23 diciembre 2009

19 diciembre 2009

DOCE HOMBRES SIN PIEDAD


Twelve Angry Men
DIRECTOR Sidney Lumet
GUIÓN Reginald Rose (Teatro: Reginald Rose)
MÚSICA Kenyon Hopkins
FOTOGRAFÍA Boris Kaufman (B&W)
REPARTO Henry Fonda, Lee J. Cobb, E.G. Marshall, Jack Warden, Ed Begley, Martin Balsam, John Fiedler, Robert Webber
USA, 1957, 95 min.
SINOPSIS: En un juicio, y tras escuchar todas las pruebas y testimonios, un jurado popular compuesto por una docena de personas tiene que decidir, por unanimidad, si absuelve o condena a muerte a un acusado. La vida de un hombre está en juego, en manos de 12 personas que también tienen su historia. En un principio once de ellos se inclinan por la condena, pero uno discrepa...
OPINIÓN: Ya se que mi amigo Father Caprio cambió su uva número doce de “Doce hombres sin piedad” a “Doce en casa”, película que también he visto sin pena ni gloria. Me lo he pasado bien, que ya son puntos. Pero para celebrar que todos los que nos leéis habéis llegado hasta el mes número doce del 2009, lo cual si lo pensáis bien es para celebrarlo, prefiero que os traguéis, perdón, veáis esta uva, perdón esta película que os dejará con un buen sabor de boca para iniciar el año 2010. Es un ejercicio académico de dirección y seguramente se habrá utilizado en muchas escuelas de cine como ejercicio de interpretación. Y yo añadiría que es un ejercicio democrático, pues nos enseña a no juzgar a la primera, sino a analizar los datos con que contamos para ver que no hay ninguno que pueda plantear la más mínima duda. En estos días que dos hombres han sido condenados “presuntamente” de violadores de dos niñas con las que convivían, para que después se demostrase su inocencia, nos viene bien ponernos en el papel de Henry Fonda (ya quisiéramos, ya).
Os deseo que el año que viene veáis cada mes una película y que os gusten, y si es en compañía de gente querida, tanto mejor.

21 noviembre 2009

LA CUADRILLA DE LOS ONCE

Ocean's Eleven
DIRECTOR: Lewis Milestone
GUIÓN: Harry Brown & Charles Lederer
MÚSICA Nelson Riddle
FOTOGRAFÍA: William H. Daniels
REPARTO: Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford, Angie Dickinson, Richard Conte, Cesar Romero, Akim Tamiroff, Joey Bishop, Patrice Wymore, Henry Silva, Ilka Chase
USA, 1960, 127 min.
SINOPSIS: 11 amigos que se conocen desde la II Guerra Mundial planean robar 5 de los mayores casinos de Las Vegas en una sola noche.
OPINIÓN: Tenía guardada esta película para verla en el mes de noviembre y celebrar la undecima campanada con Father Caprio, pero así como en otros meses inmediatamente veía la película y en algunos casos, más de una vez, con “La cuadrilla de los once” me resistía. Algo me estaba diciendo que no era nada especial y que podía esperar. Una vez en materia, a mitad de la película me relajé y me dispuse a disfrutar de esos magníficos mafiosos que realmente dominaban los mejores chiringuitos de Las Vegas, y de su buen hacer, aquí correctamente y nada más. Angie Dickinson me ha gustado siempre, entre la mujer fatal que pudo ser y el ama de casa que podría ser. Aquí pasa un poco de puntillas entre tanto guaperas, tanto glamour y tantas luces. El final me gustó, me sorprendió y al final la uva entró suavemente, sin atragantarse, pero no es para repetirla el año que viene. El que quiera compararla con el remake de Steven Soderbergh (2001) que lo haga, yo no sabría.

10 noviembre 2009

CUBE

Cube
DIRECTOR: Vincenzo Natali
GUIÓN: Vincenzo Natali, Andre Bijelic, Graeme Manson
MÚSICA: Mark Korren
FOTOGRAFÍA: Derek Rogers
REPARTO: Maurice Dean Wint, Nicole deBoer, Nicky Guadagni, David Hewlett, Andrew Miller, Wayne Robson, Julian Richings
CANADA, 1997, 92 min.
SINOPSIS: 6 personas aparecen encerradas en un complejo laberinto de habitaciones cúbicas que esconde trampas mortales. No saben cómo llegaron allí, pero pronto descubren que deberán de resolver ciertos enigmas y sortear con habilidad todas las trampas si quieren sobrevivir.
OPINIÓN: Revisar esta película después de un tiempo y teniendo en cuenta que te gustó la primera vez, es un enorme riesgo porque conoces el final. Pero la trama te engancha de la misma forma y quizás más porque quieres entender las motivaciones de esos personajes. Se puede apreciar mucho mejor como con un presupuesto bajísimo se puede conseguir interesar al espectador y conducirle por el camino de la intriga con auténticos momentos de terror. Todo el espacio escénico es un cubo con seis salidas que conducen a otros tantos cubos exactamente iguales. Sólo cambia la luz, la música y lo que ocurre dentro de cada cubo. El paso de un cubo a otro está bien planteado para que vaya progresando la tensión dramática. Y lo que es mucho de agradecer es que al final no haya ninguna explicación para que el propio espectador, inteligente como se le considera, se haga sus propias reflexiones. Si alguien de los que leen esto, sea cinéfilo o no, no la ha visto, le aconsejo que la consiga como sea y la vea.

17 octubre 2009

AGORA


DIRECTOR: Alejandro Amenábar
GUIÓN: Alejandro Amenábar, Mateo Gil
MÚSICA: Dario Marianelli
FOTOGRAFÍA: Xavi Giménez
REPARTO: Rachel Weisz, Max Minghella, Ashraf Barhom, Oscar Isaac, Michael Lonsdale, Rupert Evans, Homayoun Ershadi, Richard Durden, Sami Samir, Manuel Cauchi, Homayoun Ershadi, Oshri Cohen
ESPAÑA, 2009, 126 min.
SINOPSIS: En el siglo IV, Alejandría, se había convertido en el último baluarte de un mundo en crisis, confuso y violento. En el año 391, las revueltas callejeras alcanzaron una de sus instituciones más legendarias: la biblioteca. Una brillante astrónoma , filósofa y atea, lucha por salvar la sabiduría del mundo antiguo.
OPINIÓN: Es una película que ha estado precedida de un despliegue de información que ha creado grandes expectativas. Puestas así las cosas, Amenabar lo tenía difícil si pretendía agradar a gran número de público y hacer taquilla. La espectacularidad responde a lo que se nos había dicho, pero tanta filosofía, astronomía y religión pueden cansar y hacer que muchos espectadores se pierdan en la historia y después el boca a boca no funcione. A mi particularmente no me ha convencido pues esos barridos rápidos de la cámara para trasladarse de una escena a otra o en el mismo campo de un personaje a otro; los excesivos enfoques y desenfoques para los diálogos o como sustitutos de profundidad de campo; los planos cenitales del “peplum” corriendo a cámara rápida provocan en algún momento las risas, y por último la utilización del Google Earth con notas sobreimpresas que son realmente lo único con fundamento histórico que me hacen pensar en poca imaginación para agrandar una historia que se resume en la búsqueda científica, en este caso por parte de una mujer, y la intolerancia religiosa que tantas veces hemos visto tratada en el cine y de forma más profunda. Yo no les voy a decir que no la vean, pero tampoco les recomendaré que vayan a verla a no ser que sean mitómanos seguidores de Amenazar. Ah!, por cierto, las peleas son muchas y con bastante sangre, pero no consigue ser una película de acción. Y además he visto que las fichas técnicas de la película le dan un metraje de 126 minutos pero la versión que yo ví no llegaba a los 90.

14 octubre 2009

LOS DIEZ MANDAMIENTOS

The Ten Commandments
DIRECTOR: Cecil B. DeMille
GUIÓN: Aeneas MacKenzie, Jesse L. Lasky Jr., Jack Gariss, Fredric M. Frank
MÚSICA: Elmer Bernstein
FOTOGRAFÍA: Loyal Griggs
REPARTO: Charlton Heston, Yul Brynner, Anne Baxter, Edward G. Robinson, Yvonne De Carlo, Debra Paget, John Derek, Cedric Hardwicke, Nina Foch, Martha Scott, Judith Anderson, Vincent Price
USA, 1956, 219 min.
SINÓPSIS: Narra la historia bíblica de Moisés, favorito de la familia del faraón, que decide renunciar a su vida de privilegios para conducir a su pueblo elegido hacia la libertad.
OPINIÓN: Esta es la película ejemplo del llamado género bíblico a la que sólo le dieron un oscar por los efectos especiales, seguramente por la famosa escena de Moisés abriéndose paso por el mar Rojo. Aunque el guión es fundamentalmente religioso y con datos bíblicos, está basado en las novelas “Pillar of FIRE” de J.H. Ingraham, “On Eagle's Wing” de A.E. Southon y “Prince of Egypt” deDorothy Clarke Wilson. Destaca el extraordinario poder pictórico de las imágenes debido a la excelente fotografía de Loyal Griggs. Algunos momentos son inolvidables seguramente debido al trabajo de los actores como el beso de Yul Brynner a Anne Baxter y ella gritándole: “Esto no es un anticipo de lo que vas a tener sino una prueba de aquello que nunca conseguirás”; o la escena en la que vemos a Charlton Heston torturado y atado con cadenas mientras Anne Baxter se abraza a su cuerpo herido y ensangrentado. La parte final de la película es apoteósica acumulando efectos especiales muy originales. Los movimientos de masas dejan atónito al espectador aún hoy, cuando podemos comparar con lo que se puede hacer con un ordenador. Una película que nunca deja mal sabor de boca y en la que siempre descubres algo nuevo, algo que debo agradecer a Father Caprio por aconsejarme su revisión como la décima uva cinematográfica del año.

