AMAZING GRACE

DIRECTOR: Michael Apted
GUIÓN: Steven Knight
MÚSICA: David Arnold
FOTOGRAFÍA: Remi Adefarasin
REPARTO: Ioan Gruffudd, Albert Finney, Michael Gambon, Romola Garai, Benedict Cumberbatch, Rufus Sewell, Ciaran Hinds, Youssou N'Dour, Toby Jones
G.B., 2006, 111min.

SINOPSIS: Basada en la vida del británico William Wilberforce que desde su puesto e influencia como parlamentario luchó por abolir la esclavitud en Inglaterra.

CRÍTICA: Quiero agradecer a una serie de amigos blogueros que pueda ver buen cine, que por una razón u otra, se me escapó en la gran pantalla. Hoy le toca a Un mundo de cine que abrió mi interés en un documentadísimo post (como todos los suyos) sobre esta película. Si alguien se decide a verla, le recomiendo que vea antes el post de ese blog y no se preocupe por si revela algo del contenido de la película porque le va a interesar igualmente.
No tiene una planificación espectacular. Su música no es envolvente sino intimista.
El discurso es muy denso pero acompañado de una magnífica interpretación de todos los actores. Buena fotografía perfectamente iluminada tanto en exteriores como en interiores. Una realización perfecta que no hará de esta película una obra maestra, pero si conseguirá calar en el espíritu de todos los que la vean.Por mi parte he tenido un problema porque no dominó el inglés: el diálogo denso hace que te concentres en los subtítulos y en el primer visionado puedes perderte el hilo de las imágenes. De todas formas creo que hay que verla en su versión original subtitulada.

FELIZ NAVIDAD

Joyeux Noël

DIRECTOR: Christian Carion
GUIÓN: Christian Carion
MÚSICA: Philippe Rombi
FOTOGRAFÍA: Walther van den Ende
REPARTO: Diane Kruger, Benno Fürmann, Daniel Brühl, Guillaume Canet, Gary Lewis, Dany Boon, Rolando Villazón, Alex Ferns, Lucas Belvaux, Steven Robertson, Frank Witter, Bernard Le Coq, Ian Richardson, Thomas Schmauser

FRANCIA, 2005, 115 min.
SINOPSIS: Está basada en un hecho real ocurrido durante una Navidad de la Primera Guerra Mundial cuando los soldados alemanes, franceses y escoceses superando sus diferencias se ponen a jugar al fútbol.

CRÍTICA: Esta es una película del tipo que no buscamos en estas fechas, pues basada en un hecho real de la Primera Guerra Mundial. Seguro que si vamos al cine buscaremos algo entretenido, con lo que llamamos “espíritu navideño”. Esta película, si tiene algo, es ese espíritu navideño, pero el real, el que debería ser y no las ñoñerías que nos quieren hacer felices y en realidad nos engañan. Quizás un poco menos de duración hubiera sido mejor para quedarnos con lo que se pretende. Muy buena música que subraya todo el “espíritu” de la película.

Candidata al Oscar 2005 a la mejor película de habla no inglesa.

Y SIRVA EL CARTEL PARA DESEAROS FELIZ NAVIDAD A TODOS LOS QUE PASÁIS POR ESTE BLOG.

EL GRECO

DIRECTOR: Yannis Smaragdis
GUIÓN: Jackie Pavlenko (Libro: Dimitris Siatopoulos)
MÚSICA: Vangelis
FOTOGRAFÍA: Aris Stavrou
REPARTO: Nick Ashdon, Juan Diego Botto, Laia Marull, Lakis Lazopoulos, Roger Coma
Grecia, 2007, 119 min.

SINOPSIS: Tras huir de la ocupación veneciana de Creta, el pintor Domenicos Theotocopoulos llega a Venecia y comienza a trabajar en el estudio de Tiziano. Allí es descubierto por el Niño de Guevara, un sacerdote español con el que mantiene una extraña relación. Años después, el pintor se traslada a Madrid y se enamora de la hija de un noble militar, con la que tiene un hijo. La pareja se establece en Toledo donde triunfa como artista. El profundo rechazo que el artista siente por la Inquisición pronto le llevará a enfrentarse abiertamente con el Gran Inquisidor.

