MY BLUEBERRY NIGHTS

DIRECTOR: Wong Kar-Wai
GUIÓN: Wong Kar-Wai, Lawrence Block (Historia: Wong Kar-Wai)
MÚSICA: Ry Cooder
FOTOGRAFÍA: Darius Khondji
REPARTO: Norah Jones, Jude Law, Natalie Portman, Rachel Weisz, David Strathairn, Hector A. Leguillow, Frankie Faison, Chad R. Davis
HONG KONG, 2007, 90 min.
SINOPSIS: Una joven (Norah Jones) tras sufrir un desengaño amoroso comienza una busqueda de sí misma y del amor verdadero. En el camino, enmarcada entre el mágico paisaje urbano de Nueva York y las espectaculares vistas de la legendaria Ruta 66, la joven se encontrará con una serie de enigmáticos personajes en los cuales ella descubrira lo que busca.
CRÍTICA: Yo opino que es una interesante propuesta para plantear el cine desde una novedad de imagen que sin ser de ruptura, ofrece novedades en la iluminación, los enfoques y el movimiento mismo. Aquí radica todo el trabajo, un buen trabajo, del director que está más pendiente de estos elementos y de la música que de la interpretación de los actores. En todo caso, dispone de un buen elenco que fácilmente se deja dirigir.
Como el argumento es muy simple y el guión más simple todavía, si tenéis interés en verla, debéis sentaros en vuestra butaca o sillón preferido, relajados. Si lleváis gafas os aconsejo limpiarlas bien porque algunas luces os pueden parecer extrañas y dejaos llevar por las imágenes, quiero decir, disfrutar de la fotografía que además va acompañada de buena música que os sonará más de una vez.
Los personajes no están planteados en toda su profundidad, ni creo que el director lo pretenda, ya que la película es una sucesión de tres sketchs incluidos en la historia de amor base del argumento, y no hay tiempo para conocer bien a cada uno.
Destacaría una frase que pronuncia la protagonista (Norah Jones) cuando definitivamente descubre que ha perdido el amor de su novio: “¿Cómo te despides de alguien sin el cual no puedes vivir?”

CANTANDO BAJO LA LLUVIA

SINGIN' IN THE RAIN
DIRECTOR: Stanley Donen, Gene Kelly
GUIÓN: Betty Comden, Adolph Green
MÚSICA: Nacio Herb Brown, Arthur Freed
FOTOGRAFÍA: Harold Rosson & John Alton

REPARTO: Gene Kelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell, Cyd Charisse, Rita Moreno, Douglas Fowley

USA, 1952, 102 min

SINOPSIS: Antes de conocer a la aspirante a actriz Cathy Seldon (Debbie Reynolds), el ídolo del cine mudo Don Lockwood (Gene Kelly) pensaba que lo tenía todo; fama, fortuna y éxito. Pero, tras conocerla, se da cuenta de que ella es lo que realmente faltaba en su vida. Con el nacimiento del cine sonoro, Don quiere filmar los musicales con Kathy, pero entre ambos se interpone la reina del cine mudo Lina Lamont (Jean Hagen).

CRÍTICA: Si los años 40 fueron para el cine americano una época dorada fue gracias a esta película, entre otras, como “Ciudadano Kane” (1941) o “El tesoro de Sierra Madre” (1948). La película no es considerada por todos los críticos de manera igual. Es más, algunos la desprecian y en la España de los años 60 y 70, la España de los cineclubs, esta película era considerada un melodrama para porteras (las de entonces) sin ningún valor cinematográfico. Pero el público en general ya la había convertido en mito y mas de cuatro progres la seguían por los cines de reestreno.
En su origen la misma película sigue el camino menos indicado para ser un éxito. Se basa en una obra de teatro que no se estrenó. El guión no está terminado cuando empieza el rodaje. El director y los actores no son los que en principio han sido considerados. Pensada como una película de propaganda en tiempo de guerra, se convierte en uno de los melodramas cumbre de la historia del cine. Posiblemente, cuando las mentes preclaras de la productora estaban buscando un éxito ni siquiera sabían que una simple canción llevaría esa película al éxito por todos los tiempos.
Dentro de los musicales clásicos y de siempre esta película es referencial.
Si nos fijamos en el argumento, se trata de pasar desde el cine mudo al cine sonoro, con lo que nosotros podremos comparar como se hacían antes las películas y como se hacían después, incluido hasta el doblaje de actores. Podemos fijarnos en la interpretación de los actores para las películas mudas y como cambia para el sonoro. Si en un principio importa el gesto después la interpretación se hace más complicada o podríamos decir más completa.La película puede servirnos también para entender como han evolucionado las técnicas de grabación de una película pues aunque en la película solo vemos el paso al sonoro, nosotros podemos pensar en toda la evolución que se ha producido hasta nuestros días.

