NICHOLAS RAY - SANGRE CALIENTE

Hot Blood
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Jean Evans, Jesse Lasky Jr.
MÚSICA: Les Baxter
FOTOGRAFÍA: Ray June
REPARTO: Jane Russell, Cornel Wilde, Luther Adler, Joseph Calleia, James H. Russell, Nina Koshetz
USA, 1956, 85min.
SINOPSIS: Dos gitanos se casa por imposición del hermano mayor del varón. En principio no están enamorados ni él quiere pasar por la tradición gitana, así que se producirán una serie de desencuentros.
OPINIÓN:
Nunca había visto esta película, así que desde los títulos de crédito hasta el final he ido de sorpresa en sorpresa. Con los ojos como platos me he quedado cuando he visto la ambientación de un clan gitano europeo en Estados Unidos. No me lo podía creer y cuando entra en escena Cornel Wilde, casi me levanto para apagar el televisor. Menos mal que me he dado cuenta a tiempo que me he comprometido a un ciclo de Nicholas Ray y he continuado sentado. Y digo menos mal, porque he podido disfrutar de una Jane Russell que lleva ella solita toda la película. O quizás es que no he tenido ojos más que por ella. A medida que iba pasando la historia yo dudaba de estar viendo una película de Ray, y menos una película realizada después de las que son sus joyas: “Johnny Guitar” y “Rebelde sin causa”. Hay unos números musicales, o eso pretenden ser, que no pueden estar peor realizados y sobre todo cuando se produce el salto de los primeros planos del protagonista a plano general. ¡Cómo se nota que no son el mismo actor! ¿Y el paso del tiempo? En algunos momentos parece que lo ocurrido fue ayer cuando ya han pasado meses. Y hay que llegar al final para creérselo, o no, porque ni en los cuentos de Disney se solucionan las cosas de esa manera. Aunque el director se viera obligado a dirigir este bodrio tenía que haberle dado un poco de dignidad. Insisto, no me lo puedo creer. Véanla, véanla y juzguen ustedes. No soy tan malo, así que mejor no la vean. Y yo me voy a preparar para disfrutar de esta nochevieja y aprovecho para desearles muy buen cine en el 2011.

Le concert
FRANCIA, 2009, 119 min.
DIRECTOR: Radu Mihaileanu
GUIÓN: Radu Mihaileanu
REPARTO: Aleksei Guskov, Mélanie Laurent, Dmitri Nazarov, Valeriy Barinov, François Berléand, Miou-Miou, Lionel Abelanski, Vasile Albinet, Laurent Bateau, Ramzy Bedia
SINOPSIS: En tiempos de Brézhnev el director de la orquesta del Bolchoï se niega a despedir a los músicos judíos. Por ello fue expulsado en pleno éxito de su carrera artística. Treinta años después como hombre de la limpieza reúne a todos los músicos de su última interpretación de Tchaikowski para actuar en el Teatro del Châtelet de París.
OPINIÓN: Puede haber gente que vaya al cine a llorar y otra a reír. Todos están en su derecho y habrá un montón de películas que les vayan a satisfacer, buenas películas por cierto. Pero después hay gente inteligente que va al cine a buscar arte, llorando o riendo, y tiene el mismo derecho a que haya directores que les tengan en cuenta. Y aquí nos encontramos con un director que realiza una comedia optimista y muy humana, con su toque folclórico y también crítico hacia el comunismo, y también el capitalismo, buscando revivir la armonía entre las personas. El director da a entender claramente que esa armonía la consigue una orquesta al interpretar una obra. Pero no quiere engañarnos y nos hace ver que cada uno de los componentes de la orquesta esconde secretos propósitos personales, con los que buscan revivir épocas pasadas de mayor esplendor en la música, en el partido o en los negocios.
Estamos ante una comedia disparatada que busca la risa en situaciones absurdas. Pero como en el teatro del absurdo se busca un efecto. Judíos que buscan negocios en cualquier situación, comunistas que buscan ser bien pagados, artistas que quieren comer, mafiosos con proyección personal, capitalistas que sacan dinero de cualquier situación, burgueses que buscan vivir en la mayor comodidad, etc.
Pero que el espectador no se deje engañar porque hay un drama en el fondo de toda esta historia que surge en su momento oportuno para llevarnos a un clímax emotivo perfectamente acompañado de música e imágenes que no quiere pero puede provocar más de una lágrima.
Todos los que sean aficionados a la música clásica y en especial a los compositores que tocan los sentimientos como Tchaikowski, Prokofiev o Mahler, disfrutarán de esta película si tienen sentido del humor.
Esta entrada está dedicada a LU que ha influido en que vaya a ver esta película que supongo pronto quitarán de la cartelera y no una española del Festival de Málaga que con su promoción acostumbrada estarán muchos días en las salas de cine.