CRÍTICA: La presunta vida del Greco contada en un flashback a partir de su muerte de este pintor. He dicho “contada” y tomen esto literalmente, pues es una voz en off la que va narrando lo que el director no ha sabido narrar con imágenes. El guión no es exactamente una biografía sino que pretende hacer una introspección en el sentir del pintor y con eso, lo que podría haber sido una película sobre El Greco, se convierte en una película para decirnos lo que pensaba El Greco. Pero es la voz en off la que dice, no las imágenes, por lo tanto un tostonazo.
La película habrá costado un dinero y si hubiera sido un buen director con ese mismo dinero podría haber realizado algo interesante. Pero se necesita un artista para contar la vida de un artista y está claro que este director no lo es.
En cuanto al guión, ni existe y para lo poco que hay uno se ríe, en particular en la referencia a Cervantes.Eso si, la Inquisición sigue siendo tan mala como siempre y hasta la película se atreve a insinuar (a mi me lo parece) la homosexualidad del Gran Inquisidor. Pero no se preocupen porque no les revelo nada, ya que está tan mal contado que igual el inquisidor buscaba un amigo, un hermano o al mismo Dios Creador. Mala con avaricia.

EL BUSCAVIDAS

The Hustler
DIRECTOR Robert Rossen
GUIÓN Robert Rossen & Sidney Carroll (Novela: Walter Tevis)
MÚSICA Kenyon Hopkins
FOTOGRAFÍA Eugene Shuftan (B&W)

REPARTO Paul Newman, Jackie Gleason, George C. Scott, Piper Laurie, Myron McCormick, Murray Hamilton, Vincent Gardenia, Michael Constantine

USA, 1961, 135 min.

SINOPSIS: Un granuja que se gana la vida desplumando a los incautos que le retan en la mesa del billar buscará ganar la partida de su vida frente al mejor jugador.

CRÍTICA: La secuencia de arranque, como un prologo antes de los títulos, nos introduce en ese submundo de las apuestas y las mafias del juego. Y en esa secuencia se engañará al espectador durante unos minutos porque consideraremos a Eddie como un personaje que por casualidad juega una partida de billar. Después de este engaño, el espectador entra en el personaje y quiere saber más de él. Descubrimos a continuación que su meta es desafiar al "Gordo de Minnesota", considerado el mejor jugador de billar y que no ha perdido una partida en los últimos diez años. El enfrentamiento de ambos constituye la primera parte de la película y la partida nos servirá para conocer a fondo a Eddie. La secuencia de la partida es una auténtica muestra magistral de hacer cine. Cada plano, el montaje, la iluminación, el sonido, especialmente el choque de las bolas, la vestimenta de los que allí se encuentran y en especial del "Gordo de Minnesota"; y la interpretación de ambos contrincantes, hace que ese enfrentamiento sobre la mesa se convierta en un enfrentamiento de formas de ser. Lo que allí ocurre nos marcará el mundo en el que se desarrolla la película, el juego, el alcohol y el dinero. A partir de aquí la película discurre como el seguimiento de Eddie y nos encontraremos en distintas situaciones que están resueltas, cada una de ellas, como modelos de hacer cine.
Cada uno de los elementos formales de esta película tiene el tiempo y la intensidad necesaria para que el espectador, como el lector de una gran obra literaria, penetre en la historia y en el sentir de los personajes. Es decir, la narración fílmica en esta película alcanza la cota de obra maestra. El encadenado de secuencias extraordinariamente planificadas para durar lo justo y la relación entre estas secuencias son un claro ejemplo de narración cinematográfica.
Eddie “Relámpago” Nelson, un granuja y un perdedor, se convierte en un personaje memorable del cine gracias a la interpretación de Paul Newman. Así mismo personajes que son secundarios, como el Gordo de Minnesota o Sarah, consiguen un máximo nivel de interpretación gracias a Jackie Gleason o Piper Laurie. Hay que hacer notar que habiendo grandes interpretaciones en esta película no se le dio ningún oscar por estos conceptos.
La banda sonora es de Kenyon Hopkins que utiliza un ritmo de jazz ideal para la película, por los espacios en los que se desarrolla y por los sentimientos de los personajes.
La fotografía en blanco y negro de Eugene Schufftan que maneja a la perfección las luces y las sombras define perfectamente a los personajes y al ambiente sombrío de los garitos donde redesarrolla la mayor parte de la acción. Se le concedió un merecidísimo Oscar. El otro Oscar lo consiguió la dirección artística.
Al final, con esta película, ocurre lo mismo que con el postre favorito, quieres repetir.