UNA FAMILIA CON CLASE

EASY VIRTUE
DIRECTOR: Stephan Elliott
GUIÓN: Stephan Elliott, Sheridan Jobbins (Obra: Noel Coward)
MÚSICA: Marius De Vries
FOTOGRAFÍA Martin Kenzie
REPARTO: Jessica Biel, Colin Firth, Kristin Scott Thomas, Ben Barnes, Kimberley Nixon, Katherine Parkinson, Charlotte Riley, Jim McManus, Kris Marshall, Christian Brassington, Pip Torrens, Georgie Glen, Laurence Richardson
GB, 2008, 97min.

SINOPSIS: Un joven inglés de buena familia que se enamora perdidamente de una americana sexy y superficial, con la que se casa impulsivamente. Cuando la pareja regresa a Inglaterra para instalarse en casa del joven, la madre de éste la toma instantáneamente con su joven nuera. Se establece una continua batalla entre las dos por mantener su posición.

CRÍTICA: En mi opinión una película con tango tiene el 50% del éxito asegurado. Si además le añadimos unos magníficos diálogos, propios de un gran dramaturgo como era Noel Coward, alcanzamos el 75% del éxito. Algún puntito más por una estupenda banda sonora que a veces destaca demasiado. Y one point por la interpretación de Colin Firth como padre de la familia. El resto se deja ver como corresponde a una buena obra de teatro bien pasada al cine y bien ambientada en los paisajes y en los decorados de la casa. Como negativo que nunca haría de esta película una de mis 100 favoritas. ¿Qué cuales son esas 100 favoritas? Por favor no me atosiguéis. Ahora se trata de hablar de esta agradable comedia. Decía que como negativo tenemos una cámara que para contrarrestar la densidad de los diálogos se mueve demasiado y busca ángulos imposibles, especialmente en las habitaciones. Esos maravillosos diálogos llenos de ironía hubieran estado mejor en otros intérpretes más habituados al cine o quizás con otro director. Ya se que Kristin Scott Thomas es una gran actriz, díganmelo a mi que tengo “El paciente inglés” como obra maestra o casi, pero aquí adolece de falta de sentido del humor para interpretar a esa mamá manipuladora. En definitiva, se pasa un rato muy agradable y uno se queda tan contento de coincidir con esa imagen de la hipocresía inglesa.

AMAZING GRACE

DIRECTOR: Michael Apted
GUIÓN: Steven Knight
MÚSICA: David Arnold
FOTOGRAFÍA: Remi Adefarasin
REPARTO: Ioan Gruffudd, Albert Finney, Michael Gambon, Romola Garai, Benedict Cumberbatch, Rufus Sewell, Ciaran Hinds, Youssou N'Dour, Toby Jones
G.B., 2006, 111min.

SINOPSIS: Basada en la vida del británico William Wilberforce que desde su puesto e influencia como parlamentario luchó por abolir la esclavitud en Inglaterra.

