AKIRA KUROSAWA - MADADAYO

Para ser la última película que rodó Kurosawa me he quedado algo decepcionado, quiero decir, esperaba un tour de force para ofrecer al espectador no solo maestría en la técnica cinematográfica, sino un espectáculo visual como él sabía filmar. El caso es que el tema me gustó mucho, no en vano me toca de cerca, pero al mismo tiempo se aleja de lo que yo pueda sentir cuando se trata del carácter japonés que además se manifiesta en una forma de humor difícil de entender para los occidentales. Las interpretaciones: fabulosas, como siempre. Yo destacaría la interpretación de Kyôko Kagawa, como mujer del profesor. Su actitud, siempre en segundo término, pero fiel y dispuesta a ayudar en todo, lo refleja la actriz en unos movimientos de cuerpo suaves y delicados, pero seguros, y una expresión en la cara de saber lo que tiene que hacer con su personaje. Observa a cada uno de los actores masculinos cuidadosamente y reacciona de manera que no sobresale pero dejando su huella en la escena. La colocación de los personajes en el decorado y su integración con un fondo acorde, en este caso repleto de libros, es sin duda la marca de Kurosawa, pero donde deja su especial firma es en como expresa el paso del tiempo mientras el profesor y su mujer viven en una humilde choza después de los bombardeos.



AKIRA KUROSAWA - RAPSODIA EN AGOSTO

Kurosawa trata en esta película un tema que podría considerarse auténticamente japonés: el recuerdo de la explosión de la bomba atómica sobre Nagasaki. Pero el tratamiento no es en absoluto rencoroso hacia los estadounidenses que lanzaron dicha bomba el 9 de agosto de 1945, sino que utiliza el tema como recordatorio antibelicista. Para ello utiliza como personaje protagonista a una anciana que perdió a su marido en dicha explosión y tiene un sobrino americano (Richard Gere), hijo de un hermano que se casó con una americana. Los hijos de la anciana están deseosos de vivir como el primo americano, y de alguna manera se humillan ante él, pero los nietos no acaban de entender lo que ocurre, o al menos hablan de lo ocurrido con pena pero sin rencor. Richard Gere, como americano con ascendencia japonesa está muy bien, aunque es un papelito muy corto, pero se nota que ha puesto mucho interés en su interpretación, sabiendo con quien está trabajando. Quizás lo mejor de la película sea la interpretación de la abuela, capaz de manifestar su dolor por la muerte de su marido y de tanta gente, y al mismo tiempo un enorme cariño por todos los que siguen viviendo. La abuela no le echa la culpa a los americanos, sino a la guerra en sí misma. La película está tratada de una forma algo tendenciosa por parte de Kurosawa, pues haciendo tantas veces referencia al bombardeo nuclear por parte de los norteamericanos, en ningún momento hace referencia a su intervención en Pearl Harbour. En cuanto al aspecto formal de la película hay que destacar el gran cambio que se produce después de mover grandes masas en batallas para pasar a un reducido grupo de personajes que apenas se mueven en el encuadre. Realmente se llega al final de la película como esperando algo más, pero aún así me parece muy interesante su visión para entender de una forma global el trabajo de este director.



AKIRA KUROSAWA - LOS SUEÑOS DE AKIRA KUROSAWA

Se trata de una película muy oriental, muy al estilo japonés, que trata de presentarnos ocho sueños del propio director y que él mismo se encargó de pasarlos a un guión cinematográfico. Su nexo común parece ser la preocupación por las relaciones entre el hombre y la naturaleza, aunque no siempre este tema está bien definido al inclinarse más por una lección moral en cada caso.

1. “El sol a través de la lluvia” cuenta como un muchacho ve a los zorros aparearse en un día en el que llueve mientras el sol brilla. Cuando su madre se entera le manda a pedir perdón al final del arco iris.

2. “El huerto de melocotoneros” cuenta como unas muñecas japonesas regañan al pequeño protagonista porque su familia ha talado los melocotoneros. En este episodio destaca un hermoso vestuario de las muñecas.

3. “La ventisca” es el más pesado y simplemente trata de una expedición de montañeros que se ven sorprendidos por una ventisca. En medio de esta ventisca aparece la Dama de las Nieves que representa a la muerte por congelación.

4. “El túnel” es un episodio antibelicista y cinematográficamente está muy bien logrado.

