre. Lo que suelo decir en estas ocasiones: una película que considera al espectador una persona inteligente.

25 abril 2010

SHUTTER ISLAND



Shutter Island
USA, 2010, 138min.
DIRECTOR: Martin Scorsese
GUIÓN: Laeta Kalogridis (Novela: Dennis Lehane)
REPARTO: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, Michelle Williams, Patricia Clarkson, Max von Sydow, Jackie Earle Haley, Elias Koteas, John Carroll Lynch, Ted Levine, Christopher Denham
SINOPSIS: Dos agentes judiciales son destinados a una remota isla para investigar la desaparición de una peligrosa asesina recluida en un centro penitenciario para criminales perturbados. Pronto descubrirán que el centro guarda muchos secretos.
OPINIÓN: Profundizar en la mente humana, aunque sea una autointrospección, es muy difícil pues tendemos a engañarnos a nosotros mismos y Scorsese quiere saber y hacernos ver que es lo que pasa por la mente de sus personajes.
Yo quisiera ser un director de cine que dispusiera de un extraordinario guión, algo fundamental; que dispusiera de mucho dinero para rodar con libertad y contratar a grandes actores. Con ello haría la película de mi vida. En este caso Mrtin Scorssese no ha hecho la película de su vida, todos sabemos que la película de su vida hubiera sido “El padrino II” que hubiera podido dirigir según era el deseo de Coppola (El Confidencial). No es una obra maestra pero es muy buena y aún así habrá críticos que la considerarán una obra pasable porque esperan que Scorsese se supere a si mismo.
Entre las composiciones musicales que utiliza están obras de Ligeti, de Penderecki, y de Mahler. En particular es destacable la música del principio, de la llegada a la isla, perfecta para plantear una situación dramática. Yo diría que me recuerda la música de “El resplandor” aunque en este caso no se trata de un réquiem.
Un centro penitenciario en una isla a 18 km. de la costa y sólo para pacientes enfermos mentales, una de los cuales logra escapar, es el mejor marco para desarrollar una historia de intriga.
La secuencia de su primera pesadilla en la isla es de una gran originalidad.
Yo les pediría que la vieran, que no leyeran mucho sobre esta película antes de verla y que, por supuesto, no cuenten el final.

19 abril 2010



Le concert
FRANCIA, 2009, 119 min.
DIRECTOR: Radu Mihaileanu
GUIÓN: Radu Mihaileanu
REPARTO: Aleksei Guskov, Mélanie Laurent, Dmitri Nazarov, Valeriy Barinov, François Berléand, Miou-Miou, Lionel Abelanski, Vasile Albinet, Laurent Bateau, Ramzy Bedia
SINOPSIS: En tiempos de Brézhnev el director de la orquesta del Bolchoï se niega a despedir a los músicos judíos. Por ello fue expulsado en pleno éxito de su carrera artística. Treinta años después como hombre de la limpieza reúne a todos los músicos de su última interpretación de Tchaikowski para actuar en el Teatro del Châtelet de París.
OPINIÓN: Puede haber gente que vaya al cine a llorar y otra a reír. Todos están en su derecho y habrá un montón de películas que les vayan a satisfacer, buenas películas por cierto. Pero después hay gente inteligente que va al cine a buscar arte, llorando o riendo, y tiene el mismo derecho a que haya directores que les tengan en cuenta. Y aquí nos encontramos con un director que realiza una comedia optimista y muy humana, con su toque folclórico y también crítico hacia el comunismo, y también el capitalismo, buscando revivir la armonía entre las personas. El director da a entender claramente que esa armonía la consigue una orquesta al interpretar una obra. Pero no quiere engañarnos y nos hace ver que cada uno de los componentes de la orquesta esconde secretos propósitos personales, con los que buscan revivir épocas pasadas de mayor esplendor en la música, en el partido o en los negocios.
Estamos ante una comedia disparatada que busca la risa en situaciones absurdas. Pero como en el teatro del absurdo se busca un efecto. Judíos que buscan negocios en cualquier situación, comunistas que buscan ser bien pagados, artistas que quieren comer, mafiosos con proyección personal, capitalistas que sacan dinero de cualquier situación, burgueses que buscan vivir en la mayor comodidad, etc.
Pero que el espectador no se deje engañar porque hay un drama en el fondo de toda esta historia que surge en su momento oportuno para llevarnos a un clímax emotivo perfectamente acompañado de música e imágenes que no quiere pero puede provocar más de una lágrima.
Todos los que sean aficionados a la música clásica y en especial a los compositores que tocan los sentimientos como Tchaikowski, Prokofiev o Mahler, disfrutarán de esta película si tienen sentido del humor.
Esta entrada está dedicada a LU que ha influido en que vaya a ver esta película que supongo pronto quitarán de la cartelera y no una española del Festival de Málaga que con su promoción acostumbrada estarán muchos días en las salas de cine.

