JOHN FORD - EL JUEZ PRIEST

“La primera cosa que aprendí de la política fue cuándo hay que decir no” Frase del juez Priest, interpretado por Will Rogers, un actor muy popular en los 30 y considerado un candidato a la presidencia de los Estados Unidos. En 1935 murió a consecuencia de un accidente aéreo.

En esta película ya nos encontramos con un Ford maduro cinematográficamente para conseguir una mezcla de comedia y drama sobre la sociedad americana, manteniendo viva la tradición mientras reconoce la necesidad de un cambio en la sociedad. Es la lucha contra la intolerancia, y en este caso contra la intolerancia racista, la base del drama de la película. Y para ello utiliza un tratamiento casi cómico del personaje principal, que además servirá para demostrar su gran humanidad, consiguiendo además manifestar una gran seriedad como jurista que siente “añoranza por el espíritu de la ley y no por lo que dice” El porche, como elemento casi imprescindible en las relaciones humanas de las películas de John Ford, tiene aquí su mas claro ejemplo. Es una película que ha resistido bastante bien el paso del tiempo y que resulta imprescindible para conocer la trayectoria cinematográfica del director.

JOHN FORD - LEGADO TRÁGICO

Veía que era un muchacho que estaba luchando por conseguir algo, no como la mayoría, que solo estaban allí para ganar dinero fácil. El “Duque” era realmente ambicioso y estaba dispuesto a trabajar. Al cabo de un mes o seis semanas ya éramos amigos, y yo solía darle consejos y ofrecerle algún pequeño papel de vez en cuando. (Declaraciones de John Ford sobre John Wayne)

Ford utiliza una historia melodramática ambientada en el país del que emigraron sus padres para hacer uso de un expresionismo que por esos años hace furor en Hollywood debido a la gran afluencia de directores alemanes que llegan a la meca del cine y al éxito que obtienen con sus películas. Es el caso de Murnau y su “Amanecer” de la que Ford dijo que era la mejor película que había visto. La fotografía es de George Schneiderman y eso le da un aliciente añadido a la visión de esta película que por otra parte solo ofrece un hito más en el progreso de la filmografía de Ford. Aquí se pueden encontrar ciertos momentos característicos del director ya vistos en alguna película anterior y que después se repetirán y desarrollarán en películas posteriores: como un personaje queda al margen de la felicidad que ha provocado. En un viaje que Ford hizo con su mujer por Europa llegó hasta la tierra natal de sus padres, Irlanda, y allí filmó varios planos de una carrera de caballos que utiliza en esta película. Eso, más la ambientación de la historia en Irlanda, puede ser también algo que aumente el interés por la visión de este enrevesado melodrama, donde los personajes no acaban de estar definidos. Y es una lástima porque aquí cuenta con cuatro actores muy buenos. Como curiosidad, es la primera película en la que John Wayne, un apuesto joven de veintiún años, trabaja para John Ford interviniendo en dos escenas: como un hombre que va a ser ahorcado y como espectador entusiasmado que derriba una valla en la carrera de caballos. Realmente el trabajo de John Wayne era como encargado de atrezo en los estudios donde rodaba Ford. Se inicia aquí una extraña y larga amistad entre el director y el actor, y que ha sido interpretada de muy diferentes maneras por los estudiosos de John Ford o de John Wayne.

JOHN FORD - CUATRO HIJOS

Después de ver los copiones de “Amanecer”, Ford ha declarado que cree que es la mejor película jamás filmada. Ford afirmó que duda que se haga una película mejor que esa en los próximos diez años (De una entrevista concedida por Ford a “Moving Picture World”)

