10 febrero 2012

AKIRA KUROSAWA - LA LEYENDA DEL GRAN JUDO





Parece mentira como siendo la primera película de Akira Kurosawa puede ser una obra tan madura en su reflexión y tan bien realizada cinematográficamente. Es cierto que antes de dirigir esta película, Kurosawa fue ayudante de dirección entre otros de Kajiro Yamamoto, y que había ganado varios premios como guionista. Todavía no se había producido la controversia entre cine de prosa y cine de poesía y este director, en su primer trabajo hace una perfecta conjunción de esas dos formas de cine. Como el gran artista que se confirmará más tarde, Kurosawa es capaz de narrar una pelea de judo con todo lo que este deporte tiene para los aficionados es capaz de narrar el encuentro del protagonista con la muchacha de la que se enamora con sucesión de planos en una escalera. Si a través de toda la película vamos viendo el cambio que sufre el protagonista de ser un fuerte pero alocado aprendiz de judo, como vemos en las imágenes de la fiesta del pueblo, a ser un maestro del judo con altísima sensibilidad por el sentir humano como vemos en los planos antes y durante la pelea con el padre de la chica a la que quiere. Pero técnicamente la película nos ofrece elementos muy considerables, destacando para mi el paso del tiempo en unos zuecos que son abandonados por el protagonista cuando se hace alumno de judo y como esos zuecos van sufriendo diversos avatares por las calles, el río, etc. Y hay un punto crucial en la película, la fuerza no es lo importante, sino lo importante es la naturaleza que te da la fuerza, y esto lo expresa Kurosawa utilizando una flor blanca que se abre ante el protagonista. Hay un plano del malo en el que tira las cenizas de su cigarrillo sobre los pétalos blancos de una flor y esa flor la volveremos a ver cuando Sanshiro se enfrente al malo y esto para mi es una perfecta demostración del cine poesía que tanto defenderá más tarde Pasolini. Curiosamente la película tuvo problemas con la censura básicamente por dos razones: el malo no podía ser japonés y por ello lo viste al estilo accidental y las escenas de los enamorados eran demasiado atrevidas para la cultura japonesa y tuvieron que ser cortadas en parte.

07 febrero 2012

GUMMO



DIRECTOR: Harmony Korine
GUIÓN: Harmony Korine
MÚSICA: Randall Poster
FOTOGRAFÍA: Jean-Yves Escoffier
REPARTO: Linda Manz, Max Perlich, Jacob Reynolds, Chlöe Sevigny, Jacob Sewell, Nick Sutton, Lara Tosh, Carisa Bara
USA, 1997, 89 min.
SINOPSIS: En un pequeño y aburrido pueblo americano, un grupo de adolescentes pasa sus ratos libres cazando gatos o esnifando pegamento.
OPINIÓN: En los años 60 y 70 aparece un Estados Unidos un cine antisistema e independiente que pretende la libre expresión mediante imágenes, del cual son representativos Jonas Mekas y Andy Warhol. En los 80 y 90 aparece un cine con las mismas pretensiones de libertad pero mas introducido en el sistema, especialmente de producción y distribución. Harmony Korine inicia sus pasos en este tipo de cine con esta película. Hay un guión y hay una enorme cantidad de improvisación en toda la película, lo cual es un aliciente si consideramos que los protagonistas no son profesionales y los ambientes son reales y apenas manipulados. Diríamos que se encuentra dentro de las tendencias del feismo, no por eludir la realidad americana, sino por buscarla y filmarla tal cual. Esto unido a una cierta violencia contra los animales, especialmente contra los gatos, puede hacer que determinado tipo de espectador se sienta molesto y no termine de ver la película. Pero es que la película trata de gente que de por sí vive en un ambiente violento, no solo en lo personal, también en el entorno, con una violencia visual e higiénica que precisamente el director quiere darnos a conocer, seguramente pensando en contrarrestar la imagen de un país idílico que normalmente presenta el cine de Hollywood. Destaca la fotografía absolutamente realista y sin manipulación.