BELLA

DIRECTOR: Alejandro Monteverde
GUIÓN: Alejandro Monteverde, Patrick Million
MÚSICA: Stephan Altman
FOTOGRAFÍA: Andrew Cadelago REPARTO: Eduardo Verastegui, Tammy Blanchard, Manny Perez, Ali Landry

USA, 2006, 91 min.
SINOPSIS: José es un futbolista que pudo haber jugado con el Real Madrid y Nina es una hermosa camarera soltera que acaba de descubrir que está embaraza. Los dos trabajan en un restaurante. A raiz del despido de Nina sus vidas se unirán.

CRÍTICA: Tengo que empezar diciendo que fui a ver esta película guiado solamente por el cartel donde se leían varios premios y la consideración de mejor película del año. Y es después de salir del cine cuando he leído algunas críticas. Y vale, todo depende del color del cristal con que se mira, por lo tanto no hay crítico independiente y menos en el periódico El País.
Pues yo he visto una película sobre la buena gente. Gente que ama la vida y a los que viven con ellos. Gente que quiere ser feliz y hacer felices a los demás. El drama de estas vidas, y es el de esta película, consiste en que algunos hechos de los que quisiéramos no haber cometido nunca, no nos van a dejar ser felices plenamente. Pero el tema es que pueden hacer felices a otros. Bueno vean la película y después me comentarán.
El guión es bueno y sin ser lineal se entiende perfectamente porque el director se ha volcado en sacar un producto bueno. Ha contado además con actores que siendo guapos y simpáticos no pretenden llenar la pantalla con sus caras sino con sus sentimientos. Muy bueno es el plano secuencia en el que la protagonista cuanta sus relaciones con su madre. Y José, guapo actor como podemos ver al principio de la película, no tiene ninguna duda en dejarse una barba que oculta su rostro dejando sólo los ojos para transmitir emociones. Y estos dos actores están arropados por un conjunto de secundarios desconocidos pero muy buenos, los padres, los hermanos, los cocineros, los amigos, todos, consiguen un alegre coro que acompaña al drama que están viviendo los dos protagonistas.
Los movimientos de cámara son los necesarios para no convertirse en protagonista, pero se sabe que está y lo marca en los cambios de secuencia o en los momentos de desdramatización.El espectador estará a favor o en contra del aborto, pero el director ha estado muy a favor de hacer una buena película.

GIULIETTA DE LOS ESPÍRITUS

Giulietta degli spiriti
DIRECTOR: Federico Fellini
GUIÓN: Federico Fellini, Tullio Pinelli, Ennio Flaiano
MÚSICA: Nino Rota
FOTOGRAFÍA: Gianni Di Venanzo

REPARTO: Giulietta Masina, Sandra Milo, Valentina Cortese, Lou Gilbert, Mario Pisu, José Luis de Vilallonga, Caterina Boratto, Frederick Ledebur

ITALIA, 1965, 148 min.

SINOPSIS: Giulietta sospecha que su marido le es infiel y acude a reuniones espiritistas buscando un consejo.