5. “Cuervos” tiene como aliciente la intervención de Martin Scorsese como Van Gogh. A través de unos paisajes salidos de sus cuadros y utilizando mucho truco cinematográfico se mueven los personajes. Para mi está poco logrado.

6. “El monte Fuji en rojo” trata sobre el holocausto nuclear y como este provoca la erupción del volcán Fujiyama. Utiliza muchos y vistosos efectos visuales.

7. “El demonio” es un episodio lúgubre con la aparición de unos monstruos con cuernos que se comen entre ellos después del holocausto nuclear. Hay unos dientes de león enormes que a mi no me han gustado en absoluto, me han parecido ridículos.

8. “El pueblo de los molinos” es el que más me ha gustado y es el que tiene más significado ecologista. El paisaje natural de unos molinos de agua y su relación con la vida y la muerte están perfectamente descritos en los recuerdos de un viejo de 103 años. Un cortejo fúnebre lleno de música, color y alegría cierra la película.

Creo que es la que menos me ha gustado de Kurosawa.

AKIRA KUROSAWA - RAN

Para mi que estamos ante la mejor película de Akira Kurosawa (a lo mejor esto ya lo he dicho antes) pero cada vez que la veo disfruto en todos los sentidos. “Kagemusaha” era un espectáculo visual, pero aquí el director ha mejorado el espectáculo y le ha añadido una trama que el espectador puede asumir como un problema personal, las luchas fraticidas por el poder. En cuanto al aspecto formal Kurosawa mejoró en la medida de lo posible toda la autenticidad de armaduras, vestimentas, decorados, trabajando con colores y colorantes que se procuraron como se obtenían en la época en la que desarrolla la historia. Un elemento fundamental de la película son los caballos, cuya acción, no solo en las batallas, imprime una fuerza especial al movimiento cinematográfico y Kurosawa lo consigue utilizando unos 200 caballos especialmente amaestrados que parecen miles interviniendo en la película. Los siete minutos que dura la primera batalla entre los soldados de dos de sus hijos contra los soldados del Gran Señor y padre, sin apenas efectos de sonido y sin diálogos, solo una frase musical, es uno de los mejores momentos del cine. Aquí seguramente está una muestra de su maestría  a la hora del montaje. Esta vez la música se la encarga a un músico no habitual en sus películas, y joven, con lo que domina casi totalmente los resultados que está claro, clarísimos, que se acercan a la música de Mahler. Pero volvamos al tema, que esta vez si es muy importante, Kurosawa consigue hacer llegar al espectador con un retrato devastador de la bajada a los infiernos de una sangrienta dinastía en un relato casi sin ninguna esperanza, pero con mucha compresión, lo que demuestra en el director un enorme humanismo. Una última consideración: que “Ran”, considerada hoy como obra maestra junto a “El nacimiento de una nación” o “El acorazado Potemkin”, es decir, que cualquier cineasta o cinéfilo debe estudiar, no consiguiera ningún “Oscar” es una muestra del poco valor artístico que tienen estas estatuillas.

AKIRA KUROSAWA - KAGEMUSHA (La sombra del guerrero)

 

Es un festival de imágenes y si una película es una sucesión de imágenes, esta es una gran película. Kurosawa tardó en utilizar el color, no porque no le gustase ya que pintaba y pintaba muy bien como habéis comprobado en la imagen del post anterior, sino porque justo cuando en Japón se utilizaba el color él tenía varios proyectos para filmar en color pero las productoras japonesas no querían arriesgar dinero en sus grandes proyectos. Si para la anterior película “Dersu Uzala” tuvo que recurrir a los soviéticos, para esta recurre a los americanos y logra que George Lucas y Francis Ford Coppola convenzan al hijo de Alan Ladd, presidente de la sección de largometrajes de la 20th Century Fox, para que le compre los derechos a la productora japonesa mediante un anticipo de la mitad del coste de la película. ¡Pues no eran listos! La película se basa en la historia verdadera de un ladrón que llega a convertirse en el doble de un gran guerrero, en el kagemusha (guerrero sombra). El papel principal parece pensado expresamente par Toshiro Mifune pero este no haría la película porque como productor estaba envuelto en otros trabajos que no podía abandonar para rodar con Kurosawa todos los meses que este exigía y entonces se contrató a Tatsuya Nakadai. La película resulta fría, desolada y emocionalmente distante, seguramente porque Kurosawa no quería dar la impresión de que la guerra es bella como declaró en una entrevista. Es una obra maestra en forma y estilo y cada escena expresa claramente su propósito. La secuencia de la pesadilla es una explosión de color en la que el ladrón se encuentra envuelto por un torbellino de colores. Para otras escenas de batallas o puestas de sol utiliza de forma magistral los teleobjetivos y hay un tavelling saliendo por la ventana de un castillo que solo puede hacerlo un maestro, no por el travelling en si, sino por su inserción en la escena. En definitiva, Kurosawa parece más preocupado por los actos que por los sentimientos y si queréis disfrutar de la película, olvidaos de los personajes y considerad al director y su habilidad cinematográfica como el personaje principal. Las películas hay que verlas ¿verdad? Pues esta es puro placer visual.