27 enero 2012

CHILDREN WHO CHASE LOST VOICES FROM DEEP BELOW

Hoshi o Ou Kodomo
DIRECTOR: Makoto Shinkai
GUIÓN: Makoto Shinkai
MÚSICA: Tenmon
JAPÓN, 2011, 120 min.
SINOPSIS: Asuna es una muchacha que al salir del colegio escucha una música a partir de la cual conocerá a un fantástico muchacho al que después buscará con la ayuda de un profesor.
OPINIÓN: Makoto Shinkai vuelve a acertar con el guión ofreciéndonos una hermosa historia sobre la búsqueda de la vida después de la muerte. Pero lo mejor de la película es sin duda el dibujo, un dibujo animado en el literal sentido de la palabra y lleno de arte, en el que combina los paisajes naturales con los fantásticos intercalando caras y figuras llenas de expresión. Me ha recordado toda la sutiliza que había en “5 centímetros por segundo” y todo el arte pictórico que allí descubrí, pero además aquí ha añadido un componente de aventura y acción que la hacen mucho más interesante. Tampoco la tengo como una de las mejores películas de animación, siendo como es buena, porque los rasgos faciales, especialmente en los primeros planos de la niña, me han recordado a Heidi, una serie japonesa que muchos recordarán de su infancia. También me ha parecido ver un exceso en la utilización de la sangre cuando la película pretende tener un toque de pacifista. Con todo la recomiendo a los amantes del cine de animación que no solo viene de Disney y a los cinéfilos que siguen todas las películas que tratan de un mundo fantástico en el que se pueden verter muchas ilusiones.

16 enero 2012

LOS AMANTES DEL PONT NEUF



Les amants du Pont-Neuf
DIRECTOR: Leos Carax
GUIÓN: Leos Carax
FOTOGRAFÍA: Jean-Yves Escoffier
REPARTO: Juliette Binoche, Denis Lavant, Klaus-Michael Grüber, Daniel Buain, Marion Stalens, Chrichan Larson, Edith Scob
1991 FRANCIA 125min.
SINOPSIS: Una historia de amor entre dos vagabundos: Alex y Michelle. Él es un frustrado artista de circo a causa de su adicción al alcohol, y ella es una pintora que ha sufrido una dolorosa ruptura sentimental y, además, se está quedando ciega.
OPINIÓN: ¡Magnífico ejercicio cinematográfico! Esto es cine y esto es arte, es séptimo arte. Yo puedo contarte una historia con palabras, puedo contártela por escrito y ya hay que saber. Pues lo mismo en el cine, contarte la misma historia con imágenes es un arte. No se trata de que los personajes vayan contando lo que han hecho, lo que hacen o harán; son las imágenes las que van contando la historia. Ver a Juliette Binoche, a la que yo reverencio en “El paciente inglés”, “Chocolat” y “Tres colores…”, en el personaje de una clochard, con el pelo sucio y un ojo tapado con un esparadrapo, es un ejercicio de análisis interpretativo. Si yo fuera un profesor de interpretación en una escuela de arte dramático obligaría a mis alumnos a saberse de memoria los personajes interpretados por esta actriz. Sin duda la dirección de Leos Carax es fundamental pero a mi me parece determinante la dirección de fotografía de Jean-Yves Escoffier. La unión y continuidad de una borrachera con vino peleón y unos fuegos artificiales es extraordinaria y si te parece poco continuamos con un vals y ski acuático en una de las escenas, para mi, cumbre del cine. Y por si con lo dicho no es suficiente para incluir esta obra dentro del mejor séptimo arte tenemos la magnífica conjunción de imágenes y sonido en la persecución en el metro que se resuelve en la música y las imágenes del violonchelo. Una gozada de película.

28 agosto 2011

NICHOLAS RAY - REY DE REYES


King of Kings
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Philip Yordan
MÚSICA: Miklós Rózsa
FOTOGRAFÍA: Franz Planer, Milton Krasner, Manuel Berenguer
REPARTO: Jeffrey Hunter, Robert Ryan, Siobhan McKenna, Frank Thring, Hurd Hatfield, Rip Torn, Harry Guardino, Viveca Lindfors, Rita Gam, Carmen Sevilla
ESTADOS UNIDOS, 1961, 154min.
SINOPSIS: La historia de Jesús de Nazaret según los relatos de los Evangelios
OPINIÓN: Hasta esta película Nicholas Ray se manifestó como un director intimista, capaz de ha hacernos ver los sentimientos de los personajes. Sus escenas, en general, contaban con pocos actores moviéndose en el plano. Pero aquí aborda una película coral, una película de masas, donde estas masas son a su vez los protagonistas de la historia. Sin embargo en la introspección de los personajes principales de esta historia es cuando vemos al auténtico Ray, como por ejemplo en la escena de Juan el Bautista en el Jordán.