CRÍTICA: Esta película es una de las más representativas de este director y de visión obligada para aquel cinéfilo que quiera conocer a Fellini y su mundo particular. Si en “Fellini, ocho y medio” nos introduce en sus recuerdos, su infancia, su juventud y en su madurez; aquí nos lleva a su particular visión de las mujeres y en concreto a su mujer de siempre: a Giulietta Masina. Pero si todos estos aspectos biográficos ya son interesantes de por sí, la forma de narrar marca un punto importantísimo, no solo en su cinematografía, sino en el cine en general.
El argumento es simple, una mujer descubre que su marido le engaña, pero es en los pensamientos y sueños de esa mujer donde se centra la película y eso le permite a Fellini una plasticidad asombrosa utilizando decorados, vestuarios y colores. En el caso concreto del color es curioso como utiliza el blanco para describir el mundo real de Giulietta y el rojo cuando se trata de los espíritus de la protagonista.
La cámara toma protagonismo, como el psicólogo que ayuda a Giulietta a descubrirse a sí misma, desde el mismo arranque de la película y la va siguiendo, rodeando, mirándola en definitiva muy lentamente, con mucho mimo. A ella responde Giulietta Masina con una soberbia interpretación. Fellini utiliza una gran cantidad de estímulos sensoriales para que el espectador se sitúe en su mundo delirante. No dudará de utilizar una vez más el mundo del circo.
La música de Nino Rota, que tantas veces ha compuesto para este director, va acompañando y en algún momento protagonizando la acción.En definitiva, película de visón obligada. Aunque yo aconsejaría a aquellos que quieran conocer a Fellini que empiecen por una de sus películas del neorrealismo, por ejemplo “La Strada” pasando después al mundo surrealista ce “Ocho y medio” continuando después con “Giulietta…” para terminar en la que es para mi su obra maestra, “Amarcord”.

TODOS LOS NIÑOS INVISIBLES

All the invisible children

DIRECTORES: Mehdi Charef, Emir Kusturica, Spike Lee, Kátia Lund, Jordan Scott, Ridley Scott, Stefano Veneruso, John Woo

GUIONES: Mehdi Charef, Diego De Silva, Stribor Kusturica, Cinqué Lee, Joie Lee, Kátia Lund, Jordan Scott, Stefano Veneruso

MÚSICA: Terence Blanchard, Ramin Djawadi, Hai Lin
FOTOGRAFÍA: Philippe Brelot, Cliff Charles, Toca Seabra, Vittorio Storaro, Gu Chang Wey, Jim Whitaker, Nianping Zeng

REPARTO: Maria Grazia Cucinotta, Wenli Jiang, Francisco Anawake, David Thewlis, Kelly Macdonald

ITALIA, 2005, 116 min.

SINOPSIS: Siete cortometrajes de siete realizadores diferentes que retratan las historias de siete niños anónimos alrededor del mundo. Tanza, un joven de sólo doce años, lucha por la libertad. Uroš está a punto de salir de un reformatorio juvenil. Blanca, una adolescente de Brooklin cuyos padres son drogadictos. Bilu y João sobreviven como "niños de la calle" de São Paulo. Jonathan, un fotógrafo de guera que recuerda su infancia. Ciro y su amigo Bertucciello asaltan a un automovilista para robarle su Rolex. Song Song y Little Cat, dos niñas chinas cuyas vidas se relacionan a través de una muñeca.

CRÍTICA: Hace pocos días que se celebró el día internacional del Niño y yo he visto una semana después esta película por recomendación de El rincón de Prometeo. Espero que muchísima gente en todo el mundo vean y continúen viendo esta película para que cada vez que alguien la vea sea como la celebración del Día Internacional de los Derechos del Niño.
Para hablar sobre la película empezaré diciendo que es la película más triste que he visto en mi vida porque no todos los niños han tenido o tienen, y me temo que no van a tener, derecho a un futuro feliz. Cada uno de los directores realiza su corto con arreglo a su personalidad y en algunos está claro, Spike Lee, John Woo, Kusturica. Pero todos y cada uno toman la mirada de esos niños hacia el entorno que les envuelve como parte fundamental de su relato. Cada ambiente es distinto, Africa y sus guerrillas, Brasil y su pobreza, China, etc. y en cada uno de esos ambientes los niños son iguales, sufren igualmente, son explotados igualmente, son marginados igualmente. No creo que haya una persona a la que no le impacte algunos de estos cortos. Por lo tanto, si no la habéis visto, os la recomiendo encarecidamente.

