AKIRA KUROSAWA - NO AÑORO MI JUVENTUD

Si en las películas anteriores Kurosawa tiene que trabajar de acuerdo a una censura fascista y militar que propugna todo en defensa de la patria, ahora, después de la Segunda Guerra Mundial tiene que ponerse a expensas de los grupos de izquierdas que organizan distintos sindicatos y del Comité de Revisión de Guiones, este en particular dominado por los comunistas. Llegan a ponerle un escritor comunista repatriado para que supervise el guión y le cambia las últimas escenas del final, lo cual es aprovechado por Kurosawa para volcar toda su imaginación y utilizar todo su sentido artístico con tal de llevar a cabo su idea. Esta parte final de la película, no el epílogo, sino cuando va a trabajar al campo, es la que más me gusta.
La planificación es absolutamente considerada y pensada para sacar el efecto psicológico de sus personajes, sobre todo de Yukie, la protagonista, y de la suegra, mientras trabajan en los campos de arroz. Por otra parte los planos de los campesinos y de los niños, y el montaje realizado, recuerdan los clásicos del cine ruso y ya nos van mostrando de lo que será capaz Kurosawa cuando disponga de absoluta libertad y medios para hacer su cine.

Curiosamente la película fue criticada por las izquierdas porque creen ver una defensa del papel tradicional de la mujer en Japón, y fue criticada por los conservadores porque la mujer asume todas las responsabilidades consciente de su libertad, dejando al hombre relegado a un papel secundario, como es el caso del suegro. Vista de una forma o vista de otra, la potencia de las imágenes y el fundamento de las escenas hacen de esta película una obra muy interesante.

AKIRA KUROSAWA - LOS HOMBRES QUE CAMINAN SOBRE LA COLA DEL TIGRE

El núcleo de la película está en los diálogos que se establecen en la misma puerta de la barrera por donde tiene que pasar un grupo de súbditos fieles al señor que acompañan para salvarle de la persecución a la que está sometido. Todos van disfrazado de monjes, menos el señor que va disfrazado de porteador. El dialogo entonces se establece entre el que parece el dirigente del grupo de monjes y el magistrado encargado de custodiar la puerta para que no pase el señor feudal que va huyendo. Casi toda la película, por falta de medios, está rodada en interiores con decorados, pero Akira Kurosawa supera esta dificultad utilizando un magistral montaje de primeros planos y movimientos muy sutiles de cámara que hacen de ese mediometraje de algo menos de una hora, una obra muy interesante y digna de verla varias veces para conocer como se utiliza la imagen para contar una historia. Interesantes son también los hechos que ocurren al tiempo del rodaje y producción de la película. Los japoneses ya saben que han perdido la guerra y están esperando las órdenes de su emperador para un suicidio masivo al que se le llamó La Honorable Muerte de los Cien Millones. De hecho, los pilotos que regresaban del combate, sabiéndose vencidos se suicidaban estrellando sus aviones contra los acantilados. El 15 de Agosto de ese mismo año 1945 habló por primera y única vez el emperador del Japón para que sus súbditos desistieran del suicidio. Kurosawa escucho el discurso en plena producción de la película. Más tarde Akira Kurosawa supo que mientras estaba filmando la película, John Ford, entonces teniente de la marina y ya como vencedor en Japón, visitaba el set de filmación interesado por la forma genial de dirigir que tenía el japonés.