CRÍTICA: Quiero agradecer a una serie de amigos blogueros que pueda ver buen cine, que por una razón u otra, se me escapó en la gran pantalla. Hoy le toca a Un mundo de cine que abrió mi interés en un documentadísimo post (como todos los suyos) sobre esta película. Si alguien se decide a verla, le recomiendo que vea antes el post de ese blog y no se preocupe por si revela algo del contenido de la película porque le va a interesar igualmente.
No tiene una planificación espectacular. Su música no es envolvente sino intimista.
El discurso es muy denso pero acompañado de una magnífica interpretación de todos los actores. Buena fotografía perfectamente iluminada tanto en exteriores como en interiores. Una realización perfecta que no hará de esta película una obra maestra, pero si conseguirá calar en el espíritu de todos los que la vean.Por mi parte he tenido un problema porque no dominó el inglés: el diálogo denso hace que te concentres en los subtítulos y en el primer visionado puedes perderte el hilo de las imágenes. De todas formas creo que hay que verla en su versión original subtitulada.

FELIZ NAVIDAD

Joyeux Noël

DIRECTOR: Christian Carion
GUIÓN: Christian Carion
MÚSICA: Philippe Rombi
FOTOGRAFÍA: Walther van den Ende
REPARTO: Diane Kruger, Benno Fürmann, Daniel Brühl, Guillaume Canet, Gary Lewis, Dany Boon, Rolando Villazón, Alex Ferns, Lucas Belvaux, Steven Robertson, Frank Witter, Bernard Le Coq, Ian Richardson, Thomas Schmauser

FRANCIA, 2005, 115 min.
SINOPSIS: Está basada en un hecho real ocurrido durante una Navidad de la Primera Guerra Mundial cuando los soldados alemanes, franceses y escoceses superando sus diferencias se ponen a jugar al fútbol.

CRÍTICA: Esta es una película del tipo que no buscamos en estas fechas, pues basada en un hecho real de la Primera Guerra Mundial. Seguro que si vamos al cine buscaremos algo entretenido, con lo que llamamos “espíritu navideño”. Esta película, si tiene algo, es ese espíritu navideño, pero el real, el que debería ser y no las ñoñerías que nos quieren hacer felices y en realidad nos engañan. Quizás un poco menos de duración hubiera sido mejor para quedarnos con lo que se pretende. Muy buena música que subraya todo el “espíritu” de la película.

Candidata al Oscar 2005 a la mejor película de habla no inglesa.

Y SIRVA EL CARTEL PARA DESEAROS FELIZ NAVIDAD A TODOS LOS QUE PASÁIS POR ESTE BLOG.

EL GRECO

DIRECTOR: Yannis Smaragdis
GUIÓN: Jackie Pavlenko (Libro: Dimitris Siatopoulos)
MÚSICA: Vangelis
FOTOGRAFÍA: Aris Stavrou
REPARTO: Nick Ashdon, Juan Diego Botto, Laia Marull, Lakis Lazopoulos, Roger Coma
Grecia, 2007, 119 min.

SINOPSIS: Tras huir de la ocupación veneciana de Creta, el pintor Domenicos Theotocopoulos llega a Venecia y comienza a trabajar en el estudio de Tiziano. Allí es descubierto por el Niño de Guevara, un sacerdote español con el que mantiene una extraña relación. Años después, el pintor se traslada a Madrid y se enamora de la hija de un noble militar, con la que tiene un hijo. La pareja se establece en Toledo donde triunfa como artista. El profundo rechazo que el artista siente por la Inquisición pronto le llevará a enfrentarse abiertamente con el Gran Inquisidor.