OLD BOY

Oldeuboi - Oldboy
DIRECTOR Park Chan-wook
GUIÓN Park Chan-wook, Jo-yoon Hwang, Joon-hyung Im (Cómic: Nobuaki Minegishi)
MÚSICA Young-wuk Cho
FOTOGRAFÍA Chung-hoon Chung
REPARTO Min-sik Choi, Ji-tae Yu, Hye-jung Gang, Daaa-su Oh
Corea del Sur, 2003, 120min
SINOPSIS: Un hombre de negocios coreano es secuestrado y confinado en una celda DURANTE 15 AÑOS con una televisión. Al salir de su encierro buscará las razones y las personas que le llevaron a dicho encierro. En su búsqueda encontrará el amor de una muchacha mucho más joven que él.

CRÍTICA: Estas viendo esta película y parece que no te enteras pero quieres ver más porque sabes que te falta algo y llegas al final y te has enterado de una impresionante historia. Pero no es un final de explicación, sino que lo deduces tú, y el director jugará contigo hasta donde no te esperas.
Cuando estas viendo esta película muchas veces te preguntas que les dirías a tus amigos sobre lo que has visto. Y la respuesta es difícil porque toda ella está contada de una nueva forma cinematográfica en todos los aspectos: los planos, las secuencias, las transiciones, las elipsis, los diálogos, la música… todo está filmado y montado como no hemos visto hasta ahora en una película que el espectador puede seguir como el cine clásico. El cine de experimentación es otra cosa y aquí el director parece que realiza a conciencia sabiendo las reacciones que provocará en el público.Si tuviera que poner un pero, que no por mi, sino por otra gente que quiera verla, este pero sería respecto a la violencia en ciertas secuencias y una cierta truculencia en la historia. Si no tienes problemas y te gusta el cine, te animo a que la veas hasta el final y después piensa lo que quieras. Eso si, como en “Psicosis” no le cuentes el final a nadie.

MATA HARI

DIRECTOR: George Fitzmaurice
GUIÓN: Benjamin Glazer, Leo Birinsky
MÚSICA: Franz Schubert
FOTOGRAFÍA William H. Daniels (B&W)
REPARTO Greta Garbo, Ramon Novarro, Lionel Barrymore, C. Henry Gordon, Alec B. Francis, Edmund Breese, Lewis Stone, Karen Morley
USA, 1931, 89min

SINOPSIS: En 1917 vive en París una seductora bailarina que se mueve entre diplomáticos, políticos y militares a los que saca información como espía.

CRÍTICA: Aunque sea por ver a la Garbo y los exóticos modelitos doy por bien empleada la hora y media que dura la película. Hay que situarse en el año 1931, ha terminado la 1ª guerra mundial y el mundo está convulso, como esperando la 2ª. Económicamente las cosas no van bien en la mayoría de los países, así que la gente necesita distraerse y los productores buscan este tipo de guiones para que sean interpretados por actrices y actores que con sólo su nombre atraerán al espectador a las salas de cine. Y visto así, añadiéndole un toque de nostalgia y un poco de historia del cine, se pasa un rato agradable viendo esta película. Si has empezado a verla y has llegado a la mitad sin renunciar, te aconsejo que llegues hasta el final. Es de los que puedes alucinar. Si alguien busca cine del bueno le aconsejo que no pierda el tiempo aquí.

LA BATALLA DE ARGEL

La battaglia di Algeri
DIRECTOR: Gillo Pontecorvo
GUIÓN: Franco Solinas & Gillo Pontecorvo
MÚSICA: Ennio Morricone
FOTOGRAFÍA: Marcello Gatti (B&W)
REPARTO: Jean Martin, Yacef Saadi, Brahim Haggiag, Fusia El Kader, Samia Kerbash
ITALIA, 1965, 120min. 1966 León de Oro en Venecia

SINOPSIS: Argelia es una colonia francesa y durante los años 50 se produce un movimiento terrorista para la independencia del territorio.