01 octubre 2009

EL SECRETO DE SUS OJOS


DIRECTOR: Juan José Campanella
GUIÓN: Juan José Campanella, Eduardo Sacheri
MÚSICA: Federico Jusid, Emilio Kauderer
FOTOGRAFÍA: Félix Monti
REPARTO: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Pablo Rago, Javier Godino, José Luis Gioia, Mario Alarcón, Mariano Argento, Ricardo Cerone, David Di Nápoli
ARGENTINA, 2009, 126 min.
SINOPSIS: El secretario de un Juzgado de Instrucción de la Ciudad de Buenos Aires acaba de jubilarse y decide escribir una novela basada en un caso que lo conmovió treinta años antes, del cual fue testigo y protagonista. Ello le lleva a revivir aquellos años, trayendo al presente no sólo la violencia del crimen y de su perpetrador, sino también una profunda historia de amor con su compañera de trabajo
OPINIÓN: Yo tengo para mi base de datos particular la clasificación de “Obra Maestra” como la máxima calificación para una película; a continuación “Muy Buena” (me suena que esto ya lo he dicho en algún post anterior), pues esta película la situaría entre ambos niveles,. Sois vosotros los que tenéis que situarla entre esa puntuación cuando la veáis. La película esta basada en una novela cuya trama te engancha al poco de haber empezado y debido a que el director ha urdido una tela de araña sutil para atrapar al espectador. Los hilos del guión son suaves y muy fuertes, de tal manera que tu puedes seguir la trama sin perderte. Esa tela de araña esta orientada de tal forma que sus brillos y sus vibraciones están elaborados con la fotografía y la música que atrae sin dudarlo al espectador. Si además, la araña se mueve por la interpretación magnífica de todos los intérpretes y en especial por un magnífico Ricardo Darin. Y en la sombra, esperando al espectador al que considera muy listo y por lo tanto no puede engañarlo simplemente, sino atraerlo, está el director que manejando cuidadosamente todos los hilos quiere atraparlo. Pero al final, la sorpresa, porque el viento, el agua u otro incidente externo, como un vaso o unas mondas de naranja, o una fotos puede hacer que el espectador se libere victorioso.
Especialmente los diálogos son muy inteligentes, tanto en la intriga, el romance o el humor. Y en la presentación de estos diálogos hay una cámara magnífica que se mueve alrededor de los personajes, sin hacerse la protagonista, pero puntuando todas las inflexiones y con una música que subraya cada situación.
La película tiene sus momentos cumbres como thriller en el asesinato o en los interrogatorios. Tiene sus momentos extraordinarios como comedia en la escena del bar donde se relacionan los nombres del asesino con el fútbol. Espectaculares son las imágenes que nos conducen al estadio donde posiblemente esté el asesino. Y tiene sus magníficos momentos románticos, para mi de los mejores en el universo cinematográfico, con la despedida en la estación, o en el reencuentro final.
Después de todo lo que he vivido en el universo fílmico con esta película solo me cabe el máximo desprecio por el festival de cine de San Sebastián que ha pasado por esta película sin enterarse; explicable porque en este maravilloso film no hay ningún elemento que pueda servir a sus objetivos políticos. Absolutamente de obligada visión.
Tengo que agradecerle a Carmen su especial recomendción para no perderme esta obra de arte.

24 septiembre 2009

MALDITOS BASTARDOS

Inglourious Basterds
DIRECTOR: Quentin Tarantino
GUIÓN: Quentin Tarantino
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Robert Richardson
REPARTO: Brad Pitt, Diane Kruger, Christoph Waltz, Daniel Brühl, Mélanie Laurent, Eli Roth, Michael Fassbender, Samm Levine, B.J. Novak, Til Schweiger, Gedeon Burkhard, Paul Rust, Michael Bacall, Omar Doom, Sylvester Groth, Julie Dreyfus, Jacky Ido, August Diehl, Martin Wuttke, Richard Sammel, Christian Berkel, Sönke Möhring, Mike Myers, Rod Taylor, Denis Menochet, Cloris Leachman, Samuel L. Jackson, Enzo G. Castellari
USA, 2009, 153 min.
SINOPSIS: Durante la ocupación alemana de Francia en 1941, una muchacha judía consigue escapar de la masacre que ha sufrido su familia por parte del coronel nazi Hans Landa. Al mismo tiempo un grupo de soldados norteamericanos y de origen judío realizan el único objetivo de matar nazis. Todos acabaran juntos en una sala de cine.
OPINIÓN: Empezar una película con unos títulos de crédito en amarillo sobre fondo negro y nada más ya es un riesgo, acostumbrados como estamos a esas pequeñas obras de arte que son los títulos. Si además arrancas con la una música melodiosa y romanticona, como “Las hojas verdes del verano”, cuando el espectador va a ver una película bélica y con violencia te la estás jugando. Pero eso si, empieza la acción y se nos presenta la situación en una granja francesa mediante lo que podría ser un magnífico corto de la invasión nazi.
Está muy claro que el autor de una película es el director y si además es el guionista se convierte en responsable casi absoluto. Cuenta con magníficos actores y muy bien dirigidos pues a cada uno de ellos le saca lo que quiere como director evitando que sea protagonista la fama que precede al actor. En este punto Brad Pitt es un ejemplo pero Christoph Waltz es la sublimación de la interpretación. Sabe dar todos los registros que el director le pide según el momento de la historia. Historia que va narrada en un guión de esos que uno tiene que tener en su estantería de cine pues la sucesión de imágenes con las que nos cuenta Tarantino esta historia es para tesis doctorales en cine.
Tarantino siempre ha cuidado la música (no se porque en este caso me acordé de Almodóvar) y aquí la cuida y la mima consiguiendo una mezcla interesante de música americana y europea, hasta suena algo español, y sobre todo la utilización de la música sinfónica que no podía faltar tratándose de una película sobre el nazismo.
Además de tener un enorme interés por la dirección, guión, interpretación, música, etc. la película cautivará a los cinéfilos de toda la vida por la gran cantidad de referencias al cine, lo que hace de esta película un homenaje al cine desde el cine, y muy especialmente desde el cine americano.
Toda obra de autor debe tener su firma y Tarantino nos la deja al final de una forma sorprendente.
Estoy deseando bajármela… de las estanterías de algún videoclub para hacer un análisis mucho más detallado y disfrutarla sin las palomitas de al lado, ni los comentarios de las dos señoras que han entrado a ver a Brad Pitt.

17 septiembre 2009

NUEVE REINAS


DIRECTOR: Fabián Bielinsky
GUIÓN: Fabián Bielinsky
MÚSICA: César Lerner
FOTOGRAFÍA: Marcelo Camorino
REPARTO: Ricardo Darín, Gastón Pauls, Leticia Brédice, Tomás Fonzi, Elsa Balaguer, Celia Juárez, Antonio Ugo, Alejandro Awada, Ignasi Abadal, Óscar Núñez, Leo Dyzen
ARGENTINA, 2000, 114 min.
SINOPSIS: Buenos Aires. Algo une a Juan y Marcos, dos estafadores de poca monta que casualmente se ven envueltos en un asunto que les puede hacer millonarios: tienen menos de un día para realizar una estafa que no puede fallar. (FILMAFFINITY)
OPINIÓN: Fabián Bielinsky (el director) se sentó un día frente a frente con Fabián Bielinsky (el guionista). Fabián, el guionista, empezó a contarle a Fabián, el director, la historia de dos tramposos que se conocen circunstancialmente y empiezan a trabajar juntos. A medida que Bielinsky, el director, va conociendo la historia y la va visualizando, Bielinsky, el guionista, le va embrollando con mentiras, o falsas verdades, que intrigan a Fabián, el director, que confía plenamente en Fabián, el guionista. Bielinsky, el director se decide a realizarla convenciendo previamente, no se sabe como, a una productora de la Patagonia que, como está lejos, no se acaba de enterar de lo que traman Fabián el director y Fabián el guionista. Pero para esos dos personajes se necesitan dos actores, algo canallas, y no muy conocidos, pero que sepan dar el pego (nunca mejor dicho), como Ricardo Darín y Gastón Pauls. Lo que no se esperaba el director es que estos dos actores, muy buenos por cierto, iban a entrar en el juego y engañar al director y al guionista llevando a los espectadores por donde les parecía mejor. Menos mal que Fabián había escrito un guión muy sólido, quiero decir muy bueno, buenísimo; y Fabián sabía dirigir con mano maestra todos los elementos de una película. Y así, entre los cuatro, sin “engañar” al espectador, consiguen una obra perfecta que no debéis perderos. Como habrá gente que la haya visto y gente que no la vaya a ver, os voy a contar el final: en esto que… bueno, lo dejo para otro día. Entre la gente que la ha visto está Father Caprio que, sabiendo que le ha gustado, me extraña que no la utilizara como novena uva del año 2009, en vez de “Nueve cartas a Berta”, sobre la que ya había dado mi opinión en esta habitación, el 15 de Noviembre de 2008.