17 abril 2010

13 FESTIVAL de CINE ESPAÑOL de MÁLAGA


Hoy ha empezado en Málaga el 13 Festival de Cine Español y toda la información que sobre dicho festival se requiere la podéis encontrar aquí http://www.festivaldemalaga.com/2010/ Otra cosa son las opiniones que os puedan interesar sobre las películas que se presentan en sus diferentes secciones. Para esto habrá que esperar que el festival vaya discurriendo. Si buenamente puedo ver alguna película, os prometo que tendréis mi opinión aquí, pero como en casi todos los festivales, y sobre todo en los primeros, tuve que tragarme mucho bodrio, pues como que me he vuelto muy escéptico y prefiero no cabrearme con el cine español al que nuestra ... ministra González Sinde (scargas) subvenciona tan bien.

14 abril 2010

LA HEREDERA

The Heiress
USA, 1949, 115 min
DIRECTOR William Wyler
GUIÓN Ruth Goetz & August Goetz (Novela: Henry James)
MÚSICA Aaron Copland
FOTOGRAFÍA Leo Tover (B&W)
REPARTO Olivia de Havilland, Montgomery Clift, Ralph Richardson, Miriam Hopkins, Vanessa Brown, Mona Freeman, Ray Collins
SINOPSIS: Una joven heredera poco agraciada físicamente es pretendida por un apuesto joven del cual el padre hará todo lo posible por separarla, pues está convencido que sólo la quiere por su dinero.
OPINIÓN: Desde que arranca la película William Wyler nos envuelve con una planificación soberbia y con unos movimientos de cámara que nos llevarán al ambiente donde se desarrolla el drama. Pocos directores son tan sutiles y tienen tal sentido artístico para contarnos una historia con imágenes.
A los que no conocen la película pero les gusta el cine, que serán pocos, yo les aconsejo que la vean de un tirón y entren en el melodrama y sin dejar pasar muchos días la vuelvan a ver para fijarse en todos los elementos que utiliza el director para contarnos la historia y en esos imperceptibles movimientos de cámara que nos situarán dichos elementos en el lugar apropiado del plano, no solo por lo estético, sino también por su sentido narrativo. Por ejemplo:Morris acaba de declararle su amor y se va dejando en el mueble de la entrada unos guantes blancos.
La interpretación de los cuatro personajes principales es de las mejores que ha tenido el cine y yo me pregunto si es debido a que son unos grandes actores o a que les ha dirigido la interpretación uno de los mejores directores que ha tenido el cine.

11 abril 2010

LAS TRES LUCES


Der Müde Tod
Alemania, 1921, 105 min. Película muda.
DIRECTOR: Fritz Lang
REPARTO: Lil Dagover, Walter Janssen, Bernhard Goetzke, Rudolf Klein-Rogge, Hans Sternberg, Erich Pabst
SINOPSIS: Una muchacha busca desesperadamente a su novio y, al descubrir que es la Muerte quien se lo ha llevado, implora a ésta para que se lo devuelva. La Muerte le muestra tres velas (vidas) a punto de extinguirse y le explica que sólo si logra salvar alguna de ellas, podrá recuperarlo.
OPINIÓN: En una Europa convulsa como consecuencia de la Primera Guerra Mundial, el tema del destino insoslayable de los humanos tenía que calar en el espectador. Había que buscar justificación a tantas muertes. En forma de cuatro historias, tres de ellas dentro de la principal y cada una correspondiente a la luz de una vela o vida. La planificación osada para el principio del cine es lo que puede enganchar al cinéfilo, ya que esta película sólo se puede recomendar a los amantes del 7º arte y con ganas de conocer los orígenes del cine actual. En esta película podemos encontrar los primeros trucos que se van utilizando, pero no para que el espectador se sorprenda, sino perfectamente integrados en las historias.
P.D. De una forma inexplicable he estado ausente de este mundillo bloguero, por lo que pido disculpas por si alguno de los que tenían la paciencia de seguirme se haya molestado

01 enero 2010

PROMESAS DEL ESTE


Eastern Promises
DIRECTOR: David Cronenberg
GUIÓN: Steven Knight
MÚSICA: Howard Shore
FOTOGRAFÍA: Peter Suschitzky
REPARTO: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel, Armin Mueller-Stahl, Sinéad Cusack, Donald Sumpter
REINO UNIDO, 2007, 99 min.
SINOPSIS: Una comadrona que trabaja en un hospital de Londres asiste al parto de una adolescente que muere dando a luz, y decide buscar a la familia de la chica basándose en el diario que dejó escrito en ruso. En esta búsqueda entra en contacto con la mafia rusa.
OPINIÓN: Es en realidad un cuento de Navidad, pues además de desarrollarse la historia en estas fechas, los personajes se comportan como influenciados por ese espíritu, o todo lo contrario. Así, con un magnífico guión, el espectador se siente muy atrapado por toda la trama, deseando lo mejor, pero humanamente impotente para resolver ese drama. Pero ese cuento está muy enraizado en el ambiente mafioso y el director no escatima planos escabrosos que pueden herir la sensibilidad de ciertas personas. Hay un magnífico trabajo de Viggo Mortensen que recupera al buen actor que es en manos de un buen director. La ambientación está muy cuidada para recordarnos aquellos ambientes glamurosos en los que se movía la mafia americana que fue en su momento inspiración de tantos buenos guiones. El director, David Cronenberg, ha visto muchas de estas películas y cogiendo lo mejor de ellas realiza un trabajo que se sitúa entre los mejores thrillers que he visto.