ATRACO A LAS TRES

DIRECTOR: José María Forqué
GUIÓN: Pedro Masó, Vicente Coello, Rafael J. Salvia
MÚSICA: Adolfo Waitzman
FOTOGRAFÍA: Alejandro Ulloa

REPARTO: José Luis López Vázquez, Cassen, Gracita Morales, Manuel Alexandre, Alfredo Landa, Katia Loritz, Manuel Díaz González, Agustín González, José Orjas, Lola Gaos, Rafaela Aparicio

ESPAÑA, 1962, 92 min.

SINOPSIS: Un grupo de trabajadores de un banco se proponen realizar un atraco en la sucursal donde trabajan y en el momento que haya más dinero.

OPINIÓN: Esta es una película que se debe ver para conocer el cine español que se hace en los años 60. El régimen franquista no permite mucha crítica social y hay que ser muy listo para colarle a la censura un buen guión. En este caso Masó no es nada listo y por eso tenemos un guión de lo más ramplón que se puede escribir. Un poco más de riesgo y se podría haber llegado al absurdo y desde ahí darle al espectador la oportunidad de imaginar como se vivía en España siguiendo las peripecias de unos empleados de banca. El director, José Mª Forqué, sabe hacer las cosas bien y en este caso las hace para atraer al gran público y hacer taquilla. La productora no es tonta y conociendo el guión y el director contrata a unos actores. Ahí está el acierto, los actores de esta película , todos y cada uno de ellos, dan una lección magistral de cómo se interpreta comedia en el cine. Si la vuelvo a ver será para seguir cada uno de los movimientos de esos actores que en un erial de ideas supieron engrandecer el cine español.Marzo es el mes número “tres” del año.

PERSÉPOLIS

DIRECTOR: Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud
GUIÓN: Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud (Cómic: Marjane Satrapi)
MÚSICA: Olivier Bernet

FOTOGRAFÍA: Animation (B&W)
FRANCIA, 2007, 95 min.

SINOPSIS: Narra la historia de una niña iraní que observa el fundamentalismo islámico desde que estalla en su país hasta nuestros días. En el principio de esa revolución fundamentalista la protagonista todavía tiene tiempo de conocer la libertad de los paises democráticos. Cuando llega a la adolescencia sus padres la envían a Europa, donde podrá conocer otras culturas.

OPINIÓN: Con toda la originalidad y el arte del cómic se ha construido una película sobre un soberbio guión que de haberse interpretado por personas podría haber sido algo melodramático. Aquí, el dibujo en blanco y negro le da mucha fuerza a la historia que en sí misma está en blanco y negro, pues es blanca en cuanto a unos personajes que quieren vivir y lo hacen con alegría frente a lo negro de la realidad que les acompaña en su país y allá donde vayan. Que bien trazado está el dibujo de la protagonista que puede expresar todo lo que vive y siente hasta el punto que el espectador llega a olvidarse en algunos momentos de que quien le transmite esos sentimientos no es más que un dibujo.

DOS HOMBRES Y UN DESTINO

Butch Cassidy and the Sundance Kid

DIRECTOR: George Roy Hill
GUIÓN: William Goldman
MÚSICA: Burt Bacharach
FOTOGRAFÍA; Conrad Hall

REPARTO: Robert Redford, Paul Newman, Katharine Ross, Strother Martin, Jeff Corey, Henry Jones, Cloris Leachman, Ted Cassidy, Kenneth Mars
USA, 1969, 112 min.

SINOPSIS: Butch Cassidy, Sundance Kid y una guapa maestra llamada Etta Place formen un trío de románticos forajidos que, robando por oficio y divirtiéndose con el riesgo, tienen siempre a la ley pisándoles los talones, lo que provoca que salgan de Estados Unidos viajando hasta Bolivia.

OPINIÓN: Revisar antiguas películas que en su momento nos han gustado produce a veces decepciones. Pero no es este el caso, porque un guión bien estructurado y dos grandes actores en pantalla con una magnífica, archiconocida y pegadiza banda sonora, siempre gustan. Hoy ya hemos visto todo tipo de western, pero cuando se estrenó la película era una novedad presentar a dos forajidos de modo que cayeran simpáticos al público y de tal modo que el espectador llega a ponerse en contra del orden establecido. En realidad la película es un road-movie, sin coches pero con caballos, sin carreteras pero con senderos, ríos y montañas. Destacaría la secuencia en plan videoclip con la bicicleta y la canción de Bacharach, "Raindrops Keep Falling on my Head” como fondo.
P.D. Siguiendo las doce uvas para 2009 de Father-Caprio, valga esta película por enero (UN destino) y febrero (DOS hombres).

LA CLASE

Entre les murs
DIRECTOR: Laurent Cantet
GUIÓN: François Bégaudeau, Robin Campillo, Laurent Cantet (Libro: François Bégaudeau)
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Pierre Milon

REPARTO: François Bégaudeau, Nassim Amrabt, Laura Baquela, Cherif Bounaïdja Rachedi, Juliette Demaille
FRANCIA, 2008, 128 min.