AKIRA KUROSAWA - LA NUEVA LEYENDA DEL GRAN JUDO

Desde el principio está muy claro que la intención de Kurosawa es meramente propagandística y para sacar dinero en taquilla después del éxito de la primera parte, seguramente presionado por la situación del país y por los estudios. Los americanos están ganando la guerra y eso le duele al pueblo japonés y entonces los americanos son presentados aquí como violentos, explotadores y sin ninguna sensibilidad, utilizando el boxeo como deporte especialmente americano que carece de todos los valores que tiene el judo.
La película no ha sido cuidada apenas, por falta de dinero en la producción seguramente, y tiene bastantes defectos de planificación y de montaje. Aún así es necesario verla para ir formándose una idea de lo que Kurosawa hará cuando se sienta libre para expresar sus ideas. Lo mejor sin duda es el tratamiento de planos que le dedica al protagonista, Susumu Fujita, que hace una muy buena interpretación del personaje, ofreciéndonos más matices que en la parte anterior.
Es una pena que el aspecto romántico no se haya tratado más en extensión y en profundidad porque las pocas escenas con la muchacha que está enamorada de él no son suficientes. Sin embargo el director quiere dedicarle más tiempo a las peleas, tanto de entrenamiento como de enfrentamiento con sus oponentes y la verdad es que las realiza muy bien, en especial la última, que si en la primera parte esta filmada en una ladera con hierba, aquí lo hace sobre nieve.

AKIRA KUROSAWA - LA MÁS BELLA

En un momento en que ya se veía que Japón iba a perder la guerra y en un momento de mucha escasez, tanta que para ahorrar película no se ponían títulos de crédito, se le encarga a Kurosawa la que será su segunda película. En principio tenía que ser sobre los aviones japoneses, pero eso iba a resultar muy caro, así que para levantar la moral del pueblo realiza una historia sobre mujeres abnegadas que trabajan para las fuerzas armadas. La película se parece a un documental pero en vez de ser una narración lineal, Kurosawa opta por engarzar varias anécdotas que trascurren en la fábrica, todas ellas se producirán teniendo en cuenta el sacrificio personal por el bien común.

Se rodó la mayor parte en una fábrica real, pero las trabajadoras son todas actrices que se prepararon concienzudamente para dar esa sensación de trabajo y esfuerzo. Kurosawa les hizo vivir a todas juntas en la fábrica mientras duró el rodaje.

La película es pura propaganda bélica y esto hay que entenderlo si consideramos que en Estados Unidos se estaban haciendo el mismo tipo de películas propagandísticas, aunque con más medios, y lo mejores cineastas rusos iniciaron sus trabajos con películas de gran contenido propagandístico.
La planificación de la película es ya de un maestro del cine y muchas de las escenas, y en particular la caída desde el tejado de una de las muchachas, las veremos bien desarrolladas en otras películas del mismo director. De esta, como de todas las películas de este director, se pueden sacar lecciones de cine.

AKIRA KUROSAWA - LA LEYENDA DEL GRAN JUDO

Parece mentira como siendo la primera película de Akira Kurosawa puede ser una obra tan madura en su reflexión y tan bien realizada cinematográficamente. Es cierto que antes de dirigir esta película, Kurosawa fue ayudante de dirección entre otros de Kajiro Yamamoto, y que había ganado varios premios como guionista. Todavía no se había producido la controversia entre cine de prosa y cine de poesía y este director, en su primer trabajo hace una perfecta conjunción de esas dos formas de cine. Como el gran artista que se confirmará más tarde, Kurosawa es capaz de narrar una pelea de judo con todo lo que este deporte tiene para los aficionados es capaz de narrar el encuentro del protagonista con la muchacha de la que se enamora con sucesión de planos en una escalera. Si a través de toda la película vamos viendo el cambio que sufre el protagonista de ser un fuerte pero alocado aprendiz de judo, como vemos en las imágenes de la fiesta del pueblo, a ser un maestro del judo con altísima sensibilidad por el sentir humano como vemos en los planos antes y durante la pelea con el padre de la chica a la que quiere. Pero técnicamente la película nos ofrece elementos muy considerables, destacando para mi el paso del tiempo en unos zuecos que son abandonados por el protagonista cuando se hace alumno de judo y como esos zuecos van sufriendo diversos avatares por las calles, el río, etc. Y hay un punto crucial en la película, la fuerza no es lo importante, sino lo importante es la naturaleza que te da la fuerza, y esto lo expresa Kurosawa utilizando una flor blanca que se abre ante el protagonista. Hay un plano del malo en el que tira las cenizas de su cigarrillo sobre los pétalos blancos de una flor y esa flor la volveremos a ver cuando Sanshiro se enfrente al malo y esto para mi es una perfecta demostración del cine poesía que tanto defenderá más tarde Pasolini. Curiosamente la película tuvo problemas con la censura básicamente por dos razones: el malo no podía ser japonés y por ello lo viste al estilo accidental y las escenas de los enamorados eran demasiado atrevidas para la cultura japonesa y tuvieron que ser cortadas en parte.