05 septiembre 2009

CALLE 54

DIRECTOR: Fernando Trueba
GUIÓN: Fernando Trueba
MÚSICA: Varios (Jazz)
FOTOGRAFÍA: José Luis López Linares
REPARTO: Documentary, Michel Camilo, Gato Barbieri, Tito Puente y otros
ESPAÑA, 200, 105 min.
SINOPSIS: Documental sobre varias figuras del jazz latino, reunidos en la calle 54 de Nueva York.
OPINIÓN: Pocos son los directores de cine que amando la música no realicen alguna película de tema musical, es el caso de Martin Scorsese con “El último vals” o “No direction home” o introduzcan alguna composición de forma muy especial en sus películas, y este es el caso de Stanley Kubrick con “La naranja mecánica” y “2001: una odisea del espacio”. Fernando Trueba lleva a un estudio, uno tras otro, a una serie de intérpretes del jazz latino, entre los mejores del momento, y les hace interpretar una de sus mejores piezas. Siendo como es y así se declara, un amante de esta música, la conoce muy bien y por lo tanto moverá todos los elementos cinematográficos: cámaras, micros, luces, etc., para conseguir que el espectador se sienta como en uno de esos locales donde se escucha el jazz. Perfecta en lo visual de manera que puedes ver cada instrumento y como se toca, y perfecta en la música, pues recopila una serie de grandes intérpretes del jazz latino como Paquito D´Rivera, Eliane Elías, Chano Domínguez , Fort Apache Band, Michel Camilo, Gato Barbieri, Tito Puente, Chucho Valdés, Chico O´Farry, Bebo Valdés, Cachao, Patato y otros. Si te gusta el jazz esta película es imprescindible.

24 agosto 2009

ANTICRISTO

Antichrist
DIRECTOR: Lars von Trier
GUIÓN: Lars von Trier, Anders Thomas Jensen
MÚSICA: No tiene
FOTOGRAFÍA: Anthony Dod Mantle
REPARTO: Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg
DINAMARCA, 2009, 104 min.
SINOPSIS: Un terapeuta quiere ayudar a su mujer a superar la muerte de su hijo y se trasladan a una cabaña, en medio de la naturaleza, donde ella paso el último verano con su hijo. Los acontecimientos y la naturaleza dificultarán la relación entre la pareja.
OPINIÓN: Empezaré por decir que el quiera ir a verla que vaya bajo su responsabilidad y si es un amante del CINE (con mayúsculas), ahora y en este momento, es imprescindible verla. Lo que opinen los críticos del futuro y si entrará o no en las listas de las 100 mejores películas dentro de 50 años a mi me tiene sin cuidado. Para que me sigan: a la media hora un vecino de butaca se levantó y se fue, no puedo saber cual era su motivo, y una pareja de mayores que tenía delante, se pasaron la película emitiendo expresiones cortas pero aguantaron. Creo que lo más impactante, a lo mejor no tanto por lo que se ha escrito, está al principio de la película y por eso es impactante, por estar al principio, en primer plano y en cámara lenta (ya saben lo que se ha escrito sobre el sexo explícito), pero yo me refiero a la muerte del niño. Es el prólogo de la película, y a partir de ahí se desarrolla un guión soberbio, duro, es cierto, pero digno de ser estudiado en una escuela de cine. Lars Von Traier nos contará ese guión con las imágenes que el considera adecuadas, como Goya pudo hacer con los horrores de la guerra o Picasso con lo ocurrido en Guernica. Yo he visto mucha más sangre innecesaria y más violencia gratuita en un montón de películas que me hicieron bajar la vista, cosa que aquí no me ha ocurrido. Quizás porque el director no te quiere engañar y te va preparando en los planos anteriores. Y todo el peso de la película (¿se dice así, verdad?) lo llevan sólo dos actores, dos magníficos actores que en un acto de profesionalidad absoluta le han dejado al director que haga con ellos lo que crea conveniente. Le han entregado su cuerpo, físico, totalmente, para que el director pueda mostrar toda su naturaleza humana al espectador. Y hablando de naturaleza, sería la tercera protagonista con los más significativos procesos naturales: viento, lluvia, granizo, etc.; y con procesos muy determinados, pero significativos, como la caída de las bellotas de los robles. En definitiva, algo más de hora y media que te mantiene activo el cuerpo (¿?), la vista y el oído, y lo que es más importante, el cerebro.

19 agosto 2009

ENEMIGOS PÚBLICOS

Public Enemies
DIRECTOR: Michael Mann
GUIÓN: Ronan Bennett, Michael Mann, Ann Biderman (Libro: Bryan Burrough)
MÚSICA: Elliot Goldenthal
FOTOGRAFÍA: Dante Spinotti
REPARTO: Johnny Depp, Christian Bale, Channing Tatum, Marion Cotillard, Billy Crudup, Stephen Dorff, James Russo, David Wenham, Christian Stolte, Jason Clarke, Branka Katic, Wesley Walker, Stephen Lang, Stephen Graham
USA, 2009, 140 min.
SINOPSIS: El agente del FBI Melvin Purvis se encarga de atrapar al más buscado ladrón de bancos, John Dillinger, que logra eludir a la policia continuamente. Dillinger encontrará el amor entre sus fechorías. OPINIÓN: Historia clásica de gánsters y policías con atracos y persecuciones entre las que aparece el amor y la violencia. Si sólo es eso, “déjà vu” y no te gastes el dinero en una entrada. Pero las películas tienen un responsable máximo, el director, que en este caso es Micheal Mann cuya capacidad de fabricar un buen producto ya está demostrada en películas anteriores. Aquí va a una historia archiconocida para poder desarrollar sus posibilidades artísticas que las tiene y las suma en lo que he visto. Casi todos conocen el final y por lo tanto el director recurre a llevar al espectador escena tras escena, despertando y satisfaciendo su interés, en pequeñas muestras de cine-arte que enlaza entre si de una forma magistral, sin un fundido, con una planificación rápida. Esta forma de realizar las transiciones a muchos les puede molestar pero en general crea una ansiedad que va acumulándose por ver que ocurre a continuación. El meollo de cada secuencia, el estudio de los personajes en cada situación, están realizados al modo mas puro del cine, al estilo clásico, bien actualizado todo con una cámara digital y de alta definición que “realmente” te sitúa en la acción; diríamos “como si estuvieras allí”. Por cierto, ¿puede haber una película de gánsters sin los disparos de unas metralletas? Pues aquí tampoco faltan y gracias a las técnicas modernas da la sensación que estás escondido detrás de un coche mientras se produce el tiroteo. Como veis cine clásico. En cuanto a los actores, si el director no pretende una profundización psicológica de los personajes, son los adecuados. Johnny Depp se aleja del histrionismo pero manteniendo un aire canallesco que sostiene al personaje, mientras Christian Bale interpreta con toda sobriedad a un agente del que será el FBI haciéndolo muy creíble. La película está llena de música y sonido, con muchas canciones, bastantes de Billie Holiday, pero si al director le gusta y no rompe el ritmo de los diálogos no seré yo el que se lo recrimine. No diré que es una obra maestra como he visto en la publicidad pero afirmo que me ha gustado.

16 agosto 2009

EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON


The Curious Case of Benjamin Button
DIRECTOR: David Fincher
GUIÓN: Eric Roth (Historia: F. Scott Fitzgerald)
MÚSICA: Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA: Claudio Miranda
REPARTO Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson, Tilda Swinton, Jason Flemyng, Julia Ormond, Eric West, Elias Koteas, Elle Fanning
USA, 2008, 167 min.
SINOPSIS: Historia de un hombre que nace viejo y su vida transcurre hacia la juventud y la niñez. Es la historia de un hombre que vive la vida al reves que los demás mortales pero que encuentra los amores como los demás humanos, madre, amantes, novia, mujer, hija pero sus circustancias le harán vivirlos de otra manera.
OPINIÓN: Traigo al blog mi opinión sobre esta película sobre la que he leido y escuchado mucho y a favor. Efectivamente, se merece los Oscars que le han dado y sin duda bien merecidos, pero sólo esos, porque del resto de la película podemos hablar como de un producto artesanal y con muchas ganas de vender ante un público poco exigente. No entiendo el embobamiento de muchos críticos con esta película. Le sobran dos horas y de hecho todo lo que se le ha añadido a un relato corto del que procede el guión, está de sobra. El espectador tiene que saber situarse en el tiempo de una historia lineal, contada hacia atrás, pero lineal. Y cuando ya se ha perdido para saber la edad del protagonista aparecen las primeras declaraciones. Desde luego bien elegido el protagonista, pues en la cuenta atrás, cuando se produzca el desenlace, no el epílogo, de la historia, tendremos a un guapo Brad Pitt que hara llorar a las almas sentimentales. De acuerdo, la historia es original, pero no lo es la forma de contarla y por lo tanto una película que pasará a “mi” historia del cine sin pena ni gloria. Espero el comentario de algún alma gemela o empezare a considerarme "rarito".