24 mayo 2011

NICHOLAS RAY - LOS DIENTES DEL DIABLO


The Savage Innocents
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: Nicholas Ray
MÚSICA: Francesco Lavagnino (AKA Angelo Francesco Lavagnino)
FOTOGRAFÍA: Aldo Tonti & Peter Hennessey
REPARTO: Anthony Quinn, Yoko Tani, Peter O'Toole, Carlo Giustini, Marie Yang, Andy Ho, Kaida Horiuchi
REINO UNIDO, FRANCIA, ITALIA, 1960, 110 min.
SINOPSIS: Inc. es un esquimal que vive cazando para comer y abrigarse pero desea una mujer con la que vivir. La encuentra y con ella vive feliz hasta que el hombre blanco, la civilización, entra en sus vidas.
OPINIÓN: Muy al estilo Nicholas Ray cuando ha realizado una película con absoluta libertad el arranque es impactante con los planos del arponeo de un oso blanco sobre un fondo de nieve y hielo absolutamente blancos. Utilizando hermosísimos paisajes naturales árticos que para el momento de realización supo perfectamente combinar con planos de estudio Ray nos plantea una historia de un inocente esquimal salvaje. Esta historia está incluida en una especie de documental sobre el espacio ártico, sus animales, y muy especialmente el hombre que en origen ocupaba estas tierras. De forma magistral el director nos presenta las relaciones entre el hombre salvaje y la naturaleza, así como las relaciones humanas entre los miembros de ese grupo que se llaman a sí mismos “los hombres”. Pero esto está planteado como una historia dramática y empieza el verdadero drama cuando la civilización entra en el mundo de “los hombres”. Primero mediante las armas, después el alcohol y cuando intenta introducirse la religión es cuando se producirá el inicio del auténtico drama. De una forma increíble, Ray nos atrapa primero en un mundo ideal para conducirnos de forma inexorable al mundo dramático. Las relaciones entre Inuk, el salvaje inocente magníficamente interpretado por Anthony Quinn, con la civilización personificada en el policía que interpreta Peter O'Toole, conducirán a un enfrentamiento en la forma de entender la vida. Pero Ray es un hombre civilizado y al final, un final sorprendente, tomará postura. Hacer notar un relato en off absurdo que se introduce de vez en cuando en el relato cinematográfico innecesariamente, a no ser que se pretenda moralizar pues esta voz nos informa que para los esquimales “reír” con una mujer es casarse, para ver a continuación que “reír” es tener relaciones sexuales. Alrededor de este tema se producen momentos muy divertidos durante toda la película. Según declaraciones del propio director esta es su mejor película, no para mi, pero sin duda imprescindible para los que nos gusta el cine.
Se la recomiendo especialmente a Pepe del Montgó.

13 mayo 2011

NICHOLAS RAY - CHICAGO AÑOS 30

ALGO ME PASA EN EL BLOG PORQUE ES LA SEGUNDA VEZ QUE TENGO QUE PUBLICAR ESTA ENTRADA




Party Girl
DIRECTOR: Nicholas Ray
GUIÓN: George Wells
MÚSICA: Jeff Alexander
FOTOGRAFÍA: Robert Bronner
REPARTO: Robert Taylor, Cyd Charisse, Lee J. Cobb, John Ireland, Kent Smith, Claire Kelly, Corey Allen, Lewis Charles, David Opatoshu, Kem Dibbs, Patrick McVey, Barbara Lang, Myrna Hansen, Betty Utey
USA, 1958, 99min.
SINOPSIS: Un abogado presta sus servicios al gángster más poderoso de Chicago. Un día, se enamora de una bailarina de cabaret que acude a todas las fiestas de la mafia como acompañante. Entre ambos surge una relación.
OPINIÓN: Esta película, como tantas en su época, sufrió un característico cambio de título, pues no iba a aparecer en las carteleras como “Chica de compañía” pues fácilmente los pobres españolitos no asistirían a la sala pensando que se trataba de la historia de una muchacha que hacía compañía a las viejecitas. ¿O asistirían en masa buscando otra cosa? Como sea, nada más empezar, en uno de esos magníficos arranques de película que tanto me gustan de Nicholas Ray, queda claro de que tipo de muchacha se trata. Cyd Charisse hace una interpretación magnífica y aprovecha su oficio para enseñarnos sus magníficas piernas y su bien formado cuerpo en algunos números musicales perfectamente realizados. Pronto aparece el galán, algo mayor, que interpreta Robert Taylor, con un defecto en su pierna que puede ser la causa de sus frustraciones. Dos personas que están descontentas con el lugar que ocupan en la sociedad y que aspiran a ser felices a pesar del tiempo trascurrido en esos ambientes de los que pretenden salir. El ambiente es el de las mafias y por lo tanto la película pasa de lo que podría ser un musical a una película de amor en un mundo de gangster. ¡Que bien cuenta la historia el director! ¿Quieres ver bailar a las coristas? Las verás. ¿Quieres acción? La tendrás y de la buena. ¿Quieres amor? Del mejor y más maduro entre un hombre y una mujer que arrastran su historia. Todos estos elementos no acabo de entender como les gustaba tanto a los de la “Nouvelle Vague” porque muchos de ellos eran auténticos pesados contando historias. Si comprendo que le gustara a François Truffaut que aprendería mucho para realizar “La noche americana” y contarnos historias de verdaderos personajes. Muy recomendable.