SINOPSIS: François es un joven profesor de lengua en un instituto difícil. Sus alumnos tienen entre 14 y 15 años y no duda en enfrentarse a ellos en estimulantes batallas verbales. François -autor de la novela en la que se basa la película- y los demás profesores se preparan para enfrentarse a un nuevo curso. Pero las culturas y las actitudes se enfrentan en el aula. Por muy divertidos y estimulantes que sean los adolescentes, sus comportamientos pueden cortar de raíz el entusiasmo de un profesor.

OPINION: Y vuelvo al guión, que basado en una novela, cuenta, no los problemas, si no sólo algunos problemas que se plantean hoy en la enseñanza en los centros con abundancia de alumnos procedentes de diferentes etnias. Faltan otros, entre ellos agresiones al profesor tanto por parte de alumnos como de padres, acoso escolar, drogas, robos y otros que en ese tipo de centros son tan frecuentes como “no tengo ganas de leer”, “me tiene manía” y el tuteo al profesor. De acuerdo que el tema tratado, y como se trata, da mucho que pensar y de que hablar, pero eso fuera de la sala de cine.
Mientras estoy sentado en mi butaca de cine yo lo que veo (es cine) son una serie de planos que pasan rápidos para darme muchos puntos de vista de un aula en sí pequeña, y esa serie de planos están bien hilvanados para que yo vaya entendiendo pequeñas historias que en ese espacio se desarrollan. Hasta aquí, admitámoslo, bien.
¿Pero que pasa con esa cámara que se mueve de manera compulsiva nada más empezar la clase? Parece que está llevada a mano, amateur, documental. Pero no, está perfectamente colocada sobre sus mecanismos y angulada según una iluminación global que para nada corresponde a un documental. Los movimientos son caóticos en las reuniones de profesores, como el ojo alguien que mira rápidamente a distintas partes. Pero el ojo no trabaja así. El ojo tiene una especie de estabilizador de imagen y un sistema nervioso de relación de imágenes que aunque vayamos corriendo no vemos las cosas a saltos, y si estamos en una reunión y pasamos la mirada de un punto a otro no vemos una imagen borrosa entre ambos puntos. En definitiva, la cámara en mano necesita llevarse con cuidado y después en el montaje corregir los errores.
Y en el cine, en la historia del cine, han existido grandes intérpretes (no hace falta que cite a nadie). ¿Por qué tengo que aceptar como buena interpretación la de unos intérpretes no profesionales? Lo hacen, interpretan mejor que en una función de colegio, y basta. En definitiva, una buena película no es un buen tema y ya está, es otra cosa.

ARREBATO

DIRECTOR: Iván Zulueta
GUIÓN: Iván Zulueta
MÚSICA: Grupo Negativo
FOTOGRAFÍA: Ángel Luis Fernández
REPARTO: Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Marta Fernández-Muro, Carmen Giralt, Will More, Luis Ciges, Antonio Gasset

ESPAÑA, 1979, 110min.

SINOPSIS: José Sirgado, director de cine de treinta y pocos años ha terminado su segunda película y se siente profundamente insatisfecho. Tal vez sea que sus relaciones con el cine no tengan nada que ver con lo que él había imaginado. Tal vez la heroína ha dejado una huella más profunda de lo previsto. Al volver a casa un misterioso paquete parece acudir en su ayuda. Lo envía Pedro, un adulto-infante al que José apenas prestó atención en su día, pero que ahora resurge como la única respuesta posible al angustioso SOS de José. La extraña trayectoria vital de Pedro, reflejada en la película y la grabación que integra el paquete, arrastrarán a José a un punto límite.

OPINIÓN: En mi opinión es la película española que más se ha arriesgado en el llamado séptimo arte. Toda ella es un compendio de experimentación que pretende hacer cine del cine. Su mismo título nos avisa de ese arrebato que se producirá si llegas al final de la cinta. Antes de continuar hablando de la película me gustaría avisar que es sólo para aquellos que nos gusta el cine como manifestación artística total y no solo como un entretenimiento.
La primera vez que la vi me dejo atrapado y dispuesto a verla otra vez. Pero es que después, cada vez que la veo me engancha de tal modo, como una droga, que al terminar quiero verla inmediatamente otra vez. Por disciplina dejo pasar el tiempo y cada vez que la reviso es lo mismo, me arrebata.
Que nadie espere una disertación magistral sobre el cine, las drogas, la marginación o algunos de los temas que aquí se tocan. No es eso, es una sucesión de imágenes en movimiento (definición de cine) que produce en mi la misma sensación que tengo ante un cuadro del Greco o al escuchar una sinfonía de Mahler o cuando veo la arquitectura de Calatrava en la Ciutat de les Arts i de les Ciències.
Ya se, no estoy haciendo un análisis científico y objetivo de la película pero es que no puedo. “El cine me quiere” y ante esta manifestación de amor solo cabe la entrega total.