AKIRA KUROSAWA - KAGEMUSHA

Acabo de ver la película, y me ha gustado tanto que voy a verla otra vez. Después os pondré mi opinión más cinematográfica.

AKIRA KUROSAWA - DERSU UZALA



De un encuentro casual en la taiga siberiana surge una profunda amistad entre un viejo cazador habitante de la zona y un oficial topógrafo. El cazador le enseñará al militar el porque es necesario respetar la naturaleza cuyos elementos: agua, fuego, aire, animales, etc. son “gente” y el explorador militar le entregará al solitario cazador una profunda amistad. Kurosawa rodó esta película cinco años después de la anterior, Dodes’ka-den, y en ese periodo de tiempo se produjo una tentativa de suicidio por parte del director, cuya vida se basaba en hacer cine. La situación de las productoras japonesas era de crisis debido al auge de la televisión, como ocurrió en todo el mundo, y Kurosawa no conseguía apoyo económico para sus grandes y costosos proyectos. La Unión Soviética le dio carta blanca para de filmar la película que quisiera y Kurosawa, en contra de todo pronóstico eligió un relato autobiográfico de un explorador ruso del cual tenía elaborado un guión. Lo adaptó al ambiente siberiano, él lo tenía a su vez adaptado para rodarlo en Japón, y escogió todos los actores rusos, así como todo el equipo de filmación salvo sus ayudantes de dirección, el equipo de dirección de fotografía y una ayudante coguionista: seis personas de un tota de ciento y pico. Se trasladaron a Siberia y allí estuvieron rodando durante un año. La película está contada en dos flashbacks correspondientes a dos periodos de colaboración entre el cazador y su amigo el explorador. Toda la película se desarrolla en unos maravillosos paisajes perfectamente captados por Kurosawa y su director de fotografía hasta tal punto que la taiga se convierte en la principal protagonista de esta película.

AKIRA KUROSAWA - DODES'KA-DEN

 

 

Lo mismo que nosotros utilizamos la onomatopeya “chucu-chucu” para el sonido que hace el tren, en Japón se utiliza esta otra “dodes’ka-den”. En este caso la va a utilizar un niño que conduce un tranvía imaginario por un suburbio en el cual viven una serie de personajes que van configurando con sus historias esta película. Es la primera película en color de Kurosawa y no nos extrañará la utilización que hace del color si tenemos en cuenta que este director era un gran aficionado a la pintura. Hace poco se han expuesto algunas de sus obras en España como podéis ver pinchando AQUÍ. De hecho yo diría que el color es el principal protagonista de la película que por otra parte relata historias de distintos personajes con muy poca conexión entre sí. Después de la extraordinaria “Barbarroja”, esta película de composición extraña y desigual, llama mucho la atención y no produce en el espectador las sensaciones que había conseguido con sus imágenes. Los suburbios, la marginación, la pobreza, el dolor y otros tantos elementos que había tratado antes, ahora quedan muy desdibujados. Tantos personajes no ayudan a darle unidad a la película y uno termina de verla un poco desilusionado: como que esperaba más. La historia de los borrachos que intercambian a sus mujeres realizada en plan cómico, contrasta con la tristeza de la vida del padre y el niño que viven en un coche e imaginan como será su casa en el futuro. Hay una historia interesante de un personaje lleno de tics y cojo que lleva a unos compañeros a su casa a tomar una copa. Su mujer no quiere atenderlos y cuando esta sale por la puerta, salvo un par de planos del marido yendo a la cocina, el resto, unos seis minutos, es un solo plano con pequeños movimientos de la cámara y con los movimientos de los cuatro personajes, lo cual indica una maestría indudable a la hora de contar algo con imágenes.