12 agosto 2009

8 y 1/2 FELLINI


Otto e mezzo (8½)
DIRECTOR: Federico Fellini
GUIÓN: Tullio Pinelli, Federico Fellini, Ennio Flaiano, Brunello Rondi
MÚSICA: Nino Rota
FOTOGRAFÍA: Gianni di Venanzo
REPARTO: Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée, Sandra Milo, Rossella Falk, Barbara Steele, Mario Pisu, Guido Alberti, Madeleine LeBeau, Caterina Boratto, Annibale Ninchi, Giuditta Rissone, Eddra Gale, Tito Masini, Nadine Sanders, Georgia Simmons, Hazel Rogers, Riccardo Guglielmi, Giulio Paradisi, Maria Antonietta Beluzzi, Polidor, Maria Wertmuller, Rossella Como, Nino Rota
ITALIA, 1963, 140 min.
SINOPSIS: Guido, un director de cine que acaba de obtener un triunfo, se ve incapaz de empezar su próxima película. Mientras piensa que película hacer le vienen a la memoria hechos de su vida.
OPINIÓN: Desde el principio sabemos que se trata de los sueños y obsesiones de un cineasta italiano, el propio Fellini. Unos cuantos planos magníficamente fotografiados (la buena fotografía va a ser una baza fundamental en esta película) del protagonista nos llevaran a su infancia donde se formará su personalidad y donde se iniciarán todos sus traumas. La infancia de los italianos, como la de los españoles, de los años 50 se desarrolló entre curas, monjas y personas mayores con el fondo siempre de música clásica, o folclórica según los status.
Con esta película Fellini da el gran salto desde el neorrealismo a un cine moderno que marcará tendencias seguidas después por franceses, alemanes, españoles y sobre todo directores americanos de los que Woody Allen es el mejor ejemplo. Pero el original, esta película, siempre la recordaremos en cada uno de los buenos directores que la siguieron. Así mismo Fellini hace un reconocimiento continuo al buen cine americano, como podemos apreciar en los andares por el pasillo recordando a Charles Chaplin. Y que mejor forma de hacer una revisión de su vida que preparando una película, es una idea absolutamente original si tenemos en cuenta que no conoce el guión, que no sabe quienes serán los protagonistas.
Hitchcock siempre hace una pequeña aparición en sus películas, como su firma. Fellini parece haber adoptado como firma la aparición de una mujer entrada en carnes y grandes pechos que aquí será Saraghina, cuya secuencia en la playa con los muchachos es antológica, para después ser utilizada para remarcar su educación religiosa en la que no deja muy bien a los religiosos que se encargaron de ella. El juego de sábanas en el balneario para tapar el cuerpo desnudo del cardenal es otro de esos momentos cinematográficos. Y a partir de aquí la vida es un circo.
Teoría del cine con un ejemplo práctico en la pantalla para ilustrar la 8ª uva del año según Father Caprio.

06 julio 2009

LOS SIETE MAGNÍFICOS

The Magnificent Seven
DIRECTOR: John Sturges
GUIÓN: William S. Roberts
MÚSICA: Elmer Bernstein
FOTOGRAFÍA: Charles Lang Jr.
REPARTO: Yul Brynner, Steve McQueen, Charles Bronson, Eli Wallach, James Coburn, Horst Buchholz, Robert Vaughn, Brad Dexter, Whit Bissell, Vladimir Sokoloff
USA, 1960, 126 min.
SINOPSIS: Los habitantes de un pueblo mejicano en la frontera contratan a siete pistoleros para que los defiendan de una banda de forajidos que los asalta continuamente llevándose sus cosechas.
OPINIÓN: Revisar esta película me produce un estado de ánimo especial desde los títulos de crédito donde suena una de las mejores bandas sonoras que se han escrito para el cine. Como le pasa a Father Caprio, esta es una de mis películas favoritas porque es un manual básico del buen cine, basada en una obra maestra que es “Los Siete Samurais” de Kurosawa. Continuamos después con una preciosa panorámica de unos jinetes con música amenazante que se ve entrecortada por los quehaceres diarios de una gente humilde. Inmediatamente, con una magnífica economía de planos, sabemos quienes son los malos y porqué, para dar paso a una secuencia digna del mejor cine revolucionario de Eisenstein. Y a partir de aquí ya empieza el western de verdad con una magnífica entrada de Yul Brynner en una bien estructurada secuencia de un entierro para presentar a dos magníficos más, Steve MacQueen y Horst Bucholtz. A destacar el gesto de Steve cuando se apunta a defender a los indios mejicanos. Brad Dexter sera un magnífico a la sombra y así, desde las sombras hace su entrada.Una vez más la planificación es correcta para presentar a Charles Bronson cortando leña y después se añade una secuencia a lo puro western para presentar a James Coburn, con duelo incluido. Robert Vaughn será el siguiente, magnífico y elegante. Una presentación larga pero perfecta.
Y empieza la función, caballos, paisaje, acampada nocturna y siempre algún toque de humor. Lo más flojo de la película es la convivencia de los siete magníficos con el pueblo pues ya se sabe que al cine americano no se le ha dado bien tratar el folclore de otros pueblos. Y sepués auténtico cine del oeste. Eso si saben hacerlo bien los americanos y en particular John Sturges.
FELIZ 7º MES DEL AÑO

03 julio 2009

INCIDENTE EN OX-BOW

The Ox-Bow Incident
DIRECTOR: William A. Wellman
GUIÓN: Lamar Trotti (Novela: Walter Van Tilburg Clark)
MÚSICA: Cyril Mockridge (AKA Cyril J. Mockridge)
FOTOGRAFÍA: Arthur Miller (B&W)
REPARTO: Henry Fonda, Dana Andrews, Mary Beth Hughes, Anthony Quinn, William Eythe, Henry Morgan, Jane Darwell, Frank Conroy
USA, 1943, 72min.
SINOPSIS: La noticia del asesinato de un ranchero por un grupo de cuatreros desata los deseos de linchamiento en los habitantes de un pueblo del Oeste. La ausencia del sheriff y la poca determinación del juez permiten que se monte un grupo para ir en busca de los cuatreros y lincharlos.
OPINIÓN:A veces uno se encuentra con esos libros que de pequeño le enseñaron a leer, y los cuadernos de caligrafía en los que aprendía a escribir, y así mismo, uno se encuentra con esas películas que son manuales básicos para ver cine. Esta película tiene todos los elementos que un cinéfilo busca: dirección, guión, actores, fotografía, música montaje, planificación, etc., y unidos de tal manera que la visión y sobretodo la revisión de esta maravilla te va recordando lo que sabes de cine. Yo se la recomendaría a todos los que quieren saber algo más de cine. Les diría que en las sucesivas revisiones analizaran cada uno de los elementos que conforman una película. Es un ejercicio de aprendizaje y además resulta de lo más interesante. Al final te das cuenta que estás analizando una obra de arte. Para una mejor información sobre esta película os recomiendo la entrada que sonre ella ha hecho Father Caprio.

21 junio 2009

REQUIEM POR UN SUEÑO

Requiem for a Dream
DIRECTOR: Darren Aronofsky
GUIÓN: Darren Aronofsky, Hubert Selby Jr. (Novela: Hubert Selby Jr.)
MÚSICA: Clint Mansell
FOTOGRAFÍA: Matthew Libatique
REPARTO: Jared Leto, Jennifer Connelly, Ellen Burstyn, Marlon Wayans, Christopher McDonald, Louise Lasser, Marcia Jean Kurtz, Janet Sarno, Suzanne Shepherd, Dylan Baker, Keith David, Peter Maloney
USA, 2000, 102 min.
SINOPSIS: Sara (Ellen Burstyn) inicia un plan de adelgazamiento para aparecer en un concurso televisivo. Si hijo y la novia viven en el mundo de la droga, en el cual esperan hacerse ricos.
OPINIÓN: Todos tienen sus adicciones, unas más destructivas que otras, pero para cada cual su adición representa su infierno del cual pretenden salir soñando.
La planificación es algo efectista pero dentro del drama que se representa ayuda muchas veces al espectador a situarse; por ejemplo angulaciones en picado sobre todo en interiores, fragmentación del plano en vertical u horizontal, transiciones hasta llegar casi al blanco, etc.
La utilización de cambio brusco de plano para indicar paso del tiempo surte efecto y el espectador no se pierde. Hasta se permite un toque de humor en el tiempo del desayuno con un huevo, una naranja y un café, y la manecilla del reloj girando. La interpretación de la madre en su obsesión por adelgazar es digna de un oscar aunque sólo se quedó en una nominación.
La música es otro logro de la película, subiendo y bajando, alegre y dramática, piano y fortísimo, hasta terminar en un silencio.
Y así va trascurriendo la película hasta que el director te lleva a un momento en que uno se olvida de todo lo que sabe de imagen y sonido y es arrastrado, como por un torbellino de secuencias, al final previsto. Pero ojo, no por sabido menos fuerte; a un final no apto para determinadas sensibilidades.Es una auténtica película de experimentación cinematográfica buscando la expresión artística, no en un tema de comedia o romántico, no, en un tema duro como es el mundo de las drogas.

12 junio 2009

EL SEXTO SENTIDO

The Sixth Sense
DIRECTOR: M. Night Shyamalan
GUIÓN: M. Night Shyamalan
MÚSICA: James Newton Howard
FOTOGRAFÍA: Tak Fujimoto
REPARTO: Bruce Willis, Toni Collette, Haley Joel Osment, Olivia Williams, Trevor Morgan, Donnie Wahlberg, Peter Tambakis, Jeffrey Zubernis, Bruce Norris
USA, 1999, 107 min.
SINOPSIS: Un conocido psicólogo infantil está obsesionado con el fracaso que sufrió en el tratamiento de un joven paciente que acabó suicidandose. Ahora, un aterrorizado y confuso niño necesita tratamiento, y el psicólogo ve la oportunidad de redimirse haciendo todo lo posible por ayudarle.
OPINIÓN: Un director inteligente, con un guión inteligente, hace una película para espectadores inteligentes, que de una manera inteligente recomendaba Father Caprio para el sexto mes del año y no para “El sexto día” de la que ya nos hemos olvidado.
Esta película la he visto varias veces y aunque me sé el final, que ruego nadie desvele,
al cuarto plano del niño (Haley Joel Osment) la película me engancha porque quiero saber, una vez más, que le pasa. Los diálogos provocados por el psicólogo infantil (Bruce Willis) nos van llevando por la compleja mente del niño, pero una serie de planos y de sonidos, eso es cine, nos irán ayudando a entender lo que pasa, o al menos a suponer que es lo que está pasando. Como en “Psicosis”, el director tiene todas las claves y sabe dosificarlas para que, aumentando el interés, llegues al final para sorprenderte siempre. La escena de la función del colegio con los padres grabando es sensacional. Un toque de humor en medio de tanta tensión.