El expresionismo alemán triunfó en Hollywood durante esta década de los años 20 y la Fox, la productora para quien trabajaba Ford, hizo todo lo posible para explotar el éxito que había conseguido con “Amanecer” de F. W. Murnau, pagándole a Ford y su esposa un viaje de dos meses por Alemania y Europa. Ford realiza con esta película un homenaje al cineasta alemán que no deja de ser una imitación del cine de Murnau. De hecho, los exteriores correspondientes a un pueblo alemán utilizados por Murnau para “Amanecer” son reutilizados por Ford para su película “Cuatro hijos” que está ambientada en su mayor parte en Alemania. Ford cuenta para esta película con su asiduo director de fotografía, George Schneiderman, que habiendo entendido la idea del director realiza un magnífico trabajo utilizando las luces y las sombras, al más puro estilo expresionista, y se arriesga, con el director, en complejos movimientos de cámara de los que tenemos buena muestra al principio del film, consiguiendo un derroche visual que supera a menudo la sencillez emocional de la historia. La interpretación de Margaret Mann como la madre es muy buena y supera en esos momentos el amaneramiento al que estaban sometidos los actores y las actrices para transmitir sentimientos en el cine mudo.



AKIRA KUROSAWA - MADADAYO

Para ser la última película que rodó Kurosawa me he quedado algo decepcionado, quiero decir, esperaba un tour de force para ofrecer al espectador no solo maestría en la técnica cinematográfica, sino un espectáculo visual como él sabía filmar. El caso es que el tema me gustó mucho, no en vano me toca de cerca, pero al mismo tiempo se aleja de lo que yo pueda sentir cuando se trata del carácter japonés que además se manifiesta en una forma de humor difícil de entender para los occidentales. Las interpretaciones: fabulosas, como siempre. Yo destacaría la interpretación de Kyôko Kagawa, como mujer del profesor. Su actitud, siempre en segundo término, pero fiel y dispuesta a ayudar en todo, lo refleja la actriz en unos movimientos de cuerpo suaves y delicados, pero seguros, y una expresión en la cara de saber lo que tiene que hacer con su personaje. Observa a cada uno de los actores masculinos cuidadosamente y reacciona de manera que no sobresale pero dejando su huella en la escena. La colocación de los personajes en el decorado y su integración con un fondo acorde, en este caso repleto de libros, es sin duda la marca de Kurosawa, pero donde deja su especial firma es en como expresa el paso del tiempo mientras el profesor y su mujer viven en una humilde choza después de los bombardeos.



AKIRA KUROSAWA - RAPSODIA EN AGOSTO

Kurosawa trata en esta película un tema que podría considerarse auténticamente japonés: el recuerdo de la explosión de la bomba atómica sobre Nagasaki. Pero el tratamiento no es en absoluto rencoroso hacia los estadounidenses que lanzaron dicha bomba el 9 de agosto de 1945, sino que utiliza el tema como recordatorio antibelicista. Para ello utiliza como personaje protagonista a una anciana que perdió a su marido en dicha explosión y tiene un sobrino americano (Richard Gere), hijo de un hermano que se casó con una americana. Los hijos de la anciana están deseosos de vivir como el primo americano, y de alguna manera se humillan ante él, pero los nietos no acaban de entender lo que ocurre, o al menos hablan de lo ocurrido con pena pero sin rencor. Richard Gere, como americano con ascendencia japonesa está muy bien, aunque es un papelito muy corto, pero se nota que ha puesto mucho interés en su interpretación, sabiendo con quien está trabajando. Quizás lo mejor de la película sea la interpretación de la abuela, capaz de manifestar su dolor por la muerte de su marido y de tanta gente, y al mismo tiempo un enorme cariño por todos los que siguen viviendo. La abuela no le echa la culpa a los americanos, sino a la guerra en sí misma. La película está tratada de una forma algo tendenciosa por parte de Kurosawa, pues haciendo tantas veces referencia al bombardeo nuclear por parte de los norteamericanos, en ningún momento hace referencia a su intervención en Pearl Harbour. En cuanto al aspecto formal de la película hay que destacar el gran cambio que se produce después de mover grandes masas en batallas para pasar a un reducido grupo de personajes que apenas se mueven en el encuadre. Realmente se llega al final de la película como esperando algo más, pero aún así me parece muy interesante su visión para entender de una forma global el trabajo de este director.