AKIRA KUROSAWA - BARBARROJA

Hay que ver como esta película me ha despertado mi lado más sensible, tanto que en más de un momento casi me pongo a llorar. Realmente esta es una película no solo para ver sino para sentir. Menos mal que Kurosawa sabe bien lo que tiene que hacer y coloca alguna escena divertida en el momento justo, como sería la pelea con los bandidos de la casa de te a los que Barbarroja rompe sus huesos utilizando sus conocimientos de anatomía humana. Esta será la única escena de acción de la película y en ella Mifune está magnífico demostrando que no es un santurron sino que puede llegar a ser subversivo y hasta criminal cuando no le queda otra opción.  

Al empezar la película, cuando Yasumoto va recorriendo las estancias del hospital al que ha sido designado, dice: “Huele a fruta podrida” y su acompañante le contesta: “Es el olor de la pobreza” con lo que tenemos una perfecta descripción del ambiente de trabajo. Después veremos como entre ese olor, la bondad y la entrega de los que allí trabajan superan esa sensación de mal olor confirmando como Kurosawa siempre ha sabido describir el amor y la sinceridad en sus películas. Es otra obra maestra del cine.

AKIRA KUROSAWA - EL INFIERNO DEL ODIO

Estamos ante una obra de arte, y van… y quedan… Kurosawa escribe el guión a partir de una novela policíaca pero está muy claro que introduce su mano maestra al tocar temas que van mucho más allá de la típica novela policíaca. En su realización utiliza una estructura así mismo propia de un maestro del cine y consigue un suspense angustioso, lejos de lo que se esperaba de él, tan dado al cine de samurais. La idea de situar la casa del rico industrial protagonista, Gondo, en lo alto de una colina, y la del secuestrador abajo, en un suburbio, pero desde donde se ve la casa de Gondo le permite llevar al espectador a los distintos lugares haciéndole ver las diferencias de vida y de actitudes morales. El título original es “Cielo y tierra” y los ingleses la titularon “Arriba y abajo” Pero Kurosawa no es maniqueo y en muchos momentos nos presenta a Godo y al secuestrador como dos personas iguales, que pueden confundirse en actitudes, y eso lo consigue de una forma maestra utilizando los reflejos de estos dos personajes en unos cristales. Esta escena es digna de formar parte de los momentos cumbre del cine. Otra idea brillante es la de colorear en rosa el humo delator cuando toda la película es en blanco y negro. Más de uno recordara a la niña de rojo en “La lista de Schindler” La estructura que utiliza el director es magnífica para que el espectador se implique en la historia: la primera mitad está rodada casi toda ella en un salón refrigerado de una casa lujosa; la segunda mitad está rodada en ambientes calurosos y sofocantes. En la primera hora de película que transcurre en el salón Kurosawa hace que los actores se muevan con gran naturalidad y coloca la cámara de tal forma que consigue encuadres como verdaderas pinturas artísticas. En este primera parte Toshiro Mifune consigue una de sus mejores interpretaciones a mi modo de ver, y mucho más cuando siempre se le ha asociado a gestos toscos y movimientos bruscos. Después pasa al exterior, empezando por la secuencia del tren que no dura más de cinco minutos pero son los cinco minutos más excitantes de la historia del cine, seguramente por la maestría de utilizar cámaras en mano. La fase de investigación está realizada como un documental pausado y detalloso para llegar a una bella secuencia en Chinatown, en el “callejón de la droga” Después la película desarrolla todos los elementos del thriller o de las películas policíacas pero perfectamente combinados con los del drama psicológico lo cual también se debe a una interpretación en general más que sobresaliente por parte de todos los actores, aún los de los papeles más cortos.