CALLE 54

DIRECTOR: Fernando Trueba
GUIÓN: Fernando Trueba
MÚSICA: Varios (Jazz)
FOTOGRAFÍA: José Luis López Linares
REPARTO: Documentary, Michel Camilo, Gato Barbieri, Tito Puente y otros
ESPAÑA, 200, 105 min.
SINOPSIS: Documental sobre varias figuras del jazz latino, reunidos en la calle 54 de Nueva York.
OPINIÓN: Pocos son los directores de cine que amando la música no realicen alguna película de tema musical, es el caso de Martin Scorsese con “El último vals” o “No direction home” o introduzcan alguna composición de forma muy especial en sus películas, y este es el caso de Stanley Kubrick con “La naranja mecánica” y “2001: una odisea del espacio”. Fernando Trueba lleva a un estudio, uno tras otro, a una serie de intérpretes del jazz latino, entre los mejores del momento, y les hace interpretar una de sus mejores piezas. Siendo como es y así se declara, un amante de esta música, la conoce muy bien y por lo tanto moverá todos los elementos cinematográficos: cámaras, micros, luces, etc., para conseguir que el espectador se sienta como en uno de esos locales donde se escucha el jazz. Perfecta en lo visual de manera que puedes ver cada instrumento y como se toca, y perfecta en la música, pues recopila una serie de grandes intérpretes del jazz latino como Paquito D´Rivera, Eliane Elías, Chano Domínguez , Fort Apache Band, Michel Camilo, Gato Barbieri, Tito Puente, Chucho Valdés, Chico O´Farry, Bebo Valdés, Cachao, Patato y otros. Si te gusta el jazz esta película es imprescindible.

EL ÚLTIMO VALS

The Last Waltz
DIRECTOR: Martin Scorsese
GUIÓN: Martin Scorsese
MÚSICA: The Band
FOTOGRAFÍA: Michael Chapman, Laszlo Kovacs, Vilmos Zsigmond, Hiro Narita & Varios
REPARTO: The Band, Bob Dylan, Van Morrison, Neil Young, Joni Mitchell, Neil Diamond, Eric Clapton, Paul Butterfield, Rick Danko, Dr. John, Lawrence Ferlinghetti, Emmylou Harris, Ronnie Hawkins
1978, USA, 117 min.

SINOPSIS: Documental sobre el mundo del rock rodado en 1976 en el que Scorsese filma los conciertos de despedida de "The Band", por los que pasaron míticas figuras del rock de las últimas décadas.

OPINIÓN: Si alguien sabe utilizar una imagen ara transmitir un sentimiento, ese es Martin Scorsese. Si además se siente a gusto con lo que está haciendo y la gente con la que está trabajando, es el espectador el que percibirá sentimientos y sensaciones y por lo tanto saldrá ganando.
No hay imágenes manipuladas o compuestas sino imágenes de lo que ocurre en el escenario, quizás la utilización de alguna luz roja, alguna luz cenital o angulada, un reflejo, un flou (iluminación con la que se obtiene un halo de imprecisión que aparte de embellecer la imagen le da un carácter mágico). Elementos que un buen director sabe utilizar para llenar la pantalla sin que estos tomen protagonismo. Porque la protagonista es en realidad la música que hace The Band y algunos amigos que han querido acompañarles en el último concierto.
“LA MÚSICA TE LLEVA” Llega un momento en que te das cuenta que no se está realizando una película para ganar dinero sino que se está realizando un documental para que la gente de ahora y del futuro conozca como fue el último recital de The Band y quienes eran sus componentes.
Tenía ganas de volver a ver esta película y se que dentro de poco la volveré a ver porque es una de esas obras maestras en la que los sentidos y los sentimientos siempre encuentran una imagen, un sonido, un movimiento de cámara, una luz , un gesto, algo que te hace sentir humano entre los humanos y al mismo tiempo el más importante de los humanos por estar disfrutando de todo lo que ves y oyes.Antológico es el plano del sombrero con el que se presenta Bob Dylan. Sin embargo será ese mismo sombrero el que hará de la actuación de Bob Dylan la menos interesante en imagen, pues el blanco no permite un juego de luces y contraluces.