07 junio 2009

EL SEXTO DÍA

The 6th Day
DIRECTOR: Roger Spottiswoode
GUIÓN: Cormac Wiberley & Marianne Wibberley
MÚSICA: Trevor Rabin
FOTOGRAFÍA: Pierre Mignot
REPARTO: Arnold Schwarzenegger, Robert Duvall, Michael Rapaport, Tony Goldwyn, Michael Rooker, Sarah Wynter, Wendy Crewson, Rodney Rowland, Don McManus.
USA, 2000, 123 min.
SINOPSIS: Un experto piloto de helicópteros regresa a casa y se encuentra un clon que está viviendo con su familia. Se descubre el error de la replica y entonces la organización intenta destruir al auténtico piloto.
OPINIÓN: Mira que la ciencia ficción da para desarrollar un guión con un poco de imaginación, pero en este caso la nulidad es absoluta. Iba de sobresalto en sobresalto viendo resucitar a muertos sin ton ni son. En algunos momentos ya no sabía si se estaba utilizando un flash-back o si la historia había dado un salto adelante en el tiempo. Por otra parte las imágenes son artificiosas a más no poder, sin una pizca de arte y aplicadas sin medida.
Y por si faltaba algo tenemos a Arnold Schwarzenegger y su clon por la pantalla, porque eso no puede llamarse interpretar. ¿No querías caldo? Pues toma dos Schwarzenegger. Menos mal que se ha dedicado a la política y ha dejado de manchar las pantallas de los cines.
Los premios Razzie de 2001 nominaron a esta película como la peor, también al peor actor (Arnold en ambos casos), peor pareja (Arnold con su clon), y peor actor secundario (el clon de Arnold). El dinero no puede suplir a la imaginación como dice Father Caprio.
Yo os propongo que para quitaros la mala uva de este sexto mes del año pongáis en marcha "El sexto sentido" que tenéis los lectores de este blog.

27 mayo 2009

BIENVENIDO AL PARAISO

Come See the Paradise
DIRECTOR: Alan Parker
GUIÓN: Alan Paker
MÚSICA: Randy Edelman
FOTOGRAFÍA: Michael Seresin
REPARTO: Dennis Quaid, Tamlyn Tomita, Sab Shimono, Shizuko Hoshi, Stan Egi, Ronald Yamamoto
USA, 1990, 133 min.
SINOPSIS: Un americano de origen irlandés y sindicalista se enamora de una americana hija de emigrantes japoneses. Cuando estalla la Segunda Guerra Mundial toda la familia sufrirá las consecuencias de sus orígenes étnicos en un campo de concentración en los Estados Unidos.
OPINIÓN: Los americanos inundaron el mundo de películas antijaponesas después de la Segunda Guerra Mundial y, más tarde, cuando ya se permiten ser críticos con su propio país, muy pocas veces tocaron el tema de los japoneses residentes en Estados Unidos durante y después del ataque de Pearl Harbour. En esta ocasión Alan Parker prepara un guión sobre el tema y lo dirige con abundancia de medios. Pero si bien a muchos espectadores les llamara la atención la existencia de campos de concentración en Estados Unidos para recluir a los japoneses y a los hijos de estos que nacidos en los Estados Unidos son americanos también, Alan Parker se perderá en una historia de amor demasiado melodramática entre un americano sindicalista y una hija de japoneses nacida en los Estados Unidos de tal forma que al espectador le parecerá que solo lo está pasando mal esta familia, donde el problema parece que se sobrelleva y encima, según el guionista, por ese buen carácter de los japoneses. Las caras orientales suelen dar bien en pantalla y especialmente las chicas jóvenes y los niños, pero aquí será la madre japonesa que en un papel secundario se lleva gran parte del interés. En resumen, película para ver y despertar al tema del sufrimiento de los japoneses en Estados Unidos, pero casi seguro que el espectador será arrastrado a la historia de amor.

22 mayo 2009

CINCO SEMANAS EN GLOBO


Five Weeks in a Balloon
DIRECTOR Irwin Allen
GUIÓN Irwin Allen, Charles Bennett, Albert Gail (Novela: Jules Verne)
MÚSICA Paul Sawtell
FOTOGRAFÍA Winton C. Hoch
REPARTO Red Buttons, Fabian, Barbara Eden, Cedric Hardwicke, Peter Lorre, Billy Gilbert, Richard Haydn, Barbara Luna, Herbert Marshall, Reginald Owen, Jonathan Gilmore
USA, 1962, 97 min.
SINOPSIS: Un explorador, su asistente, un reportero entrometido ), un profesor despistado y una maestra emprenden una expedición en globo a través de Africa. En su viaje tendrán que enfrentarse a situaciones difíciles y sobre todo tendrán que acostumbrarse a convivir unos con otros.
OPINION: Se basa en la primera novela de Julio Verne que ya ofrece aventuras e intriga en un contexto geográfico, histórico y científico bien planteado. Irwin Allen se especializó como director de aventuras fantásticas y aquí dispone de una buena novela y de unos reconocidos actores a los que coloca en situaciones disparatadas de las que salen airosos por su buen hacer, porque la dirección brilla por su ausencia, y a la media hora de película ya estás deseando levantarte para hacer otra cosa. Para ser sincero es una de las peores películas que se pueden ver y si sale a colación en este blog es porque estamos en Mayo que es el 5º mes del año y porque le soy fiel al magnifico comentarista de cine Father Carpio.

10 mayo 2009

FUGA DE CEREBROS

DIRECTOR: Fernando González Molina
GUIÓN: Curro Velázquez, Álex Pina
MÚSICA: Manel Santisteban
FOTOGRAFÍA: Sergio Delgado
REPARTO Mario Casas, Amaia Salamanca, Alberto Amarilla, Canco Rodríguez, Gorka Lasaosa, Pablo Penedo, Antonio Resines, Loles León, Alex Angulo, Mariano Peña, David Fernández, José Luis Gil, Fernando Guillén, Carlos Santos, Asunción Balaguer, Blanca Suárez, Joan Dalmau
ESPAÑA, 2009, 104 min,
SINOPSIS: Emilio es un chico tímido y normalito en los estudios de bachillerato. Desde pequeño que esta enamorado de Natalia, la chica guapa y lista de la clase. A ella le conceden una beca para estudiar Medicina en Oxford a donde irán a parar Emilio y sus coleguillas marginados del Instituto tras falsificar expedientes y becas.
OPINION: Estar en Málaga y no dar una opinión sobre el cine español me parece inadecuado. La película elegida es la que obtuvo el premio del publico con lo cual si comparáis con lo que a mi me ha parecido esta claro que soy yo el desfasado. O a lo mejor no, si tenemos en cuenta que los cines en el festival se han llenado de mucha gente que tiene el cine como lugar donde pasar un rato divertido antes de salir a tomar unas copas. También es posible que se hayan regalado muchas entradas y hay que corresponder. O que las televisiones en este país tienen mucho poder e influyen fácilmente en los cerebros de los estudiantes de bachillerato que dan el salto a la universidad, y no a una cualquiera, no, a la de Oxford.
¡Ah! Que tengo que hablar de la película. Pues el cuerpazo de la protagonista llena la pantalla, y la espalda del protagonista. Y otro llena una garrafa de semen. Y no veas como se lo hace con una muerta, o eso es lo que parece. ¿No os vale esto como opinión?
Pues de esto y muchas mas cosas como estas que van ocurriendo así como así esta formada la película. ¿Vosotros consideráis que una película se basa en un guión? Puede ser, pero esta no. Con que aparezcan los famosillos de televisión ya es bastante.
Nada, a reírte de lo que quieras que para eso es una comedia (¿o un bodrio?) Mira, yo no quiero que digan que no apoyo el cine español, así que tu verás.La foto es mía, de un punto publicitario que pusieron en la Plaza de la Marina de esta preciosa ciudad que se merece mejor cine, y podéis utilizarla si os place.

26 abril 2009

12FMCE

En Málaga se ha celebrado el 12º Festival de Cine Español con un gran éxito de público y participación ciudadana. Los centros neurálgicos de la ciudad, como calle Larios, Calle Alcazabilla, Plaza de la Constitución y Plaza de la Merced han ofrecido distintas actividades y a diferentes horas del día para darle a cualquier malagueño o visitante la oportunidad de participar.

Que duda cabe que la presencia de Antonio Banderas, malagueño que ejerce siempre que puede, ha despertado el mayor interés. Aprovechando su estancia en el festival se han vuelto a proyectar en pantalla grande películas dirigidas por él como “Locos en Alabama” y “El camino de los ingleses”, así como alguna de sus mejores interpretaciones como “¡Atame!” Acompañando estas proyecciones se ha montado una exposición de fotos del rodaje de “El camino de los Ingleses”

La entrada con alfombra roja al Teatro Cervantes ha sido ocupada ante cualquier evento por mucha gente que conocía o intentaba reconocer a los participantes en este Festival.
Un gran acierto de este año ha sido alfombrar la calle Larios con ampliaciones de guiones conocidos o de storyboards de películas de gran éxito como “El laberinto del fauno” “Los otros”, “Princesas” y más.

Se ha entregado el premio Málaga SUR a Juan Diego por su larga trayectoria en la interpretación y se han proyectado algunos de sus mejores trabajos como es ”DragónRapide”, “Casual day” o “Vete de mi”

A Nacho Vigalondo, que no se avergüenza de haber sido guionista para Gran Hermano, el programa de televisión, se le ha concedido el premio Eloy de la Iglesia como realizador.

Al productor Enrique Cerezo se le ha entregado el premio Retrospectiva y se han proyectado algunas de sus películas “Juana la Loca”, “Las 13 rosas”, “El perro del hortelano” y otras.

El premio Ricardo Franco ha sido para el maquillador Gregorio Ros que ha maquillado a Victoria Abril, Penélope Cruz, Paz Vega, María Barranco y al mismísimo Miguel Bosé en “Tacones Lejanos”

Muy interesante ha sido la idea de proyectar los éxitos del 2008, como “Camino”, “Fuera de carta” y otros por 1 euro la entrada.