AKIRA KUROSAWA - SANJURO

Esta película es una parodia de del típico “jidai-geki” o cine histórico japonés convirtiéndose así en el típico “chambara” o cine de espadachines japoneses. Curiosamente el término “chambaza” hace referencia al sonido de una katana cuando choca con otra y al sonido cuando corta la carne del adversario. Sanjuro (Toshiro Mifune) no se parece en nada a un samurai pero es experto y considerado, mientras los jóvenes samurais solo tienen apariencia y denotan una gran ineptitud. Hasta una mujer, estamos hablando de aquella sociedad japonesa, les aconseja sobre lo que tienen que hacer. Antes que nada destacar que Mifune está aquí colosal y sin apenas sacar las manos de su kimono y con muy pocas palabras consigue una gran expresividad. Por otra parte Mifune demuestra un excelente estado físico y una gran destreza en el uso de la espada aún cuando tiene que matar a un gran número de adversarios. Esta fuerza interpretativa se ve reforzada en la escena del duelo con su mayor enemigo con un chorro de sangre a presión que deja asombrado a cualquier espectador que no crea a Kurosawa capaz de unos toques de humor. En Variety se dijo de Sanjuro “Contrariamente a muchos de los poderosos héroes de aventuras de Occidente, él (Sanjuro) está dotado con un increíble sentido de la lógica; unmodo de razonar invariablemente correcto al sacar las conclusiones más simples y naturales cuando otros han sacado las suyas de manera emocional e ilógica”. Como oponente en la interpretación Mifune tiene a un grupo de ineptos samurais que todo lo hacen en grupo, y así resulta muy divertido su desplazamiento como un “ciempiés”. Kurosawa en vez de definirlos uno a uno prefiere hacerlo como grupo.

AKIRA KUROSAWA - YOJIMBO (EL MERCENARIO)

En su estructura se trata de un auténtico western ambientado en el Japón feudal y en el que el héroe es un samurai. Kurosawa nunca negó lo mucho que le gustaban las películas de John Ford y sin duda más de una película del director americano pasaron por la mente del director japonés al realizar “Yojimbo (El mercenario)”. Por su parte Jhon Ford se interesó por Kurosawa y estuvo en alguno de sus rodajes nada más terminar la segunda guerra mundial. Hay muchas similitudes entre las películas de ambos directores, pero nunca nadie, ni siquiera los críticos estadounidenses, y mira que lo han intentado, ha denunciado por plagio al japonés y, por supuesto, tampoco al contrario. Sin embargo a Sergio Leone, Kurosawa y la productora japonesa Toho le denunciaron por plagio en su película “Por un puñado de dolares” ante la Federación Internacional de Productores. Y algo de verdad habría en esa denuncia de plagio pues la productora de la película italiana fue condenada a pagar a Kurosawa el 15% de la recaudación mundial de “Por un puñado…” Pero lo que nos importa es el valor artístico de “Yojimbo”. Como siempre la posición de la cámara y sus estudiados movimientos, tanto en interiores como en exteriores, nos hacen ver el sello de un maestro del cine. El arranque de la película con la sobreimpresión de los títulos en la espalda de Toshiro Mifune mientras avanza a un pueblo aparentemente vacío, y los planos del perro que lleva una mano humana en su boca, son puro cine. Y los duelos entre las bandas, así como las peleas entre los protagonistas, están resueltas colocando a los personajes, sean muchos o unos pocos, de manera que se mueven de forma rítmica y en su espacio, como si fuera un musical. El trabajo de Toshiro Mifune es extraordinario y nadie podrá dudar de su interpretación después de verle como Sanjuro, un samurai pendenciero, sarcástico, mentiroso y con un enorme corazón.

AKIRA KUROSAWA - LOS CANALLAS DUERMEN EN PAZ

Para mi esta película no está incluida entre las que más me gustan. Es cierto que tiene momentos magistrales, como la recepción y la boda, pero en general decae el interés por buscar más la sorpresa del espectador que el contarnos los hechos tal como se van produciendo. Por otra parte, tantos personajes que tienen que hacer llegar al espectador sus sentimientos hacen que este se pierda, máxime cuando se trata de una película oriental que en general ofrecen una gran dificultad para recordar los nombres y relacionarlos entre los personajes.

El guión me ha parecido bastante simple y Kurosawa lo  hace más largo aumentando el número de escenas en las que de una forma reiterativa vemos la maldad de los personajes y el ansia de venganza del protagonista. Además, hay una historia melodramática entre el protagonista y su mujer, que presenta una deficiencia al andar, que baja el tono intrigante para llevarlo al sentimentalismo. Parece ser que el guión de esta película era de un sobrino de Kurosawa y este se limitó a darle algunos retoques. Si algo sobresale en la película y la hace motivo de visión obligada es la magnífica interpretación de Toshiro Mifune en un papel de ejecutivo, muy distante de los papeles de samurai a los que nos tiene acostumbrados.