CRÍTICA: La presunta vida del Greco contada en un flashback a partir de su muerte de este pintor. He dicho “contada” y tomen esto literalmente, pues es una voz en off la que va narrando lo que el director no ha sabido narrar con imágenes. El guión no es exactamente una biografía sino que pretende hacer una introspección en el sentir del pintor y con eso, lo que podría haber sido una película sobre El Greco, se convierte en una película para decirnos lo que pensaba El Greco. Pero es la voz en off la que dice, no las imágenes, por lo tanto un tostonazo.
La película habrá costado un dinero y si hubiera sido un buen director con ese mismo dinero podría haber realizado algo interesante. Pero se necesita un artista para contar la vida de un artista y está claro que este director no lo es.
En cuanto al guión, ni existe y para lo poco que hay uno se ríe, en particular en la referencia a Cervantes.Eso si, la Inquisición sigue siendo tan mala como siempre y hasta la película se atreve a insinuar (a mi me lo parece) la homosexualidad del Gran Inquisidor. Pero no se preocupen porque no les revelo nada, ya que está tan mal contado que igual el inquisidor buscaba un amigo, un hermano o al mismo Dios Creador. Mala con avaricia.

EL BUSCAVIDAS

The Hustler
DIRECTOR Robert Rossen
GUIÓN Robert Rossen & Sidney Carroll (Novela: Walter Tevis)
MÚSICA Kenyon Hopkins
FOTOGRAFÍA Eugene Shuftan (B&W)

REPARTO Paul Newman, Jackie Gleason, George C. Scott, Piper Laurie, Myron McCormick, Murray Hamilton, Vincent Gardenia, Michael Constantine

USA, 1961, 135 min.

SINOPSIS: Un granuja que se gana la vida desplumando a los incautos que le retan en la mesa del billar buscará ganar la partida de su vida frente al mejor jugador.

CRÍTICA: La secuencia de arranque, como un prologo antes de los títulos, nos introduce en ese submundo de las apuestas y las mafias del juego. Y en esa secuencia se engañará al espectador durante unos minutos porque consideraremos a Eddie como un personaje que por casualidad juega una partida de billar. Después de este engaño, el espectador entra en el personaje y quiere saber más de él. Descubrimos a continuación que su meta es desafiar al "Gordo de Minnesota", considerado el mejor jugador de billar y que no ha perdido una partida en los últimos diez años. El enfrentamiento de ambos constituye la primera parte de la película y la partida nos servirá para conocer a fondo a Eddie. La secuencia de la partida es una auténtica muestra magistral de hacer cine. Cada plano, el montaje, la iluminación, el sonido, especialmente el choque de las bolas, la vestimenta de los que allí se encuentran y en especial del "Gordo de Minnesota"; y la interpretación de ambos contrincantes, hace que ese enfrentamiento sobre la mesa se convierta en un enfrentamiento de formas de ser. Lo que allí ocurre nos marcará el mundo en el que se desarrolla la película, el juego, el alcohol y el dinero. A partir de aquí la película discurre como el seguimiento de Eddie y nos encontraremos en distintas situaciones que están resueltas, cada una de ellas, como modelos de hacer cine.
Cada uno de los elementos formales de esta película tiene el tiempo y la intensidad necesaria para que el espectador, como el lector de una gran obra literaria, penetre en la historia y en el sentir de los personajes. Es decir, la narración fílmica en esta película alcanza la cota de obra maestra. El encadenado de secuencias extraordinariamente planificadas para durar lo justo y la relación entre estas secuencias son un claro ejemplo de narración cinematográfica.
Eddie “Relámpago” Nelson, un granuja y un perdedor, se convierte en un personaje memorable del cine gracias a la interpretación de Paul Newman. Así mismo personajes que son secundarios, como el Gordo de Minnesota o Sarah, consiguen un máximo nivel de interpretación gracias a Jackie Gleason o Piper Laurie. Hay que hacer notar que habiendo grandes interpretaciones en esta película no se le dio ningún oscar por estos conceptos.
La banda sonora es de Kenyon Hopkins que utiliza un ritmo de jazz ideal para la película, por los espacios en los que se desarrolla y por los sentimientos de los personajes.
La fotografía en blanco y negro de Eugene Schufftan que maneja a la perfección las luces y las sombras define perfectamente a los personajes y al ambiente sombrío de los garitos donde redesarrolla la mayor parte de la acción. Se le concedió un merecidísimo Oscar. El otro Oscar lo consiguió la dirección artística.
Al final, con esta película, ocurre lo mismo que con el postre favorito, quieres repetir.