En la plaza de la Merced se instaló una carpa para audiciones musicales, siendo un gran éxito la intervención de Coque Malla.

Una sección de proyecciones de películas que difícilmente entran en los circuitos comerciales se puede ver en ZONZINE y en TERRITORIO LATINOAMERICANO.

El jurado está formado por Sergio Cabrera, José Manuel Cervino, Lucía Etxebarría, Juan Madrid, Ruben Ochandiano, Emma Suárez y como presidente Alex de la Iglesia.

Y por supuesto las películas a concurso “La vergüenza”, “Fuga de cerebros”, “Bullying”, “Agallas”, “Un buen hombre”, “La escarcha”, “Amores locos”, “7 minutos”, “Trash”, “El niño pez”, “Tres días con la familia”, “7 pasos y medio”, “Pagafantas” y “Flores negras”.

Y la Biznaga de oro a la mejor película ha sido para “LA VERGÜENZA” de David Planell

19 abril 2009

HABITACIÓN PARA CUATRO

Amici Miei
DIRECTOR: Mario Monicelli
GUIÓN: Tullio Pinelli, Pietro Germi, Piero De Bernardi, Leo Benvenuti
MÚSICA: Carlo Rustichelli
FOTOGRAFÍA: Luigi Kuveiller
REPARTO: Ugo Tognazzi, Philippe Noiret, Gastone Moschin, Adolfo Celi, Duilio del Prete, Renzo Montagnani, Paolo Stoppa, Milena Vukotic
ITALIA, 1975, 109 min.
SINOPSIS: Cuatro amigos cincuentones, que llevan toda la vida juntos, se pasan el día organizando bromas pesadas para burlarse de los demás. Son el periodista Giorgio Perozzi, perseguido por la reprobación de su hijo y su ex-mujer; el arquitecto Rambaldo Melandri, sensible a los asuntos del corazón; el barman Guido Necchi, propietario del bar en el que el grupo se reúne cada noche; y el conde Mascetti, un noble venido a menos, obligado a vivir en un sótano, que no tiene ningún escrúpulo a la hora de alejar a su mujer y su hija para disfrutar de una relación clandestina con su joven amante, Titti. Todos ellos, conscientes de que les ayuda a seguir unidos, recurren a las bromas para prolongar su juventud y defenderse de las penas de la vida.
OPINIÓN: He visto esta película por disciplina, porque me pienso ver cada mes del año las películas que Father Carpio recomienda en su entrada de fin de año. Y me alegro de ser tan disciplinado, al menos por haber descubierto esta joya de la comedia italiana y por ende de la comedia española ( no así de la anglosajona). Me he reído, me he reído a gusto delante del televisor, y a carcajada limpia, como corresponde a una buena comedia. Estoy seguro que de tener el guión cinematográfico en mis manos (Pietro Germi y Leo Benvenuti no defraudan), lo leería de un tirón y con una sonrisa de tonto que de vez en cuando estalla en una carcajada. Es decir, la película está basada en un guión extraordinario. ¡Ah! Pero los actores son eso, actores de verdad, con lo que estás viendo la película y no te metes en el personaje, no; te mueres de risa con lo que cada actor interpreta. En serio (si es que se puede hablar de esta película en serio) buscadla como sea y sentaos a disfrutar del buen cine, de la buena interpretación, de la fotografía, del sonido, de la música. En definitiva, de una buena película.

11 abril 2009

SLUMDOG MILLIONAIRE


DIRECTOR: Danny Boyle, Loveleen Tandan
GUIÓN: Simon Beaufoy (Novela: Vikas Swarup)
MÚSICA: A.R. Rahman
FOTOGRAFÍA: Anthony Dod Mantle
REPARTO: Dev Patel, Freida Pinto, Madhur Mittal, Anil Kapoor, Irrfan Khan, Mia Drake
PREMIOS: 2009: 8 Oscar: Mejor película, director, guión adaptado, montaje, fotografía, banda sonora, canción (Jai Ho), sonido. 2009: BAFTA: Mejor película, director, guión adaptado, fotografía, banda sonora, montaje, sonido. 2009: Globos de Oro: Mejor película drama, director, guión, banda sonora. 10 Nominaciones al Oscar. 2008: National Board of Review: Mejor película del año. 2008: Toronto: Mejor película
REINO UNIDO, 2008, 120 min.
SINOPSIS: Jamal Malik es un jóven de Bombay que está concursando en la versión hindú del programa "¿Quién quiere ser millonario?". A punto de conseguir los 20 millones de rupias como premio mayor del concurso, el joven es interrogado por la policía, bajo la sospecha de estar haciendo trampas.
OPINIÓN: Al principio esta película despertó un gran interés en mi, pero a raíz del éxito en los Oscar empecé a poner reparos. ¡Qué duda cabe que no me creo lo de los Oscar! Las circunstancias, un día de Semana Santa por la mañana sin procesiones que ver, me llevaron al cine (es que me gusta) y elegí esta película. Pues miren ustedes, bien, muy bien por los directores (Danny Boyle, Loveleen Tandan), muy bien por el guionista (Simon Beaufoy) puesto que han conseguido que durante dos horas me olvidara que estaba sentado en una butaca de cine, y muy bien por los intérpretes del papel principal (niño, adolescente y joven) que sin ser estrellas han conseguido hacerme creíble un lacrimoso personaje. En este caso los premios van a conseguir que más gente vaya al cine a ver esta película, y creo que por una razón u otra se van a enganchar y repetirán (Dios quiera que la próxima no sea una de esas películas españolas subvencionadas). A los que de verdad os gusta el cine podéis encontrar aquí una planificación moderna (planos cortos y de ángulo extraño) secuenciados al ritmo de una música original (nada de boleros) para contarnos un concurso (a cualquier aficionado al cine le engancha un concurso en plan intelectual por si sale una pregunta de la historia del cine que sí se sabe) y aprovechando el concurso (desde el principio se sabe que ha ganado mucho dinero) se nos van abriendo puertas y ventanas de la mano del protagonista para presentarnos una dura realidad de la pobreza (una vez más, si, como el holocausto nazi y para que nadie lo olvide). Y aquí viene el gran éxito del guión: ¿qué ocurre con la última pregunta? Esto es el cine y como se hizo con “Psicosis” deberían poner un cartel para que nadie cuente el final. Por cierto, quédense a ver los títulos de la película (esto es la India).

04 abril 2009

EL TEMIBLE BURLÓN

The Crimson Pirate
DIRECTOR: Robert Siodmak
GUIÓN: Roland Kibbee
MÚSICA: William Alwyn
FOTOGRAFÍA: Otto Heller
REPARTO: Burt Lancaster, Eva Bartok, Nick Cravat, Torin Thatcher, James Hayter, Noel Purcell, Margot Grahame
REINO UNIDO, 1952, 104min.
SINOPSIS: Unos piratas capturan un barco con armas y pólvora, y el capitán traza un plan para sacar mucho dinero de ese botín.
OPINIÓN: Tiene todos los elementos de una película de aventuras pero con un gran sentido del humor que la hace una comedia a veces desternillante. Si nos reímos con Groucho Marx de sus situaciones absurdas e increíbles ¿por qué no nos vamos a reír con un Burt Lancaster que se atreve a disfrazarse de doncella para una ofrenda de flores. ¿Qué los saltos son increíbles? Ya, si, pero que bien realizados están cinematográficamente. ¿Qué con un mamporro caen cuatro o más enemigos? Vaya, para eso sale el protagonista con toda su musculatura al aire. ¿Qué es un pirata bueno? No tanto, pero el amor todo lo puede. Y así podría estar comentando esta película mientras me sonrío recordando lo que acabo de ver. Me ha dejado muy buen sabor y esa sonrisita de cómplice con el director que sin duda ha sabido enganchar al espectador a este continuo despropósito. Eso si, donde dice barcos ingleses veréis la bandera de Castilla, León y Aragón y las damas de la corte inglesa van con sus peinetas y mantillas. Claro que en el 1952 los españoles no podíamos ser tan tontos como lo eran los ingleses. Buen sentido del humor. En definitiva, que hay que verla y después… ya se verá.

29 marzo 2009

EL ÚLTIMO VALS

The Last Waltz
DIRECTOR: Martin Scorsese
GUIÓN: Martin Scorsese
MÚSICA: The Band
FOTOGRAFÍA: Michael Chapman, Laszlo Kovacs, Vilmos Zsigmond, Hiro Narita & Varios
REPARTO: The Band, Bob Dylan, Van Morrison, Neil Young, Joni Mitchell, Neil Diamond, Eric Clapton, Paul Butterfield, Rick Danko, Dr. John, Lawrence Ferlinghetti, Emmylou Harris, Ronnie Hawkins
1978, USA, 117 min.
SINOPSIS: Documental sobre el mundo del rock rodado en 1976 en el que Scorsese filma los conciertos de despedida de "The Band", por los que pasaron míticas figuras del rock de las últimas décadas.
OPINIÓN: Si alguien sabe utilizar una imagen ara transmitir un sentimiento, ese es Martin Scorsese. Si además se siente a gusto con lo que está haciendo y la gente con la que está trabajando, es el espectador el que percibirá sentimientos y sensaciones y por lo tanto saldrá ganando.
No hay imágenes manipuladas o compuestas sino imágenes de lo que ocurre en el escenario, quizás la utilización de alguna luz roja, alguna luz cenital o angulada, un reflejo, un flou (iluminación con la que se obtiene un halo de imprecisión que aparte de embellecer la imagen le da un carácter mágico). Elementos que un buen director sabe utilizar para llenar la pantalla sin que estos tomen protagonismo. Porque la protagonista es en realidad la música que hace The Band y algunos amigos que han querido acompañarles en el último concierto.
“LA MÚSICA TE LLEVA” Llega un momento en que te das cuenta que no se está realizando una película para ganar dinero sino que se está realizando un documental para que la gente de ahora y del futuro conozca como fue el último recital de The Band y quienes eran sus componentes.
Tenía ganas de volver a ver esta película y se que dentro de poco la volveré a ver porque es una de esas obras maestras en la que los sentidos y los sentimientos siempre encuentran una imagen, un sonido, un movimiento de cámara, una luz , un gesto, algo que te hace sentir humano entre los humanos y al mismo tiempo el más importante de los humanos por estar disfrutando de todo lo que ves y oyes.Antológico es el plano del sombrero con el que se presenta Bob Dylan. Sin embargo será ese mismo sombrero el que hará de la actuación de Bob Dylan la menos interesante en imagen, pues el blanco no permite un juego de luces y contraluces.