AKIRA KUROSAWA - LA FORTALEZA ESCONDIDA

Yo no había visto antes esta película y he quedado asombrado de las magníficas imágenes que contiene ¡Cómo encuadra Kurosawa los paisajes, los decorados y los personajes! Puro arte, y si además los movimientos de cámara o de los actores son para quedar boquiabierto, pues eso, obra de arte habemus. No me extraña que George Lucas se inspirara en esta película para hacer “La guerra de las galaxias” según reconoció el mismo Lucas. El guión es, en cuanto al tema, muy simple, pero tan bien estructurado que Kurosawa, autor del guión, parece que no tiene más que seguir lo que ha escrito y dirigir a los actores, cuyos papeles están al límite de la comedia bufa, pero llenos de ternura. La idea de contraponer los intereses materiales de los dos pueblerinos, magníficamente interpretados, a los altos ideales del general, Toshiro Mifune, que custodia a la princesa, en un auténtico ambiente de aventuras, consigue su punto cómico perfecto para el entretenimiento, que a la postre era lo que pretendía Kurosawa después de tantos temas fuertes en sus películas anteriores. Según cuenta Kurosawa, escribió el guión planteando cada mañana una situación en la que la princesa y el general no tuvieran escapatoria y otros tres coguionista, con él, se encargaban de buscar la salida en cada situación. Verdaderamente ese método surte todo el efecto para una película de aventuras. Tiene mucho, muchísimo, de western; no en vano la productora pedía películas que pudieran competir con todas las películas procedentes de Estados Unidos y hasta se permite el lujo de meter en una escena un galope en el que una chica, que la princesa ha salvado, es levantada del suelo por Mifune y subida a la grupa de su caballo. Sinceramente, si no conocéis esta película y os gusta el cine, no os arrepentiréis de verla.

AKIRA KUROSAWA - LOS BAJOS FONDOS

Casi toda la acción trascurre en un espacio cerrado y sin ninguna decoración, un rectángulo con literas y esteras en el suelo, como eran en Japón las pensiones y en los tiempos en que se sitúa dicha acción. De vez en cuando la acción se desarrolla en el exterior pero aun en ese caso el espació es un callejón. Solo un maestro del cine podía superar ese espacio, elemento importante en el ritmo de una película, colocando las cámaras en los puntos adecuados y moviéndolas, o moviendo a los actores, de forma que la pantalla siempre esté llena y con sentido. El mayor logro es haber construido en los estudios un decorado con vigas muy destacadas en la horizontal, vertical o inclinadas y hacer que estas encuadren y remarquen las expresiones de los personajes. Si van a ver la película por primera vez les aconsejo que tengan muy en cuenta este elemento. Por otra parte es una obra de repertorio, con muchos personajes, todos con casi igual peso en la historia, y unos diálogos continuados y densos como corresponde a la obra de teatro de Máximo Gorki, a partir de la cual está construido el guión. Esto puede hacer que el espectador se pierda en la continuidad de la obra y para mi que es necesario conocer bien la obra de teatro o ver la película varias veces.

AKIRA KUROSAWA - TRONO DE SANGRE

Es una adaptación libre del “Macbeth” de Shakespeare, o más bien la película de Kurosawa está inspirada en la obra del autor inglés buscando escenas que el japonés enriquece visualmente al darle una forma cinematográfica muy lejana de su origen teatral, trasladando toda la poesía del texto original a imágenes. Kurosawa realiza un gran esfuerzo por conseguir una gran obra de cine cuidando al detalle todos los elementos. La fotografía, mérito también del director de fotografía Asaichi Nakai, en blanco y negro es magnífica y como las nuevas tecnologías permiten parar la película en cualquier fotograma, aconsejo hacer un visionado de esta manera para disfrutar al máximo de la película.