MY BLUEBERRY NIGHTS

DIRECTOR: Wong Kar-Wai
GUIÓN: Wong Kar-Wai, Lawrence Block (Historia: Wong Kar-Wai)
MÚSICA: Ry Cooder
FOTOGRAFÍA: Darius Khondji
REPARTO: Norah Jones, Jude Law, Natalie Portman, Rachel Weisz, David Strathairn, Hector A. Leguillow, Frankie Faison, Chad R. Davis
HONG KONG, 2007, 90 min.
SINOPSIS: Una joven (Norah Jones) tras sufrir un desengaño amoroso comienza una busqueda de sí misma y del amor verdadero. En el camino, enmarcada entre el mágico paisaje urbano de Nueva York y las espectaculares vistas de la legendaria Ruta 66, la joven se encontrará con una serie de enigmáticos personajes en los cuales ella descubrira lo que busca.
CRÍTICA: Yo opino que es una interesante propuesta para plantear el cine desde una novedad de imagen que sin ser de ruptura, ofrece novedades en la iluminación, los enfoques y el movimiento mismo. Aquí radica todo el trabajo, un buen trabajo, del director que está más pendiente de estos elementos y de la música que de la interpretación de los actores. En todo caso, dispone de un buen elenco que fácilmente se deja dirigir.
Como el argumento es muy simple y el guión más simple todavía, si tenéis interés en verla, debéis sentaros en vuestra butaca o sillón preferido, relajados. Si lleváis gafas os aconsejo limpiarlas bien porque algunas luces os pueden parecer extrañas y dejaos llevar por las imágenes, quiero decir, disfrutar de la fotografía que además va acompañada de buena música que os sonará más de una vez.
Los personajes no están planteados en toda su profundidad, ni creo que el director lo pretenda, ya que la película es una sucesión de tres sketchs incluidos en la historia de amor base del argumento, y no hay tiempo para conocer bien a cada uno.
Destacaría una frase que pronuncia la protagonista (Norah Jones) cuando definitivamente descubre que ha perdido el amor de su novio: “¿Cómo te despides de alguien sin el cual no puedes vivir?”

CANTANDO BAJO LA LLUVIA

SINGIN' IN THE RAIN
DIRECTOR: Stanley Donen, Gene Kelly
GUIÓN: Betty Comden, Adolph Green
MÚSICA: Nacio Herb Brown, Arthur Freed
FOTOGRAFÍA: Harold Rosson & John Alton

REPARTO: Gene Kelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell, Cyd Charisse, Rita Moreno, Douglas Fowley

USA, 1952, 102 min

SINOPSIS: Antes de conocer a la aspirante a actriz Cathy Seldon (Debbie Reynolds), el ídolo del cine mudo Don Lockwood (Gene Kelly) pensaba que lo tenía todo; fama, fortuna y éxito. Pero, tras conocerla, se da cuenta de que ella es lo que realmente faltaba en su vida. Con el nacimiento del cine sonoro, Don quiere filmar los musicales con Kathy, pero entre ambos se interpone la reina del cine mudo Lina Lamont (Jean Hagen).

CRÍTICA: Si los años 40 fueron para el cine americano una época dorada fue gracias a esta película, entre otras, como “Ciudadano Kane” (1941) o “El tesoro de Sierra Madre” (1948). La película no es considerada por todos los críticos de manera igual. Es más, algunos la desprecian y en la España de los años 60 y 70, la España de los cineclubs, esta película era considerada un melodrama para porteras (las de entonces) sin ningún valor cinematográfico. Pero el público en general ya la había convertido en mito y mas de cuatro progres la seguían por los cines de reestreno.
En su origen la misma película sigue el camino menos indicado para ser un éxito. Se basa en una obra de teatro que no se estrenó. El guión no está terminado cuando empieza el rodaje. El director y los actores no son los que en principio han sido considerados. Pensada como una película de propaganda en tiempo de guerra, se convierte en uno de los melodramas cumbre de la historia del cine. Posiblemente, cuando las mentes preclaras de la productora estaban buscando un éxito ni siquiera sabían que una simple canción llevaría esa película al éxito por todos los tiempos.
Dentro de los musicales clásicos y de siempre esta película es referencial.
Si nos fijamos en el argumento, se trata de pasar desde el cine mudo al cine sonoro, con lo que nosotros podremos comparar como se hacían antes las películas y como se hacían después, incluido hasta el doblaje de actores. Podemos fijarnos en la interpretación de los actores para las películas mudas y como cambia para el sonoro. Si en un principio importa el gesto después la interpretación se hace más complicada o podríamos decir más completa.La película puede servirnos también para entender como han evolucionado las técnicas de grabación de una película pues aunque en la película solo vemos el paso al sonoro, nosotros podemos pensar en toda la evolución que se ha producido hasta nuestros días.