21 marzo 2009

EL VIAJE DE CHIHIRO

Sen to Chihiro no kamikakushi
DIRECTOR: Hayao Miyazaki
GUIÓN: Hayao Miyazaki
MÚSICA: Joe Hisaishi
SINOPSIS: Chihiro atraviesa un tunel que le lleva a un espacio mágico donde no hay humanos sino dioses. Allí, Chihiro actuará con la nobleza y el mejor sentimiento del ser humano.
OPINIÓN: En un mundo aislado del mundo real, en un mundo mágico, se desarrolla todo este inmenso guión que, convertido en película de dos horas, se hace corto pues eres transportado al mundo de la imaginación.
Y sin necesidad de violencia pues cada momento en el que la violencia puede aparecer, la magia del amor aparece para devolvernos a ese mundo increíble de amor en el que vive Chihiro.
Para un espectador inteligente se necesita un director que considere que está realizando un trabajo para espectadores inteligentes y no simples butacas que pasan el tiempo. Viendo esta película la mente no para de pensar, de urdir, de imaginar, de desear. El cerebro se activa con dos de los sentidos humanos: la vista y el oído.
La animación se basa fundamentalmente en el dibujo y no en la técnica del diseño informático, lo cual da a esta película un valor de obra maestra. Descubrir que lo importante es lo que tu hagas por los demás sin detenerte ni esperar que los demás lo hagan por ti a través de unos dibujos ya es difícil.
Si algún profesor de lengua tiene interés de realizar una actividad con sus alumnos utilizando esta película, le aconsejo las indicaciones de Virginia Melendo.

15 marzo 2009

ATRACO A LAS TRES


DIRECTOR: José María Forqué
GUIÓN: Pedro Masó, Vicente Coello, Rafael J. Salvia
MÚSICA: Adolfo Waitzman
FOTOGRAFÍA: Alejandro Ulloa
REPARTO: José Luis López Vázquez, Cassen, Gracita Morales, Manuel Alexandre, Alfredo Landa, Katia Loritz, Manuel Díaz González, Agustín González, José Orjas, Lola Gaos, Rafaela Aparicio
ESPAÑA, 1962, 92 min.
SINOPSIS: Un grupo de trabajadores de un banco se proponen realizar un atraco en la sucursal donde trabajan y en el momento que haya más dinero.
OPINIÓN: Esta es una película que se debe ver para conocer el cine español que se hace en los años 60. El régimen franquista no permite mucha crítica social y hay que ser muy listo para colarle a la censura un buen guión. En este caso Masó no es nada listo y por eso tenemos un guión de lo más ramplón que se puede escribir. Un poco más de riesgo y se podría haber llegado al absurdo y desde ahí darle al espectador la oportunidad de imaginar como se vivía en España siguiendo las peripecias de unos empleados de banca. El director, José Mª Forqué, sabe hacer las cosas bien y en este caso las hace para atraer al gran público y hacer taquilla. La productora no es tonta y conociendo el guión y el director contrata a unos actores. Ahí está el acierto, los actores de esta película , todos y cada uno de ellos, dan una lección magistral de cómo se interpreta comedia en el cine. Si la vuelvo a ver será para seguir cada uno de los movimientos de esos actores que en un erial de ideas supieron engrandecer el cine español.Marzo es el mes número “tres” del año.

08 marzo 2009

PERSÉPOLIS

DIRECTOR: Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud
GUIÓN: Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud (Cómic: Marjane Satrapi)
MÚSICA: Olivier Bernet
FOTOGRAFÍA: Animation (B&W)
FRANCIA, 2007, 95 min.
SINOPSIS: Narra la historia de una niña iraní que observa el fundamentalismo islámico desde que estalla en su país hasta nuestros días. En el principio de esa revolución fundamentalista la protagonista todavía tiene tiempo de conocer la libertad de los paises democráticos. Cuando llega a la adolescencia sus padres la envían a Europa, donde podrá conocer otras culturas.
OPINIÓN: Con toda la originalidad y el arte del cómic se ha construido una película sobre un soberbio guión que de haberse interpretado por personas podría haber sido algo melodramático. Aquí, el dibujo en blanco y negro le da mucha fuerza a la historia que en sí misma está en blanco y negro, pues es blanca en cuanto a unos personajes que quieren vivir y lo hacen con alegría frente a lo negro de la realidad que les acompaña en su país y allá donde vayan. Que bien trazado está el dibujo de la protagonista que puede expresar todo lo que vive y siente hasta el punto que el espectador llega a olvidarse en algunos momentos de que quien le transmite esos sentimientos no es más que un dibujo.

01 marzo 2009

DOS HOMBRES Y UN DESTINO

Butch Cassidy and the Sundance Kid
DIRECTOR: George Roy Hill
GUIÓN: William Goldman
MÚSICA: Burt Bacharach
FOTOGRAFÍA; Conrad Hall
REPARTO: Robert Redford, Paul Newman, Katharine Ross, Strother Martin, Jeff Corey, Henry Jones, Cloris Leachman, Ted Cassidy, Kenneth Mars
USA, 1969, 112 min.
SINOPSIS: Butch Cassidy, Sundance Kid y una guapa maestra llamada Etta Place formen un trío de románticos forajidos que, robando por oficio y divirtiéndose con el riesgo, tienen siempre a la ley pisándoles los talones, lo que provoca que salgan de Estados Unidos viajando hasta Bolivia.
OPINIÓN: Revisar antiguas películas que en su momento nos han gustado produce a veces decepciones. Pero no es este el caso, porque un guión bien estructurado y dos grandes actores en pantalla con una magnífica, archiconocida y pegadiza banda sonora, siempre gustan. Hoy ya hemos visto todo tipo de western, pero cuando se estrenó la película era una novedad presentar a dos forajidos de modo que cayeran simpáticos al público y de tal modo que el espectador llega a ponerse en contra del orden establecido. En realidad la película es un road-movie, sin coches pero con caballos, sin carreteras pero con senderos, ríos y montañas. Destacaría la secuencia en plan videoclip con la bicicleta y la canción de Bacharach, "Raindrops Keep Falling on my Head” como fondo.
P.D. Siguiendo las doce uvas para 2009 de Father-Caprio, valga esta película por enero (UN destino) y febrero (DOS hombres).

13 febrero 2009

LA CLASE

Entre les murs
DIRECTOR: Laurent Cantet
GUIÓN: François Bégaudeau, Robin Campillo, Laurent Cantet (Libro: François Bégaudeau)
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Pierre Milon
REPARTO: François Bégaudeau, Nassim Amrabt, Laura Baquela, Cherif Bounaïdja Rachedi, Juliette Demaille
FRANCIA, 2008, 128 min.
SINOPSIS: François es un joven profesor de lengua en un instituto difícil. Sus alumnos tienen entre 14 y 15 años y no duda en enfrentarse a ellos en estimulantes batallas verbales. François -autor de la novela en la que se basa la película- y los demás profesores se preparan para enfrentarse a un nuevo curso. Pero las culturas y las actitudes se enfrentan en el aula. Por muy divertidos y estimulantes que sean los adolescentes, sus comportamientos pueden cortar de raíz el entusiasmo de un profesor.
OPINION: Y vuelvo al guión, que basado en una novela, cuenta, no los problemas, si no sólo algunos problemas que se plantean hoy en la enseñanza en los centros con abundancia de alumnos procedentes de diferentes etnias. Faltan otros, entre ellos agresiones al profesor tanto por parte de alumnos como de padres, acoso escolar, drogas, robos y otros que en ese tipo de centros son tan frecuentes como “no tengo ganas de leer”, “me tiene manía” y el tuteo al profesor. De acuerdo que el tema tratado, y como se trata, da mucho que pensar y de que hablar, pero eso fuera de la sala de cine.
Mientras estoy sentado en mi butaca de cine yo lo que veo (es cine) son una serie de planos que pasan rápidos para darme muchos puntos de vista de un aula en sí pequeña, y esa serie de planos están bien hilvanados para que yo vaya entendiendo pequeñas historias que en ese espacio se desarrollan. Hasta aquí, admitámoslo, bien.
¿Pero que pasa con esa cámara que se mueve de manera compulsiva nada más empezar la clase? Parece que está llevada a mano, amateur, documental. Pero no, está perfectamente colocada sobre sus mecanismos y angulada según una iluminación global que para nada corresponde a un documental. Los movimientos son caóticos en las reuniones de profesores, como el ojo alguien que mira rápidamente a distintas partes. Pero el ojo no trabaja así. El ojo tiene una especie de estabilizador de imagen y un sistema nervioso de relación de imágenes que aunque vayamos corriendo no vemos las cosas a saltos, y si estamos en una reunión y pasamos la mirada de un punto a otro no vemos una imagen borrosa entre ambos puntos. En definitiva, la cámara en mano necesita llevarse con cuidado y después en el montaje corregir los errores.
Y en el cine, en la historia del cine, han existido grandes intérpretes (no hace falta que cite a nadie). ¿Por qué tengo que aceptar como buena interpretación la de unos intérpretes no profesionales? Lo hacen, interpretan mejor que en una función de colegio, y basta. En definitiva, una buena película no es un buen tema y ya está, es otra cosa.