Los decorados son majestuosos y en especial los interiores del castillo que asumen plenamente integrados los ricos, y fieles a la tradición, vestuarios, los cuales tenían que llevar puestos los actores durante mucho tiempo antes de rodar una escena para que los movimientos fueran naturales. Hay muchas escenas que hacen de esta película una obra maestra pero yo destacaría el encuentro de Washizu (Toshiro Mifune) con la bruja en una cabaña del bosque. La bruja que le hace conocer el futuro, va vestida de blanco, con el pelo blanco también y toda la cabaña se encuentra inundada de una luz blanquecina que le da a la escena el toque fantasmal necesario. Cuando la película se estreno en Estados Unidos, la crítica de “Variety” dijo: “Es puro cine, un logro de ambientación e invención fotográfica que merece ser vista con fines académicos por todo estudioso del cine, desde el novicio hasta el profesional”

AKIRA KUROSAWA - CRÓNICA DE UN SER VIVO

Hoy en día, a pesar de las amenazas provenientes de las centrales nucleares, parece que hemos olvidado la situación que se creó poco después de la II Guerra Mundial como consecuencia de la "guerra fría" que extendió un gran miedo al holocausto nuclear. En unos instantes, si a alguien se le hubiera ocurrido apretar un botón, el mundo se hubiera acabado. En Japón, después del bombardeo de Hiroshima y Nagasaki, y en guerra con Corea, ese miedo era mucho mayor, era auténtico terror generalizado. Esto es lo que le ocurre al protagonista de esta película que además tiene que enfrentarse a la incomprensión de sus hijos que intentan declararle mentalmente trastornado para que no venda la fábrica. Intervienen bastantes personajes secundarios, quizás demasiados, pero a diferencia de “Los 7 samuráis”, no están tan bien definidos y esto posiblemente haga que el espectador pierda interés.

Sin embargo llama mucho la atención la interpretación de Toshiro Mifune en el papel del padre, aparentando unos 60 años cuando en realidad tenía treinta y cinco, y a ello ayuda la utilización de unas gafas de cristales gruesos que ocultan la juventud de su mirada. La amenaza nuclear y la angustia que puede producir están perfectamente representadas por un tremendo calor que los personajes manifiestan limpiándose continuamente el sudor y abriendo y cerrando abanicos con movimientos muy efectistas. La película no me ha llegado a entusiasmar, influenciado, sin duda, por la reciente visión de sus tres anteriores obras maestras.

AKIRA KUROSAWA - LOS 7 SAMURÁIS

Tres películas seguidas y tres obras maestras, y no me pregunten cual es mejor porque ninguna supera a otra de ninguna manera. La trama narrativa de la película es bastante elemental y eso la ha hecho adaptable a cualquier género, como la ciencia ficción y el weatern. Por si alguien no lo sabe, “Los 7 samuráis” es el original del cual John Sturges realizaría “Los 7 magníficos” ambientada en el oeste y sustituyendo a los samuráis por pistoleros. Akira Kurosawa, Shinobu Hashimoto, Hideo Oguni escriben sobre una historia muy simple un complejo guión analizando cada uno de los personajes y aún los considerados muy secundarios, como son los habitantes de la aldea, están minuciosamente detallados en su comportamiento.

Además de los personajes, las relaciones entre los samuráis, entre los campesinos, y entre los samuráis y los campesinos están muy bien desarrolladas y perfectamente ejecutadas por una magnífica planificación. Con todo la película es más que un emocionante entretenimiento y el espectador llega a preguntarse, como los samuráis, si merece la pena salvar a los campesinos y con que fin. Así mismo el espectador se pregunta, como los campesinos, por las razones de los samuráis. Y aquí está el gran éxito del director: que llega a colocar al espectador en todo el núcleo de la película. Hasta en la estructura de la película, Kurosawa obtiene un gran logro al conseguir que el espectador esté perfectamente ubicado dentro del área de la acción y en relación con los personajes, a diferencia de muchas películas de guerra en las que es imposible muchas veces diferenciar a un soldado de otro. La fotografía es impresionante en función de la acción y así utiliza varias cámaras, o bien utiliza la cámara lenta en las escenas violentas, así como la profundidad de campo en las escenas de multitudes. La interpretación de Toshiro Mifune es posiblemente la mejor que jamás haya hecho; de unos gestos cómicos y salvajes da paso a un personaje trágico que se desprecia a sí mismo para pasar al hombre que encuentra el auténtico significado de su existencia. Consigue dar vida a un personaje de gran complejidad psicológica. En conjunto una obra maestra del séptimo arte.