NICHOLAS RAY - NACIDA PARA EL MAL

Born to Be Bad
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Edith R. Sommer, Robert Soderberg, George Oppenheimer (Novela: Anne Parrish)
MÚSICA: Frederick Hollander
FOTOGRAFÍA: Nicholas Musuraca (B&W)
REPARTO: Joan Fontaine, Robert Ryan, Zachary Scott, Joan Leslie, Mel Ferrer, Harold Vermilyea, Virginia Farmer, Kathleen Howard
USA, 1950, 94 min.
SINOPSIS: Christabel llega a casa de su prima para con la aureola del que no ha roto un plato. Inmediatamente se interpone en las relaciones de su prima y hará todo lo que pueda para conseguir sus objetivos. En esta situación nace el amor entre Christabel y un novelista.
OPINIÓN:
Sólo en el arranque de la película ya podemos comprender que se trata de una obra en la que el director no tiene puestas muchas ilusiones. Sobreimprimir los títulos sobre una tela de seda es una vulgaridad aunque procure que esa tela tenga unos pliegues. ¡Faltaría más! ¡Qué le estaría pasando al director! Y a partir de ahí toda una serie de sonrisas y expresiones insulsas de Joan Fontaine que uno no acaba de creerse, ni siquiera en el propio personaje. Creo que Nicholas Ray se equivocó en la elección de la actriz principal. No así al elegir a Robert Ryan que configura perfectamente su papel, muy especialmente cuando tiene que abrazar a una mujer. La historia es un melodrama increible de novelita rosa en el que seguramente el Comite de Actividades Antiamericanas estuvo totalmente de acuerdo. Dentro del ciclo del cine de Nicholas Ray es necesario verla para comprender que tambien se hacía cine para comer y por encargo y muchas de sus escenas nos pueden servir comparando con otras anteriores y comprobar que se pueden hacer mucho mejor aunque resulten menos folletinescas para la venta. Necesaria si quieres conocer a Nicholas Ray, prescindible si buscas una buena película.

NICHOLAS RAY - UN SECRETO DE MUJER

A Woman's Secret
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Herman J. Mankiewicz (Novela: Vicki Baum)
MÚSICA: Frederick Hollander
FOTOGRAFÍA: George E. Diskant (B&W)
REPARTO: Maureen O'Hara, Melvyn Douglas, Gloria Grahame, Bill Williams, Victor Jory, Jay C. Flippen
USA, 1949, 85 min.
SINOPSIS: Marion, una actriz y cantante retirada ya de la vida profesional por haber perdido la voz, intenta formar y promocionar a Susan, una joven artista cuyo nombre artístico es Estrellita, que posee buenas cualidades pero carece de carácter. En una discusión entre ambas Susan cae herida por un disparo.
OPINIÓN: La película es un auténtico folletín basado en una novela de Vicki Baum, autora de moda y de “Gran Hotel, también llevada a la pantalla. El guión es de Herman J. Mankiewicz, guionista de “Ciudadano Kane”, y eso hace que el folletín tenga mayor interés. Así mismo la interpretación de los actores es muy correcta y yo destacaría la interpretación de las dos protagonistas, y sobre todo la interpretación de Gloria Graham que con su arqueamiento de cejas le da una gran intensidad a su personaje. En este momento la actriz está casada con Nicholas Ray y eso se tiene que notar en los cuidadísimos planos que le hace. La película contiene cierta intriga que se mantiene hasta el final pues está contada en sucesivos flashbacks perfectamente hilvanados por secuencias de la realidad, donde el inspector y su mujer constituyen un perfecto y divertido nexo. No es una obra maestra pero si demuestra lo que un buen director es capaz de hacer para interesar a los espectadores. Hay que verla sin prejuicios.