01 febrero 2009

ARREBATO



DIRECTOR: Iván Zulueta
GUIÓN: Iván Zulueta
MÚSICA: Grupo Negativo
FOTOGRAFÍA: Ángel Luis Fernández
REPARTO: Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Marta Fernández-Muro, Carmen Giralt, Will More, Luis Ciges, Antonio Gasset
ESPAÑA, 1979, 110min.
SINOPSIS: José Sirgado, director de cine de treinta y pocos años ha terminado su segunda película y se siente profundamente insatisfecho. Tal vez sea que sus relaciones con el cine no tengan nada que ver con lo que él había imaginado. Tal vez la heroína ha dejado una huella más profunda de lo previsto. Al volver a casa un misterioso paquete parece acudir en su ayuda. Lo envía Pedro, un adulto-infante al que José apenas prestó atención en su día, pero que ahora resurge como la única respuesta posible al angustioso SOS de José. La extraña trayectoria vital de Pedro, reflejada en la película y la grabación que integra el paquete, arrastrarán a José a un punto límite.
OPINIÓN: En mi opinión es la película española que más se ha arriesgado en el llamado séptimo arte. Toda ella es un compendio de experimentación que pretende hacer cine del cine. Su mismo título nos avisa de ese arrebato que se producirá si llegas al final de la cinta. Antes de continuar hablando de la película me gustaría avisar que es sólo para aquellos que nos gusta el cine como manifestación artística total y no solo como un entretenimiento.
La primera vez que la vi me dejo atrapado y dispuesto a verla otra vez. Pero es que después, cada vez que la veo me engancha de tal modo, como una droga, que al terminar quiero verla inmediatamente otra vez. Por disciplina dejo pasar el tiempo y cada vez que la reviso es lo mismo, me arrebata.
Que nadie espere una disertación magistral sobre el cine, las drogas, la marginación o algunos de los temas que aquí se tocan. No es eso, es una sucesión de imágenes en movimiento (definición de cine) que produce en mi la misma sensación que tengo ante un cuadro del Greco o al escuchar una sinfonía de Mahler o cuando veo la arquitectura de Calatrava en la Ciutat de les Arts i de les Ciències.
Ya se, no estoy haciendo un análisis científico y objetivo de la película pero es que no puedo. “El cine me quiere” y ante esta manifestación de amor solo cabe la entrega total.

26 enero 2009

MY BLUEBERRY NIGHTS

DIRECTOR: Wong Kar-Wai
GUIÓN: Wong Kar-Wai, Lawrence Block (Historia: Wong Kar-Wai)
MÚSICA: Ry Cooder
FOTOGRAFÍA: Darius Khondji
REPARTO: Norah Jones, Jude Law, Natalie Portman, Rachel Weisz, David Strathairn, Hector A. Leguillow, Frankie Faison, Chad R. Davis
HONG KONG, 2007, 90 min.
SINOPSIS: Una joven (Norah Jones) tras sufrir un desengaño amoroso comienza una busqueda de sí misma y del amor verdadero. En el camino, enmarcada entre el mágico paisaje urbano de Nueva York y las espectaculares vistas de la legendaria Ruta 66, la joven se encontrará con una serie de enigmáticos personajes en los cuales ella descubrira lo que busca.
CRÍTICA: Yo opino que es una interesante propuesta para plantear el cine desde una novedad de imagen que sin ser de ruptura, ofrece novedades en la iluminación, los enfoques y el movimiento mismo. Aquí radica todo el trabajo, un buen trabajo, del director que está más pendiente de estos elementos y de la música que de la interpretación de los actores. En todo caso, dispone de un buen elenco que fácilmente se deja dirigir.
Como el argumento es muy simple y el guión más simple todavía, si tenéis interés en verla, debéis sentaros en vuestra butaca o sillón preferido, relajados. Si lleváis gafas os aconsejo limpiarlas bien porque algunas luces os pueden parecer extrañas y dejaos llevar por las imágenes, quiero decir, disfrutar de la fotografía que además va acompañada de buena música que os sonará más de una vez.
Los personajes no están planteados en toda su profundidad, ni creo que el director lo pretenda, ya que la película es una sucesión de tres sketchs incluidos en la historia de amor base del argumento, y no hay tiempo para conocer bien a cada uno.
Destacaría una frase que pronuncia la protagonista (Norah Jones) cuando definitivamente descubre que ha perdido el amor de su novio: “¿Cómo te despides de alguien sin el cual no puedes vivir?”

22 enero 2009

CANTANDO BAJO LA LLUVIA

SINGIN' IN THE RAIN
DIRECTOR: Stanley Donen, Gene Kelly
GUIÓN: Betty Comden, Adolph Green
MÚSICA: Nacio Herb Brown, Arthur Freed
FOTOGRAFÍA: Harold Rosson & John Alton
REPARTO: Gene Kelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell, Cyd Charisse, Rita Moreno, Douglas Fowley
USA, 1952, 102 min
SINOPSIS: Antes de conocer a la aspirante a actriz Cathy Seldon (Debbie Reynolds), el ídolo del cine mudo Don Lockwood (Gene Kelly) pensaba que lo tenía todo; fama, fortuna y éxito. Pero, tras conocerla, se da cuenta de que ella es lo que realmente faltaba en su vida. Con el nacimiento del cine sonoro, Don quiere filmar los musicales con Kathy, pero entre ambos se interpone la reina del cine mudo Lina Lamont (Jean Hagen).
CRÍTICA: Si los años 40 fueron para el cine americano una época dorada fue gracias a esta película, entre otras, como “Ciudadano Kane” (1941) o “El tesoro de Sierra Madre” (1948). La película no es considerada por todos los críticos de manera igual. Es más, algunos la desprecian y en la España de los años 60 y 70, la España de los cineclubs, esta película era considerada un melodrama para porteras (las de entonces) sin ningún valor cinematográfico. Pero el público en general ya la había convertido en mito y mas de cuatro progres la seguían por los cines de reestreno.
En su origen la misma película sigue el camino menos indicado para ser un éxito. Se basa en una obra de teatro que no se estrenó. El guión no está terminado cuando empieza el rodaje. El director y los actores no son los que en principio han sido considerados. Pensada como una película de propaganda en tiempo de guerra, se convierte en uno de los melodramas cumbre de la historia del cine. Posiblemente, cuando las mentes preclaras de la productora estaban buscando un éxito ni siquiera sabían que una simple canción llevaría esa película al éxito por todos los tiempos.
Dentro de los musicales clásicos y de siempre esta película es referencial.
Si nos fijamos en el argumento, se trata de pasar desde el cine mudo al cine sonoro, con lo que nosotros podremos comparar como se hacían antes las películas y como se hacían después, incluido hasta el doblaje de actores. Podemos fijarnos en la interpretación de los actores para las películas mudas y como cambia para el sonoro. Si en un principio importa el gesto después la interpretación se hace más complicada o podríamos decir más completa.La película puede servirnos también para entender como han evolucionado las técnicas de grabación de una película pues aunque en la película solo vemos el paso al sonoro, nosotros podemos pensar en toda la evolución que se ha producido hasta nuestros días.

08 enero 2009

UNA FAMILIA CON CLASE

EASY VIRTUE
DIRECTOR: Stephan Elliott
GUIÓN: Stephan Elliott, Sheridan Jobbins (Obra: Noel Coward)
MÚSICA: Marius De Vries
FOTOGRAFÍA Martin Kenzie
REPARTO: Jessica Biel, Colin Firth, Kristin Scott Thomas, Ben Barnes, Kimberley Nixon, Katherine Parkinson, Charlotte Riley, Jim McManus, Kris Marshall, Christian Brassington, Pip Torrens, Georgie Glen, Laurence Richardson
GB, 2008, 97min.
SINOPSIS: Un joven inglés de buena familia que se enamora perdidamente de una americana sexy y superficial, con la que se casa impulsivamente. Cuando la pareja regresa a Inglaterra para instalarse en casa del joven, la madre de éste la toma instantáneamente con su joven nuera. Se establece una continua batalla entre las dos por mantener su posición.
CRÍTICA: En mi opinión una película con tango tiene el 50% del éxito asegurado. Si además le añadimos unos magníficos diálogos, propios de un gran dramaturgo como era Noel Coward, alcanzamos el 75% del éxito. Algún puntito más por una estupenda banda sonora que a veces destaca demasiado. Y one point por la interpretación de Colin Firth como padre de la familia. El resto se deja ver como corresponde a una buena obra de teatro bien pasada al cine y bien ambientada en los paisajes y en los decorados de la casa. Como negativo que nunca haría de esta película una de mis 100 favoritas. ¿Qué cuales son esas 100 favoritas? Por favor no me atosiguéis. Ahora se trata de hablar de esta agradable comedia. Decía que como negativo tenemos una cámara que para contrarrestar la densidad de los diálogos se mueve demasiado y busca ángulos imposibles, especialmente en las habitaciones. Esos maravillosos diálogos llenos de ironía hubieran estado mejor en otros intérpretes más habituados al cine o quizás con otro director. Ya se que Kristin Scott Thomas es una gran actriz, díganmelo a mi que tengo “El paciente inglés” como obra maestra o casi, pero aquí adolece de falta de sentido del humor para interpretar a esa mamá manipuladora. En definitiva, se pasa un rato muy agradable y uno se queda tan contento de coincidir con esa imagen de la hipocresía inglesa.