CRÍTICA: Ver esta película después de 40 años de su realización y de más de 50 de los hechos que relata, sólo puede hacerse desde el punto de vista cinematográfico y si se quiere hacer una lectura política, habría que ir comparando los hechos relatados con la situación actual en Argelia.
G. Pontecorvo si toma posición a favor del FLN, desde el primer momento, presentando la detención de los cabecillas como consecuencia de torturas. Pero a este director hay que agradecerle que realizara esta película inmediatamente después de la independencia de Argelia. La ambientación, los lugares, la gente, son como eran en el momento de sus luchas y por eso se hace tan verídico lo que cuenta que parece un documental. El movimiento de masas es espectacular y lo que aparentemente es un movimiento caótico, como corresponde a la revolución, está tan bien dirigido que el espectador puede creer que es un reportaje gráfico periodístico.A estacar, así mismo, los primeros planos de la gente que nos van indicando los sufrimientos respectivos: lágrimas, niños, mujeres, rostros, torsos, que recuerdan sin duda “El acorazado Potemkin”. Y las escaleras, donde suben y bajan, donde caen, donde son arrastrados. Escaleras en el interior de las casas, en las calles estrechas o cuando las masas se rebelan, amplias escaleras.

NUEVE CARTAS A BERTA

DIRECTOR: Basilio Martín Patino
GUIÓN: Basilio Martín Patino
MÚSICA: Carmelo Bernaola, Gerardo Gombau
FOTOGRAFÍA: Luis Enrique Torán (B&W)
REPARTO: Emilio Gutiérrez Caba, Elsa Baeza, Montserrat Blanch, Mary Carrillo, Antonio Casas, José María Casaux, Manuel Domínguez Luna, María Elena Flores, Rosa Fúster
España, 1966, 92min.

SINOPSIS: Un estudiante salmantino regresa de un estancia temporal en el extranjero donde se ha encontrado con formas de vivir que en España se desconocen. Y lo más importante, con españoles que viven exiliados. El choque con la realidad de los años 60 producirá en él una serie de reacciones.

CRÍTICA: Desde el final de la Guerra Civil española hasta los 60, todo el cine comercial que se hace en España es “adicto” al régimen y no da muestras de progresismo ni siquiera formalmente, cuando en Francia, Inglaterra, Alemania y hasta Italia están experimentando nuevas formas de contar una historia en una película. Por eso, cuando llega esta película a las pantallas españolas se produce un revuelo entre los aficionados al cine y hasta en los mismos profesionales de este arte que da nuevas esperanzas para un cine que todos clasificaban de forma despectiva como “español”. Atreverse a poner en duda la valía de los exiliados en cada uno de los campos donde desarrollaban sus actividades y desde un ambiente universitario en una ciudad calificada como franquista por excelencia podía tener todas las posibilidades de fracasar. Y no fue así, al menos entre el público que buscaba buenas películas.
Todo este entramado social de la película, por lo tanto político, religioso y económico, es, además, contado con una nueva forma a la que los espectadores no estaban acostumbrados: por capítulos, con abundancia de congelados y una continua voz en off que nos va dando a conocer lo que piensa el protagonista. Si todo ello se cuenta con una fotografía en blanco y negro muy buena, de la que el cine español ha sabido siempre utilizar; podéis imaginaros que estamos ante una película de las que formarán historia del cine.Cinematográficamente hoy día, en el 2008, es muy válida (como para estudiarla). Pero es que la temática que se podría considerar obsoleta, debido al interesante enfoque de los personajes y ambientes, podría considerarse un documental de la época.

MUSICA DE CINE

PepedelMontgo me reta a que haga una selección de música de cine y aquí está el resultado. Ya se que todos conoceis de sobra esta música pero resulta divertido hacer una cosa de estas. Y como dice Pepe, el que quiera que siga la cadena.

SIETE NOVIAS PARA SIETE HERMANOS

Me gusta el cine musical. Hace años, cuando Basilio Martín Patino estaba marcando las tendencias cinematográficas con “Nueve cartas a Berta”, todo tímido escribí a la revista “Fotogramas” diciendo que “Siete novias para siete hermanos” me parecía una estupenda película. La respuesta de Mr. Belvedere, gurú de aquellos tiempos, diciéndome que estaba de acuerdo conmigo me llenó de satisfacción.
Y me gusta el cine musical, hoy lo se, porque puede unir de una forma total (también otros géneros) los distintos elementos del cine. Saber utilizar la música de forma diegética en una película me parece la unión de distintas artes en SEPTIMO ARTE.