GUMMO

DIRECTOR: Harmony Korine
GUIÓN: Harmony Korine
MÚSICA: Randall Poster
FOTOGRAFÍA: Jean-Yves Escoffier
REPARTO: Linda Manz, Max Perlich, Jacob Reynolds, Chlöe Sevigny, Jacob Sewell, Nick Sutton, Lara Tosh, Carisa Bara
USA, 1997, 89 min.
SINOPSIS: En un pequeño y aburrido pueblo americano, un grupo de adolescentes pasa sus ratos libres cazando gatos o esnifando pegamento.
OPINIÓN: En los años 60 y 70 aparece un Estados Unidos un cine antisistema e independiente que pretende la libre expresión mediante imágenes, del cual son representativos Jonas Mekas y Andy Warhol. En los 80 y 90 aparece un cine con las mismas pretensiones de libertad pero mas introducido en el sistema, especialmente de producción y distribución. Harmony Korine inicia sus pasos en este tipo de cine con esta película. Hay un guión y hay una enorme cantidad de improvisación en toda la película, lo cual es un aliciente si consideramos que los protagonistas no son profesionales y los ambientes son reales y apenas manipulados. Diríamos que se encuentra dentro de las tendencias del feismo, no por eludir la realidad americana, sino por buscarla y filmarla tal cual. Esto unido a una cierta violencia contra los animales, especialmente contra los gatos, puede hacer que determinado tipo de espectador se sienta molesto y no termine de ver la película. Pero es que la película trata de gente que de por sí vive en un ambiente violento, no solo en lo personal, también en el entorno, con una violencia visual e higiénica que precisamente el director quiere darnos a conocer, seguramente pensando en contrarrestar la imagen de un país idílico que normalmente presenta el cine de Hollywood. Destaca la fotografía absolutamente realista y sin manipulación.

CHILDREN WHO CHASE LOST VOICES FROM DEEP BELOW

Hoshi o Ou Kodomo
DIRECTOR: Makoto Shinkai
GUIÓN: Makoto Shinkai
MÚSICA: Tenmon
JAPÓN, 2011, 120 min.
SINOPSIS: Asuna es una muchacha que al salir del colegio escucha una música a partir de la cual conocerá a un fantástico muchacho al que después buscará con la ayuda de un profesor.
OPINIÓN: Makoto Shinkai vuelve a acertar con el guión ofreciéndonos una hermosa historia sobre la búsqueda de la vida después de la muerte. Pero lo mejor de la película es sin duda el dibujo, un dibujo animado en el literal sentido de la palabra y lleno de arte, en el que combina los paisajes naturales con los fantásticos intercalando caras y figuras llenas de expresión. Me ha recordado toda la sutiliza que había en “5 centímetros por segundo” y todo el arte pictórico que allí descubrí, pero además aquí ha añadido un componente de aventura y acción que la hacen mucho más interesante. Tampoco la tengo como una de las mejores películas de animación, siendo como es buena, porque los rasgos faciales, especialmente en los primeros planos de la niña, me han recordado a Heidi, una serie japonesa que muchos recordarán de su infancia. También me ha parecido ver un exceso en la utilización de la sangre cuando la película pretende tener un toque de pacifista. Con todo la recomiendo a los amantes del cine de animación que no solo viene de Disney y a los cinéfilos que siguen todas las películas que tratan de un mundo fantástico en el que se pueden verter muchas ilusiones.