CANTANDO BAJO LA LLUVIA

SINGIN' IN THE RAIN
DIRECTOR: Stanley Donen, Gene Kelly
GUIÓN: Betty Comden, Adolph Green
MÚSICA: Nacio Herb Brown, Arthur Freed
FOTOGRAFÍA: Harold Rosson & John Alton

REPARTO: Gene Kelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell, Cyd Charisse, Rita Moreno, Douglas Fowley

USA, 1952, 102 min

SINOPSIS: Antes de conocer a la aspirante a actriz Cathy Seldon (Debbie Reynolds), el ídolo del cine mudo Don Lockwood (Gene Kelly) pensaba que lo tenía todo; fama, fortuna y éxito. Pero, tras conocerla, se da cuenta de que ella es lo que realmente faltaba en su vida. Con el nacimiento del cine sonoro, Don quiere filmar los musicales con Kathy, pero entre ambos se interpone la reina del cine mudo Lina Lamont (Jean Hagen).

CRÍTICA: Si los años 40 fueron para el cine americano una época dorada fue gracias a esta película, entre otras, como “Ciudadano Kane” (1941) o “El tesoro de Sierra Madre” (1948). La película no es considerada por todos los críticos de manera igual. Es más, algunos la desprecian y en la España de los años 60 y 70, la España de los cineclubs, esta película era considerada un melodrama para porteras (las de entonces) sin ningún valor cinematográfico. Pero el público en general ya la había convertido en mito y mas de cuatro progres la seguían por los cines de reestreno.
En su origen la misma película sigue el camino menos indicado para ser un éxito. Se basa en una obra de teatro que no se estrenó. El guión no está terminado cuando empieza el rodaje. El director y los actores no son los que en principio han sido considerados. Pensada como una película de propaganda en tiempo de guerra, se convierte en uno de los melodramas cumbre de la historia del cine. Posiblemente, cuando las mentes preclaras de la productora estaban buscando un éxito ni siquiera sabían que una simple canción llevaría esa película al éxito por todos los tiempos.
Dentro de los musicales clásicos y de siempre esta película es referencial.
Si nos fijamos en el argumento, se trata de pasar desde el cine mudo al cine sonoro, con lo que nosotros podremos comparar como se hacían antes las películas y como se hacían después, incluido hasta el doblaje de actores. Podemos fijarnos en la interpretación de los actores para las películas mudas y como cambia para el sonoro. Si en un principio importa el gesto después la interpretación se hace más complicada o podríamos decir más completa.La película puede servirnos también para entender como han evolucionado las técnicas de grabación de una película pues aunque en la película solo vemos el paso al sonoro, nosotros podemos pensar en toda la evolución que se ha producido hasta nuestros días.

MUSICA DE CINE

PepedelMontgo me reta a que haga una selección de música de cine y aquí está el resultado. Ya se que todos conoceis de sobra esta música pero resulta divertido hacer una cosa de estas. Y como dice Pepe, el que quiera que siga la cadena.

SIETE NOVIAS PARA SIETE HERMANOS

Me gusta el cine musical. Hace años, cuando Basilio Martín Patino estaba marcando las tendencias cinematográficas con “Nueve cartas a Berta”, todo tímido escribí a la revista “Fotogramas” diciendo que “Siete novias para siete hermanos” me parecía una estupenda película. La respuesta de Mr. Belvedere, gurú de aquellos tiempos, diciéndome que estaba de acuerdo conmigo me llenó de satisfacción.
Y me gusta el cine musical, hoy lo se, porque puede unir de una forma total (también otros géneros) los distintos elementos del cine. Saber utilizar la música de forma diegética en una película me parece la unión de distintas artes en SEPTIMO ARTE.